Du son entre les lignes

Alors que le prochain opus de Deftones est prêt à être pondu, le malheur touche la bande ; Chi Cheng, le fidèle comparse et bassiste est victime d’un terrible accident, ralentissant toute l’hégémonie du quintuor. Cela n’empêchera pas néanmoins Deftones de sortir l’un des meilleurs albums de leur carrière, suivi d’une autre petite pépite, quelques années après.

 I) Eros : un tir manqué 

 Alors que la tournée du Chaos se termine, que tout le monde lève le pied sur ses side-project, Deftones est prêt à retourner en studio dès 2007, en promettant un futur ovni qui s’intitulera Eros. Prévu initialement pour 2008, sa sortie se voit malheureusement être repoussée après un terrible accident de route dans lequel sera impliqué Chi Cheng. 

   Percuté par un automobiliste en état d’ivresse alors qu’il était sur le siège passager, ceinture non attachée, cet accident plonge Chi Cheng dans un coma artificiel le 4 novembre 2008, au vu de la gravité des dégâts corporels qu’il a pu subir. Les mois défilent et tout le monde semble être confiant en affirmant que son état est ‘’grave mais stable’’. A partir de ce moment, un énorme élan de générosité et de soutien moral et financier est lancée à travers la prise d’initiative de Gina Blackmore à travers l’ouverture du site ‘’OneLoveForChi.com’’, mais aussi à travers l’organisation de plusieurs concerts dédiés à Chi dont Jeffe Irwin, leader de Will Haven sera l’investigateur. On retrouvera notamment Tinfed, Death Valley High, Eightfourseven, Dj Crook ou bien encore Death Angel. La totalité des droits d’entrées sont directement reversée à la famille de Chi afin de les aider à payer les frais médicaux non remboursés par l’assurance de Chi Cheng ; elle est belle l’Amérique. Tandis que le reste du groupe reste dans un silence médiatique, fort compréhensible, il n’en demeure pas moins qu’il est hors de question d’arrêter l’aventure Deftones afin de perpétuer la force musicale de Chi Cheng qui refuserait la fin de la fin. Le poste de bassiste est donc confié à un certain Sergio Vega, ancien membre de Quicksand, ayant déjà remplacé Chi Cheng en 1999 pendant une courte période. Ainsi le 5 avril 2009, le groupe remonte sur scène avec leur nouveau bassiste à l’occasion du festival Bamboozle Left. Une tournée européenne est annoncée avec pourtant une seule date en France lors du festival le Cabaret Vert à Charleville-Mezière. (Le concert reste néanmoins mémorable, le festival aussi). Très rapidement à la fin de l’année 2009, il est décidé que Eros ne sortira pas au profit d’un autre nouvel album que le groupe est déjà sur le point de terminer.  

II) Une vie pleine de diamants, une vie bien chouette (2009-2011) 

 Le 17 décembre 2009, Chino Moreno annonce officiellement la sotie du nouvel album, prévu pour le 27 avril 2010 (date non respectée par ailleurs). Il n’hésite pas à parler d’un des meilleurs albums jamais réalisés par le groupe, le décrivant comme un fervent mélange entre Around the Fur et White Pony… Il se nommera Diamond Eyes… 

   Ainsi la première pépite tombe du ciel, et c’est peu dire ; Rocket Skates, premier single, est offert en téléchargement gratuit du 23 février au 9 mars sur leur site. Ce même jour de mars, nous assistons enfin à la diffusion officielle du clip vidéo de Rocket Skates. On se retrouve tout de suite dans une ambiance mixant en effet Around the Fur et White Pony ; la puissance et l’originalité pure de Deftones. Il ne faut pas attendre trop longtemps avant la sortie officielle de l’album Diamond Eyes le 4 mai 2010 qui fait l’unanimité des fans et de la presse ; un chef d’œuvre tant au niveau de la qualité des anciens grands opus de Deftones qu’au niveau artistique de l’époque. L’album s’ouvre sur la mélo-dramatiquement métal qu’est Diamond Eyes. On est tout de suite plongé dans la sphère puissante du nouveau son de guitare de Stephen Carpenter, passant pour l’occasion sur une guitare 8 cordes pour toujours plus de lourdeur. La basse de Sergio Vega apporte un bol d’air frais, avec un groove assuré et supporté par un Abe Cunningham en pleine forme. Les platines de DJ Frank dansent de plus en plus avec les cieux et Chino Moreno est dans une forme vocalement et physiquement olympique. Il ne faut pas attendre trop longtemps avant d’être totalement emporté par la puissance et la rage clairement Groove-métal de Royal et CMND/CTRL, confirmant tout simplement que ce sont eux les patrons et qu’on est très très loin de cette étiquette purulente de Néo-Métal. Car par ces deux morceaux, Deftones prouvent qu’ils savent sans cesse innover et surprendre. Mais ce n’était que le début, car voilà qu’arrive déjà l’orage véritable ; You’ve Seen the Butcher. Morceau sanguinolent d’une lourdeur jouissive et frôlant la perfection musicale. On n’échappera d’ailleurs pas à un clip tout bonnement sensuel et sanglant à l’image de Deftones que je vous invite à découvrir (https://www.youtube.com/watch?v=woAcXSMyCEw). S’en suit la première véritable balade deftonienne de l’opus avec Beauty School, morceau très sympathique qui trouve parfaitement sa place. On retiendra surtout l’innovation rythmique de Cunningham et Vega, démontrant ainsi que le nouveau bassiste fait déjà partie de la famille. Déjà en plein milieu d’album qu’on se prend une petite claque avec Prince, morceau très urbain, et surtout, très à l’image de Around the Fur ; on a juste l’impression d’avoir de nouveau 16 ans, et ça fait du bien. Mais ce n’est pas sans compter la merveilleuse Rocket Skates, qui est clairement une chanson SEXE comme on l’aime chez Deftones. Et quand je dis Sexe, c’est aussi un peu à la limite de la perversion sexuelle que chacun et chacune aime s’attribuer en dérobant son regard face à la beauté des corps. Puis, comme après une parfaite partie de jambes en l’air, épuisant non seulement le matelas, mais aussi les dos à coup de griffes et les cous marqués au fer rouge d’un baisé succulent, arrive la magnifique Sextape. A elle seule, elle saura faire regonfler tous les cœurs malheureux en vous replongeant dans de charmants souvenirs ; une vraie et belle balade respirant le soleil et la bonne humeur. Et alors qu’on se sent attirés par la joie d’entendre un chef d’œuvre musical que c’est déjà presque la fin avec la sublime chanson Risk. Disposant de tout un panel rythmique mettant en avant chacun des membres du groupe, Risk démontre qu’on peut faire du neuf avec du vieux sans se prendre les pieds; une bien belle réussite. C’est ainsi que l’album se termine sur un duo hétéroclite avec 976-Evil et This place is Death. Indissociable l’une de l’autre, ces deux chansons placent la barre très haute à travers une pulsion et une intention artistique venant d’une autre planète. En effet, Deftones ont réussis une disposition parfaite de leurs nouveaux morceaux en offrant un final grandiose où la seule chose qui sortira de votre bouche sera un simple mais sincère : whaaaou !!!! Après pour les petits chanceux possédant la version Deluxe de l’album (la Japan Cover), vous aurez le droit aux bouchées double avec deux très bonnes reprises que sont la superbe Do you Believe des Cardigans ainsi que la somptueuse Ghost du groupe Japan. Mais comme Deftones sont super sympa, ils offriront à leurs fans un très bon album covers (de reprise) en 2011 où il sera possible de retrouver ces deux morceaux ainsi que d’autres déjà disponibles sur le B-Sides And rarities et quelques petites surprises tout de même. 

 III) Géométrie variable (2012-2013) 

 Forts de leur nouvelle ascension, Deftones ne perd donc pas de temps et retourne très vite en studio, après une énorme tournée mondiale avec des monstres de la musique tels que Mastodon ou bien encore Alice in Chain, pour ne citer qu’eux. 

