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Los mexicanos estamos tan acostumbrados a ver TV basura, que cuando vemos algo bueno delante de nuestros ojos, no lo podemos reconocer. 

Y así empiezo esta entrada, porque más que una reseña de Control Z, en este escrito quiero explorar un poco más el porqué decimos que lo mexicano es basura, o es malo, o todo lo queremos comparar con La Rosa De Guadalupe solo porque sí. En especial en el entretenimiento del sector ‘juvenil’.

Control Z no es mi tipo de serie, y estoy muy segura de que si la serie fuera gringa no la hubiera visto. Y también estoy segura que en mucha gente funciona completamente al revés. Patricio Gallardo subió a sus Instagram Stories una historia donde acaba de terminar de verla, y después de muchísimos warnings acerca de lo que estaba a punto de decir, con mucho miedo dijo, “creo que nunca se había hecho algo así en México”. Lo dijo con miedo porque la sociedad mexicana, ya sea cinéfilos mamadores, o gente que en su vida se ha puesto realmente a ver una película/serie, se te va a echar encima.  Pues yo se los digo sin miedo, nunca se había hecho algo así en México. 

Te explico porque. 

Cuando un director o un productor tiene un guión, ya sea terminado o no, incluso a veces cuando ni siquiera tienen listo el guión, si no un tratamiento de uno, en proyectos audiovisuales profesionales, existe una (o muchas revisiones) para moldear a los personajes, para poder trabajar con lo que se tiene, es decir, si escribiste un personaje que es tímido, pero el actor no lo es, y no le sale naturalmente ser tímido, —esto no choca con la idea de que sea mal o buen actor— puede que el director o productor moldeen el personaje a la manera de ser del actor. Esto, para poder captar en cámara algo más genuino.

No sé exactamente cuánto llevaba en desarrollo esta serie, yo personalmente no me había enterado hasta casi una semana antes de que saliera, pero solo hace falta indagar un poco en Instagram para darse cuenta de que, el proyecto ya existía, desde antes de… ¿lo normal? ¿Qué es ‘lo normal’ para nosotros los pobres mexicanos? Ah sí, que un productor les dé a los actores el guión para que se lo aprendan y lo reciten delante de una cámara en un trípie, una semana antes, el guión siendo, un recopilado de los nuevos peligros que están de moda entre los pubertos y jóvenes adultos, en la distópica Ciudad de México.

Lamentablemente ese es nuestro primer punto de comparación. (Según muchos de ustedes, pues)

Hablemos un poco del contexto de la serie. 

Netflix acaba de sacar su nosécual temporada de 13 Reasons Why, y la gente la odia, pero estoy segura de que ha recibido menos críticas malas que Control Z, y que la principal queja de los jóvenes gringos hacia la serie es que no es suficientemente inclusiva. Y los mexicanos hacemos lo mismo por copiarles, sin entender realmente porque es que lo hacen. El contexto en 13 Reasons Why, —solo vi la primera temporada— no es uno muy difícil de pensar. El formato social y “cultural” de una preparatoria estadounidense existe desde principios de los años 80’s en el cine. Y lo más importante de todo, es que ES real, y funciona. (para ellos). 

Nosotros no tenemos eso, nuestro cine o entretenimiento audiovisual nunca buscó darnos un contexto social propio. Al menos no uno real —ejem, Rebelde, ejem— Y más allá de los pasillos claustrofóbicos y los casilleros, es la estructura y círculos sociales que usualmente, o comúnmente vemos en las preparatorias mexicanas. (Las muy conocidas categorías narradas por Janis Jian en Mean Girls, en México no funcionan, no así, y si existen es un ‘intendo de’ y eso también puede ser divertido).

