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Esta película es una propuesta muy interesante, Agnès Varda nos cuenta la historia de Cléo, una cantante hermosa a quien le han diagnosticado cáncer. La película transcurre en tiempo real, dos horas de un día en la vida de Cléo. Toda la película está colmada de una fotografía impecable, la primera escena es a color y después todo lo demás es en blanco y negro. Agnès nos enseña el París de los sesenta a través de los ojos de Cléo. Hay movimientos de cámaras muy bien utilizados con el texto que maneja Varda. A lo largo de la película, Varda toca temas como el papel de la belleza en la sociedad y la objetivación de la mujer. La música la hace Michel Legrand y hay cameos de Jean Luc Godard y Anna Karina. Me parece una película extraordinaria en muchos sentidos, sin duda es una de mis favoritas. 

Samuel Fuller se caracteriza por tener películas con temáticas polémicas y muchas veces tabú. Naked Kiss no es una excepción. En esta película, Fuller retrata la prostitución y la pedofilia. Una mujer que era prostituta decide redimirse y trabajar con niños, se enamora de un hombre, el cual, al contarle su pasado sigue amándole y hasta le propone matrimonio. La historia de amor se termina cuando ella descubre el terrible secreto que su prometido tiene, pues es pedófilo. La película es en blanco y negro de los años sesenta, un neo noir con muchos elementos de vanguardia. Esta película es la que llevó a la cima las películas de serie B por este estilo provocador de vaguardia, una cámara subjetiva, cortes abruptos y otros elementos que caracterizan a esta película como una de las más osadas de sus tiempos.

La película Au hasard Balthazar creo que es una película muy diferente. El punto de vista desde un animal es algo nuevo para el cine de esa época. El personaje principal es un burro con el cual el espectador logra identificarse desde el inicio. Es un filme cruel pero bonito y poético en muchos aspectos. Bresson encuentra una manera muy original de plasmar un retrato de la crueldad humana, las injusticias y los sufrimientos. Para mí es una película que va mucho más allá, que habla sobre todo filosóficamente del alma del hombre, de lo podrida que puede llegar a estar la humanidad como para hacer daño hasta seres inocentes. Es una película que deja pensando al espectador y que, en muchos momentos, llega a los sentimientos.

Sansho Dayu es un filme japonés de 1997, siendo la obra maestra de Mizoguchi, se nos presenta como un melodrama muy fuerte que habla sobre las injusticias de la vida misma, el sufrimiento humano y la muerte. Ambientada en el siglo 11, Mizoguchi nos muestra la historia y los percances que sufre la familia de un gobernador honesto e íntegro. Los hijos de éste terminan siendo vendidos como esclavos, la abuela se ahoga en el asalto y a la madre la ponen a trabajar como prostituta. Al pasar los años los tres sobrevivientes sufren la desgracia de estar separados. Al escapar los dos hijos, la hermana se suicida, el hermano llega a ser gobernador y cuando regresa por ella se entera de todo esto, renuncia a su puesto y va en busca de su madre. La película es bastante cruel con estos giros, el melodrama es muy claro, incluso la madre canta una canción que habla sobre cómo la vida no es más que sufrimiento. La fotografía de toda la película es impecable, incluso hojas de los árboles fueron pintadas para evitar el desequilibrio de ésta. La música es muy buena también, el filme completo es una gran obra de arte.

Filme de 1970 donde Carlos Saura, español narra la historia de un hombre que queda paralizado después de un accidente y le es imposible comunicarse con la gente. Es una película con toques de humor negro, una tragedia y una comedia a la vez. En ella, podemos ver el desarrollo de la frialdad de los miembros de una misma familia, el papel del dinero en los núcleos familiares, donde la existencia del amor se supone más grande que la del interés. Como espectadora logré llegar a una reflexión incluso filosófica más allá, creo que la película cuestiona, de manera sutil, la percepción de la realidad. El enfermo, se ve envuelto en una realidad manipulada por su familiares, quienes incluso le pagan a una actriz para revivir momentos cruciales de su infancia. Me parece extraordinaria esta reflexión sobre la realidad que se nos es impuesta a través de nuestra familia, ya sea por estar enfermos, como el protagonista, o simplemente por ser niños, cuando nuestra psique es como una esponja de cualquier cosa que se nos ponga enfrente.

Esta película es interesante puesto que habla de una intriga política ambientada en el antiguo Egipto. Jerzy Kawalerowicz en verdad logra plasmar aquí una fuerte crítica a la política, a la manipulación y a la ignorancia. Este cineasta polaco logró filtrar una crítica al gobierno de su propio país disfrazándola como una historia en una antiguo mundo ya extinto. Lo que se me hace aún más grandioso de esta película es que esa crítica, sucedida en un mundo inexistente que era dirigida para un gobierno de esa época existente pueda ser utilizada aún para cualquier gobierno de cualquier parte del mundo. Es una prueba evidente de cómo, en todas las época, la política y el gobierno no ha hecho otra cosa más que manipular al pueblo. Toda la película tiene muchísima producción, hay escenas grabadas en el desierto reales con mil extras, las cuales seguro costaron un trabajo y un esfuerzo inexorable. Me parece un gran logro, la escena más impactante por la manera en la que fue manipulada a través de colores y que incluso llega a causar risa es la de un eclipse, el cual es tomado por el gobierno para manipular al pueblo.