  En mars 2012, Stephen Carpenter confirme que le groupe travaille déjà sur un nouvel opus, produit par Raskulinecz qui était déjà aux commandes du précédant album. Très vite, Deftones offre à ses fans de nouveaux morceaux en concert ; Rosemary ou bien encore une certaine ‘’Roller Derby’’, renommée plus tard ‘’Poltergeist’’. Enfin le 12 novembre 2012 sort enfin Koi No Yokan. Que pouvons nous dire de ce nouvel opus ? Le premier constat à prendre en compte et qu’il est toujours difficile de surpasser un chef d’œuvre engagé précédemment. C’est ce qui malheureusement va affaiblir un peu Koi No Yokan dans la mesure où il est très similaire à Diamond Eyes. L’album commence par un Swerve City intéressant mais pas non plus impressionnant, morceau un peu court et surtout gâché par le pire clip du groupe. Enfin si vous aimez les chevaux et les belles femmes se perdant dans un désert, ça vous regarde. On prend le pas avec Romantic Dream qui rehausse déjà un peu plus le niveau, en offrant un morceau déjà plus original et très rythmé. Enfin, arrive le vrai premier super morceau de l’album ; Leathers. Cette petite perle est à couper le souffle (ce sera d’ailleurs le premier morceau offert par le groupe avant la sortie de l’album), à travers des riffs bien méchants, un chant typiquement Chino Moreno qui aime vous glacer le sang et une base rythmique très solide. On retiendra l’énorme pont qui, à mon sens, fait partie des plus classes du groupe et qu’on retrouve pour un double effet Kiss Cool en fin de gondole. Comme nous rentrons enfin dans le sujet, s’en suit la plus éloquente chanson de l’album, Poltergeist ; un véritable ovni, frais, pure et dur. Même chose, le pont fait mal, très mal. Et comme Deftones ne perdent pas leur bonnes habitude, il était temps de passer à la phase balade avec la très charmante Entombed, de la même trempe que Sextape, Entombed convaincs difficilement au premier abord par son manque d’originalité, mais finalement, on se laisse aller à un peu de douceur dans ce monde de brutes. Après la douceur et les chocolats, on passe à Graphic Nature, certes qui est un morceau au premier abord intéressant, mais qu’on oubliera très vite, tant par sa monotonie que par son manque d’originalité. Heureusement, on l’oublie encore plus vite, vu la belle petite claque sur les fesses qu’on se prend avec Tempest. Avec ce morceau, premier véritable single de l’album, Deftones prouvent encore une fois au monde du Rock qu’ils sont clairement au dessus du lot. Grâce à une mélodie assurée parfaitement par Chino Moreno et la lourdeur instrumentale de ses 4 potos, Tempest s’impose comme un titre phare de Deftones. Difficile après de faire mieux, mais quand même, Gauze assure bien la suite de l’album et on se laisse encore une fois prendre au jeu d’un refrain des plus mélodieux. En tout et pour tout, ce morceau aurait très bien trouvé sa place sur Diamond Eyes, peut être un peu trop d’ailleurs. Sans faire attendre plus longtemps, le morceau le plus réussis dans la carrière de Deftones fait résonner ses premières notes…. Rosemary. On démarre par une phase mélodique, presque post-rock pour se prendre tout à coup un mur de guitares, accompagnant un chant parfaitement maitrisé. Ce n’est que la phase 1 de ce formidable crescendo de notes, puisque le deuxième couplet ainsi que le deuxième refrain sonnent encore plus fort pour nous entrainer dans un sublime pont digne des plus grands groupes de rock. C’est la démonstration d’une parfaite maîtrise des diverses influences de Deftones ; du post-métal-rock en passant par la pop, la new wave ou bien encore le métal démontré par une apothéose digne des plus grands albums de Meshuggah. Tout ceci se termine sur une ambiance très White Pony avant de nous engager vers Goon Squad. Un peu comme on l’avait ressenti sur Diamond Eyes, Deftones entend offrir cet album comme si nous lisions un livre, à travers des enchainements de titres sans coupures. C’est un peu comme ça que se ressent Goon Squad ; indissociable de Rosemary, n’ayant aucun sens sans elle. Puis c’est la fin, une fin un peu morose dans laquelle se conclut What Happened to you ? . Morceau peu intéressant, un peu plat, monotone, inégal. C’est ce qu’on peut donc reprocher à ce dernier opus qu’est Koi No Yokan, un album clairement inégal avec de très bon titres, mais aussi des chansons un peu trop plates. Néanmoins, Koi No Yokan surpasse de très loin le décevant Saturday Night Wrist et surtout, il se place très bien dans la continuité de Deftones. 

 Que dire de plus à part qu’aujourd’hui, Deftones a le mérite d’exister et de se surpasser à chaque fois. A travers les drames qui verront leur limite atteinte le 13 avril 2013 avec la mort de Chi Cheng après un arrêt cardiaque soudain, mais aussi à travers une reconnaissance forte et un combat acharné, Deftones n’a pas finis de nous surprendre, en attendant le prochain album prévu pour la fin d’année 2015… Allez voyons large, peut-être pour 2016. 

Et voilà, 

Le nouveau Mars Red sky est arrivé cette semaine et il s'appelle Stranded in Arcadia. Ainsi, trois ans après leur premier album qui nous avait donné une très bonne impression, et, surtout, une très belle découverte, MRS sont de retour avec un album qui sent bon la maturité. 

Stranded in Arcadia est un album très carré qui tourne autour du trio; guitare fuzzy et vintage, basse encore plus fuzzy et très lourde, voix des anges et de la dépression positive, et, une batterie dure, puissante et très efficace, entre simplicité et fougue stoner. On trouve de tout, mais surtout, une homogénéité parfaite entre des passages instrumentaux, des phases couplets, refrains plus classiques et un chant toujours très aérien et très ''chorus''. On peu être surpris par le nombre de morceaux; huit en tout, mais quand on plonge à l'intérieur de l'oeuvre, la progression, souvent très crescendo et d'une durée optimale, nous fait oublié ce choix par un temps d'écoute acceptable. 

Côté durabilité dans le temps et prises de risques de cet opus, on note tout de même quelques efforts difficilement optimaux; entre des phases un peu trop mélo gentilles et des rebondissements électrico-stoner un peu faciles, on est parfois perdus au détour d'un morceau entier. Au final un manque subtil de la force originale du premier album et d'une véritable progression stoner, avec pourtant la concrétisation artistique plus maitrisée des montées sur chacun des morceaux. Il faut donc plusieurs écoutes avant de rentrer véritablement dedans. Néanmoins, Stranded in Acardia semble remplir le difficile rôle de second opus, tant craint par les artistes et il ne déçoit pas tant que ça. Car il détient un savoir d'originalité difficilement comparable dans l'Hexagone et MRS conservent haut la main la place de nouveaux patrons du stoner en France

  Alors que la grande chevauchée aura permis à Deftones de sabrer une reconnaissance quasi-mondiale, la suite des événements s’annonce quelque peu mouvementée. En effet, cette troisième partie entend se concentrer plus sur une longue période qu’est la première décennie du XXIème siècle ; rythmée de side-projects, de deux albums, d’un b-sides mais aussi de l’accident de voiture du bassiste Chi Cheng. Le destin de Deftones s’est joué bel et bien pendant ces presque dix années mouvementées. 

  De side-projects en side-projects (2002-20 ??)