Y un ejemplo MUY grande de la falta de contexto escolar en nuestro entretenimiento mexicano, es la versión mexicana de High School Musical. Ni siquiera necesitas ver la película para entender a qué me refiero, puedes buscar algún número musical y entenderás. Y por mucho tiempo la gente pensó que el problema era que usaran reguetón en las canciones o que la actuación era muy cheesy, por dios ¿No vieron High School Musical? —no me odien, yo AMO High School Musical, pero la actuación justamente está pensada de esa manera, y funciona, es una película musical para adolescentes, ¿Sí?— El problema principal con High School Musical: El Desafío, es que los productores jamás se detuvieron, se sentaron, y pensaron en darnos una identidad. Un contexto en el que realmente una historia preparatoriana sucediera en un México, con números musicales incluidos. No, no se esforzaron, incluso juegan fútbol en una cancha de basquetbol (?!?!?!). No en una cancha abierta como usualmente es en las escuela mexicanas grandotas. De hecho, uno de los mayores problemas con el formato, es ese. Las escuelas en Estados Unidos, tienen la arquitectura que tienen por una razón, y aunque de niños queríamos con todas nuestras fuerzas que nuestra escuelita fuera un pasillo cerrado con casilleros y caminar a tu clase en lugar de tener un salón determinado y que el maestro fuera el que va al salón, no es así, y personalmente, la arquitectura de las escuelas mexicanas es muchísimo más preciosa que la de las preparatorias allá. —Obviamente aquí habrá gente que pensará, de que chingados está hablando, porque existen muchas escuelas hermosas en Estados Unidos, bla bla bla, pero quiero aclarar que me refiero a la común escuela pública que existe a nivel preparatorio, porque todas son iguales— Ahora, la arquitectura cerrada tiene una razón, y es el clima. En México por otro lado, las escuelas son abiertas, de que, incluso cuando vas al baño tienes que pasar a ladito de un jardín. (O un baldío, depende de la suerte de cada quien) Y eso es hermoso. 

En Control Z, los productores SÍ se sentaron, y SÍ pensaron en dar una identidad escolar. Y aunque sí están presentes los casilleros y los pasillos, conforme avanzas con los personajes para entender su naturaleza, te das cuenta de que por fin, hay una dinámica con el lugar, hay un vínculo personaje-escuela; No es algo pretendido, no es algo que “sí le echas imaginación, ahí estará” no, SÍ está.

Ahora, necesito sacarme esto del pecho porque odio que sea una constante crítica en absolutamente todo. 

La serie es muy “whitey” y no es “inclusiva”. Es, yo creo, la frase más repetitiva que ha habido respecto a Control Z. Hace rato vi un tweet que decía justo lo mismo “No, sí está padre, solo que está whitewasheada” y la inteligente persona respondió “Sí, pero siento que el whitewash es el punto de la serie ¿no?” 

Y bueno, bravo. 

La serie explora la naturaleza de un montón de niñillos ricos, privilegiados, con problemas de identidad y de crisis existenciales, porque sí, “les da tiempo para eso”. Y ESO incluso lo vuelve más redundante, porque más de una vez hemos escuchado a alguien quejándose de la vida, haciendo el warning de “pero bueno, problemas de primer mundo” cuando siempre está el justiciero que responde, “todos nos sentimos así de vez en cuando, y la salud mental, y vayan terapia” y después sale alguien “ir a terapia es un privilegio” y un laaaaaaaaaaaaaargo etcétera. 

No que no tengan razón. Pero justo eso.

Quisieron hacer una historia, buena, con esta clase de mexicano, y ya. 

Curiosamente las personas que se quejan de la falta de inclusividad, no todas claro, pero al menos con los que me he topado yo, no han mencionado ni siquiera una sola cosa acerca de la nueva película “Ya No Estoy Aquí”, y apuesto a que tampoco se toman el tiempo de ver más cine mexicano. Tampoco los culpo tanto, la distribución, sobre todo en México, está enferma. Es un círculo vicioso de: No vemos películas buenas porque no las ponen en cartelera, y no las ponen en cartelera porque cuando lo hacen, no las vemos. 

El mexicano se queja de la basura, siendo basura lo único que sabe consumir. 

Una cosa que tampoco están tomando en cuenta, es que seguramente el mayor porcentaje de gente que está todavía llena de prejuicios a la comunidad LGBT y es incluso racista, son las que están en Netflix. Como diría: No todos los mexicanos que tienen Netflix son whities privilegiados racistas, pero todos los whites privilegiados racistas, tienen Netflix.

Y el hecho de que hayan puesto a una protagonista trans, BIEN ESCRITA, y con razón de ser, desafía a esta clase de gente, esta clase de gente de la que tanto nos quejamos, que cuando salió Roma, y la parodia de Jesucristo gay dijeron “voy a cancelar mi suscripción de Netflix”.

Control Z está pensado para justo ESE público que no le daría click si los personajes fueran morenos, para que se reflejen en estos personajes que sí, son una mierda, pero están bien escritos. Y para el resto, siempre es una verdadera lástima cuando gente de otros países sabe apreciar más un proyecto así, que para las personas a las que buscan darles una buena serie para pasar el rato.