Esta película de Renoir es famtástica por sus movimientos de cámaras tan fluidos, tiene un ritmo exacto y la fotografía es muy bonita. La película tiene puntos de vista filosóficos sobre la sociedad y lo que implica ser un miembro de ésta. Al igual que en películas de Jean Vigo, se postula una muy interesante visión sobre la anarquía. Boudu, a pesar de ser "salvado" de ahogarse, es adoptado en la sociedad, a la cual no pertenece, pues es un salvaje hombre de la calle. Después de intentar ser educado, e incluso casado y haber ganado mucho dinero, Boudu prefiere escapar de la sociedad y seguir viviendo sin zapatos en la calle. Me parece que hay un paralelismo muy interesante sobre cómo, el maleducado, tiene acciones más honestas que los que lo adoptan, los educados. Mientras Boudu vive en la casa se da cuenta de que el señor de la casa le es infiel a su esposa con la sirvienta y que la esposa le es infiel a él también cuando acosa a Boudu. Es una interesante reflexión sobre la educación, la sociedad y el rol que se nos impone dentro de ella.

Es un filme de los cincuenta que trata temas muy novedosos como la homosexualidad. La historia se centra en un triángulo amoroso, donde las amantes, diabólicas, son las dos mujeres. A pesar de ser inferido a lo largo de toda la película, el lesbianismo nunca es explícito ni vulgar. Tiene características del cine negro americano y del cine de suspense, al final la película da un giro inesperado que hizo de ella también algo original y muy exitoso. Algo muy interesante que tiene esta película es la alternancia del uso de exteriores e interiores, a lo largo de la película jamás vemos un día soleado, el clima forma parte del ambiente que Clouzot nos quiere proponer para su película.

Una película lenta que le da tiempo a la poética y a la contemplativa. De 1971, como es costumbre de Duras, la película tiene esta voz en off característica que es como un hilo conductor que va llevando al espectador. Una película que más que película pareciera un libro, muy literaria pero que a la vez no la desmerita sino que le da un nuevo sentido al cine, un sentido más poético y mucho más pegado a la nouvell vague. El cine poético y literario que tienen los franceses tan arraigado en la piel, una búsqueda de una visión diferente poseída por la cámara. Es un cine lento que se disfruta lento, que se toma de poquito en poquito con un equilibrio en la fotografía que es un deleite al ojo. Una bonita pieza de cine literaria.

A partir de un gran libro, se crea esta gran película, una sucesión que pocas veces se vive en el mundo del cine. Una extraordinaria fotografía en donde podemos distinguir una extendidísima gama de grises y un blanco y un negro tan puros como pocas veces se ven. Toda la película gira alrededor del protagonista del libro de Knut Hamsun, Hambre. La historia, más que sucederse afuera del personaje es todo un meollo interno, sueños y pensamientos casi febriles provocados por la ausencia de alimento. La cámara y los dialogos de la película son perfectos para este ambiente que Knut Hamsun nos describe ya desde el libro. Un libro tan dificil de trducir en imagenes resulta en Sult, esta película de Carlsen que utiliza todos los posibles contras como pros en la pantalla.

Luis Valdez es el máximo representante del cine chicano. Esta película crea toda un identidad alrededor de una tribu urbana que se desarrolla en Estados Unidos de los años cuarenta. A través de la visión de un adolescente pachuco, podemos ver una representación teatralizada de una realidad americana. Las influencias teatrales de Luis Valdez son inexorables. La película trata temas como la injusticia, la ineficacia del gobierno frente a situaciones de violencia.

Una comedia negra que juega con la línea entre el realismo y la fantasía. Con interrupciones musicales, la película va narrando la historia de Mick Travis, un adolescente en busca del éxito. Los pequeños cortos musicales ilustran las situaciones que vive el personaje en un pequeño estudio donde están grabando las piezas. Es así, que el grupo de Alan Price tiene una relación metanarrativa con los sucesos y las travesías de Mick Travis, creo que este es un recurso muy original e interesante.

Un cortometraje en el que se expone una tesis metacinematográfica, en donde dos parejas constantemente se turnan el protagonismo. La primera pareja habla de la segunda y se refiere a ella como una pareja de actores, los primeros discuten sobre lo que va a pasar en la película en la que están actuando los segundos. Los segundos hablan sobre amor y política, siempre en un tono muy poético propio del cine francés y la Nouvelle Vague. La fotografía tiene una estética muy particular, close ups de partes del cuerpo acumulados y planos detalle de la luz sobre las plantas, también se complementa con los diálogos, los cuales son eclécticos en cuanto al idioma.