  La période d’après 2002 ouvre au quintuor les portes à de nombreux projets qu’il nous faut commenter un petit moment. Commençons par notre ami barbu, Stephen Carpenter qui va nous offrir un peu tardivement son bébé Sol Invicto mettant en scène Richie Londres ainsi que le grand Eric Bobo, qui n’est tout simplement que le percussionniste des Cypress Hill, sans oublier que ce monsieur travaillera aux côtés des Beastie Boys dans les années 1990. Au menu, un énorme mélange intergalactique musical ; drum and bass, électronique, heavy metal ou bien encore tournures hip-hop sous le couvert d’une ambiance très industrielle. Comme peut le prouver l’EP Initium sorti en 2011 : (https://www.youtube.com/watch?v=ueyeF1-xT54) ou encore le magnifique Initium 7.0 qui vous emmène loin, très loin. Mais bien avant ce petit détour dans le temps, Stephen Carpenter nous présentait déjà au début des années 2000 un beau petit projet du nom très philosophique de Kush. Signifiant littéralement Cannabis, Kush nous donne une formation de rêve : B-Real au chant, Stephen et Christian Olde Wolbers à la guitare et Raymond Herrera à la batterie. Au final un explosif mélange de Cypress Hill très ‘’Trouble’’ et de Deftones. Plus fusion-metal, tu meurs. Malheureusement pour nous, l’album prévu initialement en 2002 ne verra jamais le jour, remercions Youtube de conserver de belles archives musicales :  

(https://www.youtube.com/watch?v=8JEvoJk9YtM)

Du côté de Frank Delgado on peut noter un premier projet du nom de Decibels Devils, introuvable donc pas moyen de savoir ce que c’est… S’en suit The Co-defendant… Pas trouvé non plus… Donc on garde un bon souvenir de Frank, mais uniquement dans Deftones, longue vie à DJ Kiki. Pour ce qui est de Abe Cunningham, il y a bien sûr son petit projet qu’est Phallucy, groupe de rock tout simplement, pas trop mauvais, mais peu original. On peut noter aussi sa présence sur le projet Far (Shaun Lopez) ou bien encore Daycare. Autre projet qui nous vient de notre très regretté Chi Chen, The Bamboo Parachute, alors attention, ce n’est pas du tout de la musique mais une suite de poèmes rassemblés dans un ouvrage. Entre poésie et philosophie, Chi Cheng va très loin aussi, mais à sa façon.

Enfin terminons par Chino Moreno, non parce que c’est lui le patron, mais parce qu’il faut le reconnaître, tous ses projets sont des pépites, mais surtout un. Et commençons justement par la grosse pépite qu’est Team Sleep. Créé en 1994 par Chino lui même, Team Sleep regroupe le guitariste Todd Wilkinson, le bassiste Rick Verett et un des meilleurs batteurs de sa génération, Zach Hill, ainsi que DJ Crook. Après différents petits morceaux exclusifs par-ci ou encore par-là, un album voit le jour en 2005. Véritable bijou musical, Team Sleep regroupe à lui tout seul toute la beauté du rock, du trip-hop, de la new Wave et bien plus encore. S’il fallait retenir un seul titre, cela serait impossible car tout l’album (éponyme par ailleurs) forme un seul et même corps. Pour ceux qui sont passés à côté de ça, il faut quand même s’arrêter sur des morceaux tels que Ever, Blvd.Night ou bien encore Our Ride to the rectory. En tout cas, le groupe n’est toujours pas mort, mais, ça fait bientôt 9 ans que nous sommes beaucoup à attendre une nouvelle météorite. S’en suit un nouveau side-project qu’est Crosses (voir l’article :  http://nanzik.tumblr.com/post/76099698753/la-croix-du-bonheur). Ainsi qu’une étroite collaboration avec les membres du groupe Isis qui nous donne Palms. Projet ambitieux et très bien produit en 2013 ; on aime ou on n’aime pas, ça reste de la musique de qualité entre le post-rock et le post-metal et on pourrait résumer ce projet à : ‘’trop bon, trop long’’. 

    Des roses et des têtes de morts (2002-2003)

     Dès septembre 2002, Deftones ne perd pas de vue son objectif principal, sortir le petit frère du grand White Pony. Cette fois-ci ça sera un retour à l’agressivité originelle avec les acquis de White Pony. Toute la phase de promotion prend de l’ampleur à travers un site officiel remis à jour, à une époque où Internet devient une pièce maitresse de la promotion. Ainsi on peut voir des vidéos en studio montrant le groupe tantôt en pleine composition, tantôt en pleine détente (jeux-vidéos, drogues,…). L’album devrait s’appeler Lovers, mais que nenni. C’est ainsi que sort le 20 mai 2003 le 4ème opus portant le nom éponyme de Deftones. Magnifiquement bien enregistré, mixé et même remixé. Deftones nous offre une qualité audio défiant toute concurrence à l’époque, et, encore aujourd’hui. Pour quelle raison ? Tout simplement car Dj Frank Delgado devient une pièce maitresse en mixant les parties de guitares de Stephen en y incorporant des effets, mais aussi en reprenant chacun des morceaux pour leur donner une texture propre. Ainsi Deftones nous propose l’album le plus polyvalent du groupe. Parfait compromis entre Around The Fur et White Pony, Deftones comporte quelque chose de plus : une rage instrumentale gonflée à bloc et un Chino Moreno hyper perfectionniste. Entre des riffs de guitares, pour la première fois à 7 cordes, très méchants, des rythmes toujours très deftoniens et une voix encore plus mélodique et encore plus décalée. Un vrai accomplissement artistique général.

   Il est d’ailleurs très frustrant de constater qu’à l’époque, Deftones va décevoir une partie de ses fans attendant quelque chose de ‘’moins accessible’’. Ce qui sera une grosse erreur de leur part, puisqu’avec le recul, beaucoup vont revenir sur leurs paroles. Tandis que d’autres continueront à s’enfoncer dans la nostalgie (Adrenaline, Around the Fur, White Pony) et où il est insupportable d’entendre ces personnes en concert bloquées dans une époque révolue du : ‘’c’était mieux avant’’… Enfin bref, nous ne referons pas le Monde, et laissons ces gens se défouler dans leur salle spéciale année 80.

   Car Deftones n’offre que des pépites en barres de chocolat à l’ovomaltine©. Hexagram avec sa structure des plus ‘’barrées’’, Needles And Pins présentant une des meilleures rythmiques, Minerva un très beau voyage, la belle Deathblow élue meilleure chanson de Deftones par le groupe lui-même, le bulldozer qu’est Battle Axe avec ses guitares arrivant tout droit de l’enfer, la matrixienne Lucky-You, la très perverso-sexuelle Bloody Cape ; monstre des mers propageant un ras de marée nous engouffrant dans un final tourbillonnant de riffs et rythmiques décalés. Et les quelques intéressants Good morning Beautiful, Anniversary Of an Uninteresting Event et Moana. Enfin, si on fait le compte, il nous manque un morceau, et Oh my Fucking God, quel morceau…When Girls telephone with boys. Certainement le morceau le plus violent que Deftones ait jamais composé, entre une rythmique typiquement métal indus et une ambiance guitaristique signée ‘’j’aime Meshuggah’’, pour un chant complétement strident et agressif. Enfin LE pont que Deftones nous offre est à mon sens le plus grand moment de ma vie, et aucun mot ne peut traduire ce pur moment musical ; il suffit d’écouter. 