Antes de terminar, una de las escenas, —aparte del final, y de las escenas del bullying, que están increíblemente bien actuadas, y sobre todo, dirigidas— que más me gustó y donde más se notaron las ganas que le echaron a esta serie, es donde la protagonista está sola leyendo en una mesa, y el grupito de personajes está detrás de ella, ahí, cotorreando. (Jamás había visto un cotorreo tan real, y tan bien actuado, todo lo que están diciendo a pesar de que está de fondo, — porque estamos concentrados en justo el único personaje que está harto de estar rodeado de gente así — , tiene una coherencia y un ritmo increíble, y siempre quise ver algo así, sentí que estaba ahí, sientes que estás realmente a lado de un grupito de fresas ninis tirando mierda) Uno se acerca a molestarla y le dice “¿QUÉ LEES?” con esta hiperactividad y valemadrísmo que absolutamente todos los mexicanos hemos visto en otro mexicano, sobre todo en la escuela, y la protagonista no le contesta, y él finaliza con algo como “Ay por eso nadie te junta”.

Bellísimo.

Esta serie no pretende ser más de lo que es, y estoy segura de que si fuera una serie gringa no tendría ni la mitad del encanto que tiene, porque sí, la mayoría de este recae en el contexto, en el lenguaje coloquial, y en las distintas situaciones. La serie parece estar consciente de las posibles críticas, y las anticipó bastante bien. 

Este texto definitivamente no es para las personas que genuinamente no les gustó, porque también es muy válido, —ojo que también decir que no te gustó, a que sea mala es bastante diferente— Es más bien para la gente conflictuada que no sabe a quién hacerle caso. Porque sí llegué a leer críticas que, de verdad parecen más el vómito de la crítica de otro. Mi consejo es este: VELA, y quita todos estos mindset contaminantes y utiliza tu propio criterio para decidir porque te gustó o porque no, y entiende el porqué de ambas, pero que sea TU opinión, TUYA.

The echo that this film has caused generation after generation has induced attention to be diverted. Whenever we hear about The Godfather today, it is used more to accompany a movie with another, or as a point of comparison. "I mean this movie is good, but don't expect The Godfather" They've put this movie on a pedestal so high that people who start to get interested in cinema, see it more for complying with their watchlist than for enjoying it.

It has also blurred the true theme that the film is about, if this film were contemporary, even the least cinephiles would be amazed by this epic drama. Many believe that The Godfather is about the Italian mafia, of course, the world in which it develops, is indeed this, but it is not the main theme that the narrative supports. The Godfather is a family drama, a character study of a grey hero, challenging the moral, even challenging the hegemonic formats of almost every movie you can name. When people talk about The Godfather, they talk about how it marked history, but never about the story itself, or how it is told. The Godfather does not deserve more attention, what it deserves is more contemplation.

Michael Corleone is a character I appreciate and carry with me, because he is teenager who seeks to flee from the clutches of his family, wants to have his own world apart from theirs, wants to get lost between this line that separates immigrants who prefer to carry their old and small Italy on their shoulders, of those who seek to blend in American society.

Each of his scenes, although he as a character does not talk about his feelings, demonstrate his evolution as a person, the change he will live and the actions he will have to take from the fact that no one else in his family can protect them as his father would do it.

The gloomy cinematography of The Godfather projects these changes very well in the main character. The aesthetic values of the world of his family, and the rest, in contrast, show us what his life looks like while drastically changing, and we witness it. The blocking of the scenes is so successful that we, as spectators, feel like part of the mafia, keeping the secrets of Vito Corleone while talking with Bonasera, and at the same time, from Kay Adams's point of view, we are witnessing Michael's null attempt to be an ordinary American, to end up becoming the real and sadistic lead of an Italian mafia, the real Godfather. The tragic story of a teenager giving up the standard American dream. The epic tale of a boy who becomes a murderer. The dramatic story of a family that seeks to protect itself ending up destroyed.

The world of the Godfather can be so absorbing in all aspects, it is a genuinely incredible story and an almost perfect cinematographic piece, full of irony, metaphors, and musical pieces worthy of a symphony orchestra. Watch and let yourself immerse, wrap, contemplate this movie is a masterclass of the seventh art.

In Cynthia Freeland’s “But is it art?” she uses simple definitions and complex statements surrounding aesthetics, to answer, and to ask some more questions about what art can be, and can be not, but most importantly, what is it for? According to Freeland, an art critic should “systematically unify and organize a set of observations, specific to basic principles” (1) the problem of simple definitions is that some pieces of art do not follow the basic original canon of some aesthetic and art theories. However, it does not end there, because art could provide us with deep meanings and messages beyond the aesthetic beauty of the piece, it can tell us something about humankind, or even the entire world, and most importantly, how we perceive it. Freeland enforce her analysis in works by Francisco de Goya, when talking about ‘shock value’, and film icons, such as Norman Bates, when talking about ‘monstrous beauty’ discussing Alfred Hitchcock’s work “Psycho”.