  Premiers pas vers le chaos (2003-2004)

     Alors que la tournée se prépare dès la fin mai 2003, Deftones se voit contraint d’ouvrir pour Limp Bizkit et Linkin Park lors du ‘’Summer Sanitarium Tour’’. Ce qui se manifeste pas un très large mécontentement du groupe où Chino dira notamment : ‘’Mon gros problème c’était de devoir ouvrir pour Limp Bizkit et Linkin Park, deux groupes qui n’existeraient pas si nous n’existions pas, putain !’’. Ils en rajoutent notamment en s’en prenant à Metallica : ‘’Metallica (présents pour ce festival) ont un vaste catalogue de chansons. Mais en live ? Ces gars restent plantés là et jouent.’’ Le groupe s’en prend aussi à Korn : ‘’c’est toujours les mêmes trucs-enfances difficiles et des mamans méchantes. Ca prend un coup de vieux à la longue. Quel âge a Jonathan ? Trente ans ? Ca fait combien de temps qu’il ne vit plus chez ses parents ? Il faudrait qu’il explore d’autres voies’’. Mais la plupart de ces groupes réagiront en rappelant que ces phrases étaient tirées de leurs contextes. En effet, la période du début des années 2000 voit les médias s’emparer de l’explosion métal et surtout néo-métal dans une ambiance qu’ils entendent dramatiser au mieux. On se souvient des ambiances malsaines que la presse colportait entre des groupes comme Manson, Slipknot, Metallica ou bien encore Dream Theater qui dépassaient tout de même les limites de l’acceptable en s’autoproclamant les ‘’rois du métal’’… 

   Bien que la tournée mondiale reste grandiose, avec un très grand souvenir parisien ayant mis en scène les A Perfect Circle en compagnie des Deftones (sans pourtant avoir songés à faire le duo Passenger…), les choses vont s’empirer….

     Dès Avril 2004, le groupe annonce qu’il est déjà de retour en studio, entre Sacramento et Malibu. Le premier gros changement est annoncé, ce ne sera pas Terry Date, pour la première fois, qui produira les californiens mais le grand Bob Ezrin, responsable notamment du culte The Wall des Pink Floyd. La suite ne propage que des rumeurs d’un double album, plus heavy, plus complexe,… Autant dire que les fans ont faim et qu’ils doivent encore attendre avec l’album des Team Sleep repoussé et le 5ème des Deftones repoussé à son tour. Pourtant, petite mise en bouche avec un morceau du nom de Finger of Death (https://www.youtube.com/watch?v=TgKg2DfBhkc), un monstre oublié et qui pourtant apparaitra sur le Bob Ezrin Demos.

  La face cachée de la lune californienne (2004-2006)

  Les choses tardent et il est temps d’offrir une bonne entrée aux fans, c’est ainsi que le 24 octobre 2005 sort B-Sides & Rarities, une collection de morceaux inédits, de raretés, de collaborations  et de reprises, avec en bonus un DVD proposant la vidéographie du groupe à travers une réalisation biographique superbement bien faite. Alors que Team Sleep sort aussi son petit bébé la même année en mai 2005, B-Sides nous propose une autre facette de Deftones. Et il faut le dire, ce second souffle rassure, car en effet, à l’époque, Chino Moreno semble plus entrain à poursuivre l’aventure avec Team Sleep laissant Deftones sur la touche pendant un temps. Pour preuve, il n’y a plus rien à se mettre sous la dent pour le prochain album, et, Moreno et Ezrin n’arrivent pas à travailler ensemble.

C’est ainsi que B-Sides propose un album très homogène et très frais, malgré le décalage des années d’enregistrement entre certains morceaux.  On peut retenir la reprise Savory des Jawbox, la magnifique No Ordinary Love de Sade ou bien encore le grand hommage aux Cure avec If Only Tonight We Could Sleep, interprétée lors d’une soirée spéciale The Cure. On imagine le bonheur qu’a eu Chino Moreno ce soir là.

   Quoi qu’il en soit, Deftones repart sur les routes en annonçant leur confirmation pour le Taste of Chaos Tour 2006, après une quasi rupture du groupe confirmée plus tard par Stephen Carpenter. Le 5ème opus est tout de même repoussé pour atteindre une sortie à la fin de l’été 2006. Mais le groupe interprète déjà deux morceaux inédits dont un certain Beware the Water qui sera mis à disposition aux fans sur Myspace pendant quelques heures (je faisais parti des heureux chanceux à l’époque !). Le morceau est efficace et rassurant pour la suite. Et comme tout le laissait penser, Deftones change de producteur une nouvelle fois en ouvrant les portes à Shaun Lopez, ami de longue date du groupe (et futur collaborateur sur le projet Crosses). L’album est récupéré et complètement remodelé par ce dernier.

     Les nuits sont courtes, la mort un peu moins (2006-2008)

    C’est finalement le 31 octobre 2006 que sort Saturday Night Wrist ; histoire d’une jeune fille saoul qui, après s’être endormie sur son bras, s’est réveillée quelques heures plus tard paralysée de ce dernier. Album très complexe, il est très loin de ce que le groupe avait annoncé, peut-être au départ, mais pas à l’arrivée. Résultat d’un album trop digéré sur plus de deux années, SNW déçoit par sa trop grande complexité créatrice et ses quelques ratés. Tel le, certainement, plus mauvais morceau des Deftones qu’est Rats !Rats !Rats ! double morceau en un qui n’arrive pas à convaincre ou encore les étranges Mein et UUDDLL,.. (Un cheat code de jeu vidéo quoi). Pourtant Hole In The Earth touche un peu, sauf à travers un clip sans vie et présentant le triste constat d’un Chino Moreno ayant gonflé, non pas à bloc, mais à ‘’gras’’. Mais quelques pépites résident tout de même dans cet album un peu oublié ; Rapture, Beware, Cherry Waves, Xerces ou encore Riviere. Sans oublier deux morceaux complètement zappés et pourtant faisant partie des meilleures compositions du groupe ; Combat et Kimdracula, deux morceaux qui mériteraient de trouver leur place sur un album manqué, qui aurait été fortement puissant.

  Constat de cet album, il arrive tout de même à enterrer définitivement le style néo-métal en arrivant à créer une ambiance Death metal à travers une composition entièrement électronique ainsi qu’une tournée de plus de 17 mois compensant le peu d’informations sur le groupe les années précédentes. C’est l’heure du Youtube enrichis chaque jour, l’heure de la renaissance et de la crise de la trentaine passée. Deftones part de suite en studio pour composer son nouvel opus prévu pour l’automne 2008.

Le groupe fête déjà ses vingt ans, Chino lance sa marque de chaussettes très Bob l’Eponge, et le prochain Opus se nommera ‘’Eros’’. Terry Date est de retour, l’enregistrement bat son plein et avance très vite, le mixage est déjà prévu pour septembre 2008, un nouveau morceau inédit est disponible Melanie, les visuels sont déjà prêts…

Le 2 novembre 2008, Chi Cheng est victime d’un grave accident de la route, alors que sa sœur conduit, ils sont percutés par un chauffard à San José. Chi ne porte pas de ceintures de sécurité… Il est gravement blessé et est plongé dans un profond coma….

     2014, à une époque où le Mort-vivant a littéralement envahi toutes les formes de cultures (cinéma, musique, littérature, art, jeux-vidéos,….), il est bon de revenir un peu sur nos pas pour saisir un peu mieux ce phénomène socioculturel. Touchant aussi bien le Monde occidental qu’oriental, sans ignorer les pays dits ‘’émergeants’’, conquis à leur tour par la fièvre Zombie.

   Le cinéma est certainement l’objet culturel qui aura eu le plus grand impact en terme de culture zombie, à savoir qu’il est évidemment devancé par des traditions culturelles, souvent millénaires, et, une littérature riche et variée. Ainsi les différentes traditions religieuses, notamment, s’embrasent dans ce rapport de la vie et de la mort, mettant très souvent en scène le retour à la vie des morts (ex : Egypte ancienne, Grèce et Rome antiques, pays Scandinaves,…), Jésus n’est-il est pas le meilleur exemple en terme de mort revenant à une certaine vie dite de ‘’résurrection’’ ? C’est sans compter le soutien de la littérature philosophique et religieuse, puis au fur et à mesure, fantastique tel l’illustre Edgar Allan Poe.

   Sans refaire un historique précis, refait et re-refait sans cesse, le cinéma zombie va dans un premier temps absorber la culture vaudou provenant d’Haïti pour se calibrer sur les thématiques de l’obéissance et de l’appartenance. Avec tout de même quelques axes originaux, telle que la thématique de l’homme de science se prenant pour Dieu et ramenant les morts à la vie, à l’image du chef d’œuvre de Mary Shelley qu’est Frankenstein écrit en 1818.

     Ce cinéma ‘’zombie’’ prend véritablement racine avec le film White Zombie, sorti en 1932 et réalisé par les frères Halperin où l’on retiendra surtout Victor Halperin. Produit complètement de manière indépendante et distribué par United Artists, White Zombie raconte l’histoire d’un jeune couple se rendant en Haïti, Neil Parker (John Harron) et Madeleine Short (Madge Bellamy). Invités par une connaissance, Charles Beaumont (Robert Frazer), afin de venir dans sa plantation pour leur mariage. Mais la beauté de Madeleine ne laisse pas Beaumont indifférent, tombant amoureux de cette dernière, il espère la persuader de l’épouser plutôt que Neil. Afin d’arriver à ses fins, il décide de faire appel à un maître vaudou blanc, Legendre (Béla Lugosi), pour qu’il fasse d’elle un zombie, mais de manière temporaire. Comptant sur le retour de Neil, alors endeuillé par la présumée mort de sa fiancée, Beaumont entend la ramener à la vie et réitérer sa demande. Mais la belle Madeleine n’est plus la même, ne souriant plus et ayant encore le simple réflexe de jouer du piano, sans vie, elle n’inspire plus la clairvoyance et la joie de vivre que Beaumont affectionnait tant en elle. C’est sans compter sur les plans que Legendre réserve à la belle, en écartant Beaumont d’elle, afin qu’elle devienne sienne. Mais l’amour étant plus fort que tout, Neil, le fiancé, constate que le corps de Madeleine n’est plus en crypte, et il est persuadé qu’elle est encore en vie. Epaulé par le docteur Bruner, connaissant très bien la culture Vaudou, ils viennent au secours de la belle Madeleine qui sort de son état de zombie au moment où le couple se retrouve. Le charme est ainsi rompu par la force de l’amour.

   White Zombie est un film intéressant dans la mesure où il est le premier du genre. Même si le film a un peu mal vieilli, il reste regardable à travers des jeux d’acteurs corrects, surtout Madge Bellamy qui sort véritablement du lot. Mais contrairement à ce que beaucoup disaient à l’époque, le jeu d’acteur de Béla Lugosi tend à exaspérer à travers ses exagérations ‘’sourciliennes’’ et son regard ne donnant que l’envie de le baffer.

  Ce regard se retrouve notamment dans la suite de White Zombie, avec Revolt of the zombies sortis en 1936. Toujours réalisé par les frère Halperin, cette suite se déroule cette fois ci pendant la Première Guerre mondiale mais en Asie. Sans trop raconter ce pur navet cinématographique, il faut en retenir quelques scènes mythiques dont la première, et peut-être la seule de toute l’histoire du cinéma zombie, scène de tranchées où des zombies coloniaux avancent, sans jamais s’écrouler, dans le No Man’s Land pour terrasser l’ennemi Allemand. Le reste du film n’inspire presque aucun intérêt dans la mesure où les scènes se succèdent à une vitesse démesurée, ne donnant l’occasion qu’à quelques initiés de comprendre le véritable sens de l’histoire. Il est néanmoins très intéressant dans sa lecture d’époque à travers la socioculture coloniale de la fin du XIXème et du début du XXème siècle, et la relation homme-femme.

   Enfin un troisième film est à retenir, The Walking Dead, sorti la même année, véritable chef-d’œuvre complétement oublié, ce film retrace l’histoire d’un pauvre homme sortant fraichement de prison. Embrigadé dans une sale histoire de corruption, mise en scène par une élite d’avocats et d’hommes d’affaires résolus à faire tomber un juge n’ayant pas donné satisfaction à leur demandes lors d’un procès, John Ellman (Boris Karloff) se retrouve finalement accusé à tord du meurtre du fameux juge. Condamné finalement à la peine de mort, c’est sans compter sur deux témoins, travaillant pour un illustre scientifique, ayant vus les véritables meurtriers, qui vont alerter malheureusement trop tard les autorités. De ce fait, l’illustre scientifique décide de tout faire pour ramener John à la vie. Ce dernier se relèvera à moitié vivant et déconnecté de la réalité, en semblant être en connexion avec l’au-delà, lui révélant la vérité sur les fautifs, qu’il fera se faire tuer les uns après les autres juste avec son regard de terreur, avant de mourir à son tour. The Walking Dead est d’une beauté remarquable, avec une histoire forte, des acteurs magnifiques, et surtout un Boris Karloff en pleine apogée ; on est à un niveau au dessus de Lugosi, surtout quand on connaît la filmographie mythique de Karloff, et ses rôles dans la Momie (1932) et Frankenstein (1931) pour ne citer qu’eux.

      On aurait pu citer The man they could not hang 1939), tout aussi intéressant, mais il n’est en rien comparable au grandiose The Walking Dead, agissant comme LE film de zombie des années 1930 à voir absolument. Rien n’empêche de se pencher sur White Zombie, mais ne perdez pas votre temps avec le nullissime Revolt of The zombie, entachant d’une certaine façon le début de la tradition des véritables Nanars zombies. Quoique, un bon Nanar, on ne dit jamais non. 

    Il suffit parfois, d’une œuvre pour ‘’changer’’ le cours de l’histoire, un tumultueux délice et mélange d’inspiration, de volonté et d’énergie pour qu’en 3 années, Deftones deviennent des ‘’leaders’’ et une pièce maitresse du rock-métal en ce début de XXIème siècle. C’est à travers leur troisième opus White Pony que les cinq californiens vont conquérir véritablement le monde ; de la petite chambre d’étudiant aux plus grands stades.    

     Il est temps pour Deftones de retourner en studio, et, Chino ne se fait pas prier en affirmant que cet album sera beaucoup plus calme que les deux précédant. Il promet alors un opus beaucoup plus influencé par la musique électronique et la new wave. Quelques frayeurs accompagnent l’attente des fans qui sauront au moment voulu reconnaître que cet album sera le plus grand chef-d’œuvre de Deftones. White Pony sort alors le jour du 27ème anniversaire de Chino Moreno, le 20 juin 2000, trois ans après le mémorable Around the Fur. A une époque où le phénomène ‘’néo’’ métal s’est emparé des médias tels que MTV où encore des magazines spécialisés comme Rock Sound, donnant une liste innombrable de groupes puisant toute l’influence des deux grands chefs de file que sont Korn et Deftones. A cela s’ajoute un autre puissant plus ‘’fusion’’ mais pas moins métal que sont les Limp Bizkit, sans oublier ceux qui arriveront à placer ce ‘’néo’’ métal en tête de tous les charts du monde occidental, Linkin Park…

   C’est dans ce contexte que Deftones sortent un album ‘’ovni’’ et indépendant pour l’époque, les détachant un peu plus de ce carcan néo-métal qu’ils n’ont jamais reconnus, et ils ont bien raison. Mais contrairement au précédant passage en studio avec Around The Fur, White Pony va faire naitre les premières tensions au sein du groupe, dans la mesure où Chino Moreno et Stephen Carpenter ne s’entendent pas sur tous les plans. Alors que le premier souhaite quelques chose de très posé et très new wave à la manière de Duran Duran et de Depeche Mode, le second entend poursuivre la guerre de la distorsion à l’image de ses chouchous que sont Meshuggah. Pourtant, les deux hommes arriveront à s’entendre et à faire chacun des concessions donnant ainsi un album riche, toujours produit par Terry Date, et, encore plus varié que les précédant ; l’album de la maturité que nous allons étudier.