Contemporary art has its impulses and advances; artists introduce us to new ways of expression; they show us how they perceive our society and make us reflect on the world. Cynthia Freeland reviews several art theories, introduces problems related to the interpretation and understanding of contemporary art. The theories she discusses changed art as the understanding of beauty. The unaesthetic can become aesthetically pleasing, and a piece of art could be beautiful in its monstrosity. When she talks about the conflict of controversial art, she analyses the works of Francisco de Goya; she clarifies that “It is impossible to see last works of Goya with an aesthetic distance” (25) in the chapter “Blood and Beauty”, therefore she drops the collective question of whether Goya suffered from a sick mind, or perhaps, “sick imagination” (26) or “temporary period of insanity” (26). She barely mentions the context behind the dark paintings. Freeland seems to always focus on the piece more than in anything else, clarifying that context helps us to make a larger perspective. Freeland’s work in analysing other theories of art made her consider Goya as an “ancestor whose images combine beauty with great violence” (28). With that said, it could be concluded that perhaps Freeland may suggest in the analysis that the so-called “shock value” or element of provocation within art does not automatically make it a good or a bad piece, but the fact that it is discussed or that encourages people to talk and deep ideas towards a particular work, is because it is worth it.

Art has its impulse and advances, as a result of new media of art, or new ways of expression. Aristotle defined art as “human activity of conscious production based on knowledge” Cinema is considered as the seventh art, something assigned by Riccioto Canudo in his work “Manifesto of the Seven Arts” published in 1911. This would be the first time that cinema would be defined as such, a concept that will settle and will come our day as synonymous with the big screen. When we watch a movie, we do not visualize a single product, but the union of various elements that are reflected in a work.

Therefore thus, introducing Lars Von Trier latest work, “The  House that Jack Built” 2018, a psychological horror art film, was presented in Cannes and received sharp criticism regarding the art conversation that this film proposed; the plot follows Jack, a serial killer, set in the 1970’s and 1980’s in the U.S, state of Washington. There is a subplot in this film regarding the discussion about whether something bloody or grotesque may or may not be a work of art. Something ‘grotesque’ represented as murder.

Freeland talks about dark aesthetics, and art speech in film, taking Alfred Hitchcock’s Psycho, she implies that Psycho “permanently altered the face of the horror-film monster, turning him into the boy next door” (16) but she also mentions the not-so-moral dilemma that is, inviting the audience to sympathize with him. Without a conclusion (written or given by Freeland) to the sympathy of the audience, this suggests that the act of entering the head of a fictional killer is the result of arduous philosophical work and considering the various elements that the cinema itself reflects. It is something completely applaudable, in this case, applying it to Lars Von Trier, considering that Freeland did not say that Hitchcock has succeeded (and that perhaps it was not Hitchcock’s intention either).

According to certain statements that Freeland made about the works of Francisco de Goya, “…Goya is uplifting a message in all his works but saying instead that human nature is dreadful. A lament can be legitimate message in art, even when delivered with shocking content” (28). Perhaps this statement could suggest that, in fact, Lars Von Trier managed to give a message, regardless of whether he used the provocation element as a resource. Some scenarios may not be positive as the standard ‘beauty’ meaning might deliver, but the beauty within its horror deliver aesthetic emotions; some critics do praise the beautiful and aesthetically pleasing compositions in a grotesque photograph, and elegant stylizations on bloody scenarios. In words by Freeland, “disinterestedness has some small role in approaching difficult art… by enabling us to try harder to look at and understand something that seems very repugnant” (16) by pointing back to “The House that Jack Built” art includes not just works canonical beauty or good morals but also works that are disturbing that contain a negative moral message, it does matter how is interpreted and how it remains for a further discussion.

Art is something that has been discussed since the very beginning. It has been questioned in debate since the first centuries, new forms of expression arrive, and with them, new aesthetic and even moral challenges that are worth discussing.

Some critics said that Lars Von Trier’s film was nothing more than a provocation with an empty message or poor delivery. Looking at his past works, Von Trier has always been a lover of controversy (something similar to some classical painters), and this does not necessarily mean something bad (but neither good). In fact, Von Trier faces this statement in his last film. The house that Jack built does not deliver a single message but several, the third subplot of this movie is nothing more than Von Trier reflecting on none other than Jack, and the house built (which in the movie is a house made of corpses), is the movie itself, being the target of moral speeches, and being aesthetically beautiful in its monstrosity.