      Introduisons ce bel étalon par une guitare rythmé, pétillante et pleine de saveurs. Abe rejoint Stephen pour un groove endiablé et c’est parti. Le reste de l’équipe font tout exploser avec un Chino Moreno au meilleur de sa forme, mêlant intelligemment voix de tête, chants torturés et phrasés avec une subtilité sensuelle remplie d’érotisme. On ne s’est pas trompé, Feiticeira est le premier galop qui monte, et qui monte encore plus. Mais alors que cette grande chevauchée se poursuit, on tombe nez à nez avec un groupe qui sait parler à l’oreille des poneys, car arrive la magnifique, la somptueuse Digital Bath. Très beau pari que de placer dès le deuxième morceau, une balade puissante. Certainement le plus bel accomplissement vocal de la part de Chino Moreno avec ce savant mélange de sensualité et de puissance avec des couplets qui laissent rêveurs et un refrain qui nous emmène non loin de Saturne. DJ Frank est devenu une pièce maitresse en nous enchantons de ses nappes de vagues et de douceurs et Chino s’adonne maintenant à la guitare pour plus de mélodies. Il est tout de même temps de remuer la tête dès les premiers accords de la méchante et superbe Elite. Et oui mes amis, on est très loin des Linkin Park et autres Static-X désenchantés. Ici on place des riffs simples mais efficaces, saccadés d’un rythme assuré par Monsieur Abe et d’un chant bien agressif, avec quelques mémoriaux effets psychédéliques. D’une certaines manières, Deftones viennent de réinventer encore une fois le métal-progressif, le temps d’un slide de guitare bien placé à la fin qu’on n’hésitera pas à imiter dans une possession d’air-guitare au sein de sa chambre. S’en suit la rayonnante RX Queen, le morceau n’a pas vieilli, encore aujourd’hui, mais il résonne comme un futur bon gros pompage de centaine de groupes en manque d’originalité. Car RX Queen est le modèle type du couplet calme, précis et planant laissant place à un refrain de distorsion ‘’carpentoresque’’, le tout accompagné d’effets frais, simples et efficaces pour un final des plus électroniques. Et cela n’aurait pu être possible sans la collaboration de Scott Weiland du groupe Stone Temple Pilots. Puis il est temps de sortir les skate-boards car Street Carp, n’est ni plus ni moins que la grande élévatrice de la jeunesse de la fin des années 1990, baggys et T-Shirt Adidas sont à l’honneur. Ca groove et ça plane sur la douce fumée de Marie-Jeanne, et on aime ça. Alors arrive un morceau des plus étranges, Teenager, un titre pour le coup des plus extraterrestres que l’on peut attendre de Deftones. Morceau très planant, doux, sans passage par les montagnes russes, juste une bonne crème à la vanille qui est certainement le morceau le moins intéressant de l’album, mais qui n’en demeure pas moins ‘’pas mal’’ par son effort électronique et new wave. Rien n’empêche après de nous faire décoller une fois de plus les poils du cerveau pour une formidable aventure qu’est Knife Party. Morceau sincère, doux, puissant, sexuel et mémorable, Knife Party est un voyage à lui tout seul en traversant la pampa, les montagnes et même les océans. On décolle au fur et à mesure que le groupe nous tatoue le cœur de couplets et de refrains mélangeant admirablement la puissance métal et la saveur new wave. Alors qu’on pense que tout est terminé, un pont, venu d’un autre monde atterri. Une voix, si belle qui s’est travestie pour devenir femme grâce à l’interprétation et collaboration magnifique de la chanteuse et actrice Rodleen Getsic, nous invite à monter à bord et on ne peut que suivre la marche pour ne plus jamais s’arrêter. Le seul point de non retour qui nous balance en plein Korea, monstrueusement bonne avec toujours l’efficacité d’un couplet psychédélique pour un refrain tapageur. DJ Frank est la clef de voute en tant que véritable compositeur pour la première fois au sein de Deftones. Et avec son comparse Chi Cheng qui nous donne là une bonne grosse basse signée ‘’Fender’’. Et bim, un pont annonciateur d’une nouvelle tempête que Carpenter sait mettre en avant, avant d’être rejoint par une batterie qui s’immisce progressivement dans la foulée. Il est trop tard pour reculer, l’alarme est lancée et encore une fois, on vole au dessus du Monde. En parlant d’ailleurs du Monde, il est bien loin car déjà un écho surgit, transmettant une voix lointaine, rejoint par un riff entier et une batterie des plus groovys. Passenger transcende bien plus que n’importe quelle autre chanson de cet album car Chino n’est pas seul. Maitre Maynard James Keenan, le grand, prend les choses en mains à travers son apport en termes de compositeur et d’interprète en nous rappelant qu’il est le chef d’orchestre du métal Progressif. Plongé entre Tool et A perfect Cirle, ce morceau va donner à White Pony toute l’importance qui lui est dû, en mettant en face à face les deux grand tenant de la sensualité et de la puissance métal des années 1990-2000. Et alors qu’on croit que Deftones ont tout donnée, il n’en n’est rien puisque le plus grand hymne s’installe tout doucement dans nos oreilles, Change. Car si Passenger a su donner l’humanité à cet album, Change va lui procurer toute la gloire interplanétaire. Avec un clip magnifiquement réalisé qui ne peut que remémorer des souvenirs de soirée et de fins de soirée que nous avons tous connus. Le temps d’une danse avec l’amour, des souvenirs plein la tête, Change est un livre ouvert où chaque page nous ramène en arrière pour revivre les meilleurs moments d’une vie (http://www.youtube.com/watch?v=WPpDyIJdasg). Mais il est trop tôt pour dire au revoir à ce chef-d’œuvre musical car résonne déjà en nous le plus beau final jamais entendu sur un album qu’est Pink Maggit. Des accords teintés de delays et de reverbs sonnent de gauche à droite pour qu’une simple voix descendant de l’Olympe nous donne la chance de vibrer. Des cris venant de l’au-delà rejoignent cette magnificence pour laisser place à un écho des plus somptueux. Puis l’explosion fait trembler nos oreilles, elle s’accompagne d’une homogénéité instrumentale des plus réussis. Chino Moreno nous revient encore plus fort pour nous arrimer les sens à travers des mots qui résonnent encore ‘’cause to back school’’ ‘’we are the leader’’. Des mots qui n’ont pas finis de nous prendre les tripes. Puis il est temps de conclure ce White Pony des plus grandioses à coup de samples et guitares, le cœur qui bat, encore, encore, encore et encore. Merci

   Bien sûr il serait inimaginable de ne pas commenter deux autres pépites de l’univers du poney blanc. Tout d’abord un morceau un peu caché, que certains ont eu la chance d’obtenir sur ce troisième opus, qu’est Boy’s Republic. Bonus track qui a son charme et qui respecte admirablement ces autres congénères. Mais le morceau le plus palpitant, qui sera à l’honneur d’un mini album intitulé Mini Maggit sorti quelques temps après White Pony le 12 mars 2001, n’est autre que Back to School. Et on comprend mieux pourquoi ‘’cause to back school’’ devait encore résonner. Morceau fidèle au ‘’def’’ et au ‘’tones’’ à travers des riffs métal à souhait tout au long du morceau, de couplets des plus ‘’fusions’’ pour un refrain enchanteur qui reprendra avec classe celui de Pink Maggit. La boucle est bouclée avec le meilleur clip que Deftones ait pu faire où l’on se plonge dans nos souvenir d’école et le rêve d’y revenir pour lever des foules d’étudiants et d’étudiantes à danser sur les tables et de terminer par un concert sans limites (http://www.youtube.com/watch?v=wThg2FgIKuI). Et d’ailleurs en parlant de clip, il ne faut surtout pas rater le mini film White Pony EPK (http://www.youtube.com/watch?v=_T72-InSdFk) que Deftones fera pour le lancement de White Pony, mélangeant le groupe en train de jouer le medley de leurs titres à travers un univers futuriste chaotique et post apocalyptique où il est impossible de respirer sans un masque, de peine de se voir être enlevé par des soldats de l’enfer.

  Constat de l’impact de White Pony, dès l’année de la sortie du petit dada, Deftones remporte le Grammy Award de la ‘’Best Metal Performance’’ grâce au titre Elite. L’album sera édité en plusieurs versions, la grise avec les onze morceaux d’origine, la blanche avec le morceau Back to School et la version Rouge ou Noire avec The Boy’s Republic, sans oublier le Mini Maggit; encore mieux que les Pokémon mes amis. Au final, White Pony s’est vendu à près de 177 000 albums dans sa première semaine pour prendre d’ailleurs la troisième place dans le classement de Bilboard. Et dès 2002, il bénéficie déjà du disque de platine par la RIAA pour les quelques un millions d’exemplaires vendus. 

  En deux années Deftones a donc su percer tous les cœurs et même les plus durs pour y laisser un océan de fraicheur dans ce Monde de brut. Avec ce plus bel accomplissement qu’est White Pony, les Deftones ont montré qu’ils étaient non seulement originaux mais aussi sincères et non prêts à s’arrêter de ci tôt.

Ainsi dès septembre 2002, on entend déjà parlé d’un prochain album, qui sera cette fois-ci plus agressif mais toujours aussi mature, le temps des roses et des têtes de morts est arrivé…

Parce que l'amitié c'est plus fort que tout, je tiens à faire une best-ovation à l'un de mes plus grands amis et maître, mon ancien professeur d'histoire à l'université, Yohann Chanoir. Je vous propose de découvrir son article qu'il a concocté rien que pour vous un peu beaucoup pour moi aussi. 

Il est, nous le savons ici, des réalisateurs oubliés.  David de Vidéotopsie Fanzine Cinéma, Didier Lefevre, Christophe Triolletnotamment tentent d'exhumer de ce ghetto ces noms. Il est aussi, dans un mouvement naturel, des films occultés, délaissés, par les prescripteurs classiques, parfois même par les éditeurs vidéo, dans un élan concomitant, qui ne surprendra aucun amateur du cinéma bis. C'est un de ces films que je veux défendre aujourd'hui.

Electrica Glide in Blue rajoute à cet oubli une confusion coupable, et assassine, qui à elle seule plaide pour le rétablissement du pal ou de la pendaison. On l'associe souvent à Easy Rider, film assurément mythique. On le présente, vite, comme un "Easy Rider" à l'envers, expression qui ne veut rien dire, basée sur le prétexte assurément fallacieux que, dans une scène du film, on voit des motards tirer sur une affiche d'Easy Rider. L'argument est mince.  Ceux qui ont vu, qui verront Electrica Glide in Blue, découvriront que la fin est un contrepoint d'Easy Rider, dont la fin est baclée et que mon professeur de cinéma évoquait comme le moyen-de-finir-un-film-quand-il-vous-reste-un-mètre-de-pellicule. La fin d'Electrica est une fin maîtrisée, pensée, hallucinante, calculée au centimètre près, rien de trop, rien d'hasardeux, tout est dit en une prise de vue remarquable.  Mais ce film n'est pas qu'une fin. C'est un travail photographique remarquable, de Conrad Hall, qui bien que datant de 1973, en apprendrait beaucoup (et surtout l'essentiel) à ceux qui abusent du numérique. Qui aime les States, qui les a parcourus, en film ou en véhicule (l'un précède souvent l'autre), retrouvera ces couleurs remarquables, cette lumière jamais aveuglante, toujours propice et qui fait d'un bête rocher, ou d'une route droite et sans écarts, un élément moteur de l'action. Il y a aussi la bande son. Les rockers, et ils sont nombreux ici, apprécieront la musique déjantée, travaillée par le groupe Chicago, dont les membres apparaissent dans le film, qui s'accorde à merveille avec les paysages de Monument Valley, hommage à John Ford et au Western. Car, Electrica... est aussi un western, mais un western à moto, de policiers de la route, véritables héros de ces temps, qui doivent faire respecter la loi et l'ordre, seuls, dans des territoires déserts, sans soutien, ni renforts immédiats, dans des conditions que le mot courage résume, certes, mais sans rien expliquer. Les amateurs de Ford mais aussi de Tony Hillerman apprécieront ce film, les autres aussi. Electrica relève également de ces vietnam movies, le héros (formidable Robert Blake) est un vétéran, versé, comme beaucoup, après son séjour, dans les forces de l'ordre. On y lit les conséquences de la Guerre du Vietnam sur la société américaine, bien avant le fabuleux Rambo de Ted Kotcheff, qui peut se lire, non comme une suite, mais comme un prolongement. Pour toutes ces raisons, mais aussi parce que c'est un thriller haletant, pour toutes ces scènes (je pense à celle du début, saluée par les frères Cohen dans un de leurs films, mais chut...), et pour bien d'autres, il faut voir ce film...

Je ne peux donc que vous inviter à aller "on the road again", sur une de ces merveilles d'acier, fabriquées alors à la main, et militer à votre tour, pour que ce film soit vu, soit acheté, soit édité en blue ray... et ainsi le sortir de cet oubli...

     En plein dossier sur Deftones (que j’espère récupérer après avoir perdu ma partie sur White Pony sur un ordinateur capricieux et trop vieux), il m’était impossible de passer à côté du petit projet de Chino Moreno qui est devenu bien grand, je parle bien sûr de Crosses. Et oui après nous avoir proposé une formidable mise en bouche avec un premier EP1 sorti en 2011, qui enchanta par ailleurs cet été 2011 avec des remises en boucles maladives pour le malheur de ma compagne. Et un deuxième EP2 en 2012 plus discret, bon, mais bon….Pas mal quoi. 

   En ce mardi 11 février, chers mortels vous pourrez découvrir chez votre disquaire préféré, enfin pour beaucoup ça sera Amazon ou ‘’autres’’, le tout premier album de Crosses difficilement prononçable textuellement que l’on résumera par TTT (en imaginant que ce sont des croix). Etant un privilégié, j’ai déjà pu m’entretenir avec ce nouvel opus qui s’annonce, je ne vous le cacherais par, très bon.