In conclusion, art is something that since it is dawn has been controversial, and will continue to be so, for the rest of its existence. It is controversial because it has no limits, no boundaries, no cage or box to fit into. If it had, art would not be art anymore; it would only be a vessel of the grand organism that is society. Nevertheless, because it is limitless, it cannot be stopped until a certain point and be said: that is art and that is not. Like the mind in our bodies, we are tirelessly reaching to understand the unknown, we are continually discovering new things that can reason certain aspects of our daily lives, but also there can be certain aspects that are too complex and beyond the understanding of anyone other than the author of the art. It is why disturbing aesthetics in films cannot be discredited as art. Even if it does not meet the standards of ‘beauty’ of the traditional art, art at its foundation is to portrays a sentiment, a meaning, a message. It is not there to be questioned on its delivery. Art has always been shocking and thought to provoke. And as with anything in this world that is worth saving, it will continue to evolve to new and unknown heights.

I loved every frame of this movie.

I'm crying.

I watched this without looking for a trailer or any piece of information and at the final scene, I realize the guy paid with a Canadian dollar... I was like, hold on, hold on, wait...

This film was shot in Sudbury Ontario.

And the woman who WROTE and DIRECTED this masterpiece is 28 years old.

It's like this was written for me... Every dialogue, every scene, emotion, every color... I just feel like reborn.

This is the kind of movies that I love. Simple, beautiful.

En estos tiempos ya me es más dificil expresarme y estar satisfecha con lo que escribo, cada vez me cuesta más formular palabras para poder decir lo que siento, escribir lo que siento... Y no se porque. Me gusta pensar que estoy extrapolando mis habilidades sensitivas de mi escritura a mis fotografías o a mis videos. Sí... Ojalá sea eso.

Pero tengo la necesidad en la garganta, en el estomago, en mi corazón, de expresar o intentar sacar lo que esta película me dejó... 

Me dejó tirada en el frio suelo de Los Ángeles, en una noche azulada, con sangre brotando de mi cara, ardor en las rodillas, y una camara en la mano, mientras Lou Bloom se aleja de mi pero antes de desaparecer completamente de mi visión, voltea y sonríe. 

Espero jamás en todo lo que me queda de vida, perder esta habilidad (¿maldición?) que tengo, de sentir las películas tan fuerte.

Casi al final de la película, cuando la trama se pone en “crisis” realmente tuve que pausarla, llevar las manos a mi cara, y respirar. 

“I’m lost” Es la primera línea que se dice Jake Gyllenhaal en Nightcrawler. 

Lou Bloom es un hombre que se siente perdido, busca su lugar, ya no digamos en la sociedad, si no el mundo, en este inmenso mundo lleno de posibilidades, lleno de actitudes, trabajos, relaciones, propositos... 

¿Hasta qué punto una persona puede ser “poco convencional” y hasta qué punto una persona se le considera que está “loca”? 

Me queda claro que el protagonista es un sociopata. Un anti-héroe. Y es dificil explicar lo mucho que me transmitió... Dan Gilroy dijo: “El problema no es Lou, es la sociedad, que premió y permitó a individuo así”. Y es que es tan cierto que duele, en la película, hay UNA sola escena donde se cuestiona el comportamiento del protagonista, a lo que el responde “Quizá no es que no entienda a las personas... Tal vez lo que sucede es que no me agradan”. 

Sentí un escalofrío enorme con ese dialogo. Porque no es solamente eso, no es solo una línea... Es la culminación de la locura que lleva consigo, todo el trayecto, explotando y encarando lo inquietante y único que es este personaje. 

Amé cada mentira y verdad que dijo Louis Bloom a lo largo de Nightcrawler. 

Amé sentirme intimidada por un actor que yo solía considerar “hegemonicamente atractivo y común de hollywood”; a Jake Gyllenhaal le deben decir mucho “eres el hombre de mis sueños” yo puedo asegurar completamente que él es el hombre de mis pesadillas. 

Quisiera poder decir que entiendo a la perfección a Lou, y quizá soy yo misma la que lo esta volviendo dificil. Pocas películas me han hecho sentir como esta. Como sí atravesaran la pantalla del computador y me atravesaran de igual manera a mi. 

Quiero atesorar esta obra maestra toda mi vida.