   Commençons par un morceau, que l’on connaît très bien si on a été un gentil petit fan de Monsieur Moreno avec son EP1, qu’est This is a trick. Titre énergique mélangeant avec grâce l’électro, la puissance rock et la sensualité New Wave, This is a trick nous propose un schéma des plus classique quand on connaît l’univers des Deftones ou bien même de la petite pépite musicale qu’est Team Sleep mais à la sauce Crosses. Couplets calmes posés sur une ambiance très électronique, refrains puissants et groove garanti. S’en suivent les restes de l’EP2 avec Telepathy, chanson des plus puissantes sachant reproduire une ambiance très New Wave où l’on retiendra les grandes influences telles que Depeche Mode ou bien même encore The Cure. Retour à un presque temps calme avec un formidable morceau accompagné déjà d’un clip fabuleux (http://www.youtube.com/watch?v=fiaK1hX13I0), oui je parle bien de Bitches Brew. Toujours dans une volonté de faire monter la sauce progressivement avec des couplets simples, sensuels (j’ai dit sexuel ? Non ?), Bitches Brew est tout sauf une gentille petite fille. Plutôt une petite chipie qui dès le premier refrain nous dit qu’on n’est pas là pour rigoler, mais plutôt pour nous faire planer et vibrer avec les premières véritables guitares et samples lourds. Avec, c’est vrai on ne l’a pas encore dit, un Maitre Moreno au meilleur de sa forme vocale. En tout cas, on sait à qui on a affaire, surtout avec ce final qui n’est autre que pure ‘’deftonerie’’. Arrive un très grand moment de Crosses, Thholyghst (bon si quelqu’un sait comment on prononce ça ?). Même chose, on monte progressivement en ambiance et en pureté musicale. Puis on s’en prend plein les oreilles avec un pré-refrain-refrain indissociables qui sont régis par une batterie des plus métal-groove ; bienvenue au pays des merveilles. On poursuit le chemin de croix avec un élégant Trophy, digne des plus belles balades des années 1980, oui, oui les belles balades New Wave de mon enfance. La pureté, la ferveur de l’âme sont les premiers sens qui surgissent bien au dessus des vagues avec ce beau morceau. Clavier des plus doux, guitare acoustique à l’arpège et aux accords délicieux pour une batterie intimiste mais non sans puissance émotive pour un chef d’orchestre vocal qui nous donne les valises pour partir en voyage. Après ce petit tour dans les années 1980, on avance un peu dans le temps avec The Epilogue, typiquement ressenti comme un morceau 90’. Pas mal, mais un peu léger, trop pop pompeux faisant l’écho de pas mal de bouses des années 1990 qui sévissent encore dans nos oreilles lors de soirées trop arrosées où certains ont pris le contrôle du mac pour leur bonheur et notre malheur des souvenirs gris musicaux pop-variétés de cette presque sale époque (parce qu’il avait quand même de formidables artistes à cette époque, ça sera l’occasion d’un futur article d’ailleurs). Allez un petit souffle de soulagement avec Bermuda Locket, morceau pas trop mal qui mise tout sur le groove électro, une petite basse qui se fait un peu discrète et un Chino qui nous livre une petite mise en bouche pour nous donner encore plus faim. Mais sommes nous arrivés à terme ? Pas avec Frontiers qui révèle encore les énormes influences New Wave de Chino Moreno, on l’a compris, c’est son groupe et c’est lui le patron et puis c’est tout. On plonge effectivement dans un titre mélangeant la ferveur électro sensuelle de la fin des années 1980 avec un pétillement contemporain de refrains plus que pop-rock. On n’est loin de Deftones mes amis, et c’est aussi tout l’intérêt de ce projet ; explorer d’autres univers. Mais Frontiers est tout de même à la frontière d’un manque originalité qui saura le prouver après plusieurs écoutes où l’on s’en lassera surement très vite. Et, Nineteen Ninety Four plonge, puis remonte à la surface pour respirer un peu, c’est doux, c’est beau, on aime toujours, puis c’est Chino Moreno avec une voix qui s’accorde toujours aussi bien avec ce genre de morceau. Le vrai prélude était là et ça fait du bien, un peu de douceur, peut-être pas d’une grande fraicheur, mais tout de même réel et sans brutalité. Car déjà arrive, je ne vous le cacherai pas mon morceau préféré, Option. Déjà puissante en 2011, elle n’a rien perdue de son ‘’son’’ ravageur. Entre vivacité, impérialité et clameur, Option fait son coup de poker réussi en affirmant qu’on peut travailler sur une base rock-métal pour rendre une chanson merveilleuse et fine. Basse lourde et rythme endiablé, l’ensemble clavier guitare portés par une voix des plus puissantes, ne laissent personne derrière la ligne. Sans oublier qu’on peut toujours faire une halte vers un pont tout plein de tendresse, juste pour nous dire qu’on va prendre un peu d’élan avant de sauter de la falaise et qu’on ne tombera jamais les amis, puisque des ailes se déploient dans notre dos, je vous laisse imaginer le reste. On s’immisce dans la Nineteen Eighty Seven, pas la peine d’avoir fait bac+8 pour comprendre que ce titre est un petit frère à Nineteen Ninety Four. Pas mal du tout, mais bon, elle servira surement à des moments de bad-trip et décuvages certains. Puis Blk Stallion nous confirme que Crosses ont un souci avec le passé musical, et, oui, de retour dans les année 1990 ‘’Marty’’. On reprend la même sauce bolognaise des couplets calmes et pour le coup un peu ‘’mou’’ avec des refrains ultra-pop… Et un pont, eu passons… Mais il ne faut pas oublier l’effort instrumental hip-hop 90’ qui sauve un peu la chanson. Petite pause instrumentale avec le presque éponyme Cross, et que peut-on dire sauf que c’est très bon et que ça ne prend pas une ride. Entre le post-rock et l’électro-ambiance, Cross saura ravir les plus avides et les plus blasés du morceau précédant par exemple. Et on approche tout doucement de la sortie, qui se fait tout en douceur avec ce petit diamant qu’est Prurient. Rien à redire, tout est enfin maitrisé, propre à leur identité d’une volonté de mêler New Wave, pop-rock, post-rock, électro-pop,… Ouf ça en fait de l’influence mes amis, et Prurient démontre qu’on peut y arriver pour créer quelque chose d’authentique en réconciliant les années 1980 et 1990 avec notre XXIème siècle. On termine avec Death Bell, qui est un voyage garanti, d’une très belle beauté musicale, sans détours, sans retours. Death Bell nous entraine simplement dans un labyrinthe de fraicheur, pour le coup, morceau le plus maitrisé et le plus original du groupe avec Bitches Brew car on a jamais entendu pareil merveille, en outre, un très beau final pour un bon album. 

    Tout ça pour dire que ce troisième Side Project de Chino Moreno (Team Sleep et Palms) qu’est Crosses révèle un univers propre et encore une nouvelle étape pour l’homme. Mais d’une manière plus générale, Crosses est un fervent mélange d’influences des années 1980-1990 avec une volonté contemporaine de ce début du XXIème siècle. New-Wave, rock prog, post-rock, pop-rock et quelques restes métal-alt qui collent à la peau de Moreno, tout y est et tout y est bien mêlé. Avec quelques ratés qui montrent que le groupe mérite encore de murir et on le sait, si ce projet entend prétendre à d’autres beaux jours en studio puis sur scène, ils sauront faire mieux même si c’est déjà très bon.

    Deux albums, deux univers différents mais une seule identité, les Deftones commencent à imposer leur style. Souvent catalogués de néo-métalleux, ils démontrent déjà qu’ils savent explorer de nombreuses contrées musicales, alors qu’à l’époque, la presse ne cesse de les comparer aux Autres monstre du ‘’nouveau métal’’ des années 1990 ; Korn. Mais tandis que ces derniers choisissent la complainte, le sombre et la folie, les Deftones vont plonger l’auditeur dans des rasades de lyrisme, de sensualité, de brutalité et d’ingéniosité rythmique.

  1) Une sortie de l’ombre difficile

     Nous sommes le 12 septembre 1995 et sort enfin le tout premier album des Deftones : Adrenaline. Enregistrement difficile à Bad Animal Studio dans la pluvieuse Seattle, changement de producteur en plein enregistrement dans la mesure où Ross Robinson fut remercié par le groupe afin de laisser la place à Terry Date et conditions peu évidentes pour un jeune groupe qui découvre les joies et les peines du ‘’studio’’. Adrenaline sort dans un anonymat commercial total, mais, leur réputation étant déjà faite et leur reconnaissance à faire pendant deux ans de tournées, le bouche à oreille s’occupera de donner toute la réussite commerciale pour ce premier opus. Qu’en est-il de cet album ?

   Nous commençons avec une guitare pas vraiment là pour raconter l’histoire des fleurs et des arcs-en–ciel, Bored, magnifique ‘’Bored’’, qui ne l’est pas pour nos oreilles, transporte l’auditeur dans l’univers de Deftones. Un chant sensuel, féminin vient rejoindre la belle à six cordes, dans un presque chuchotement, et là, explosion de rythme métalo-pop d’une batterie groovante à souhait et d’une basse profonde, gourmande et lourde de sens. On revient sur un couplet complet d’une voix toujours aussi sensuelle et d’une ambiance instrumentale presque ‘’trash’’. Puis vient le refrain d’une beauté à glacer le dos et faire hérisser tous les poils du corps. Le morceau prend de l’ampleur, il gravit les échelons de la prestance, et bam, un refrain encore plus fort, plus puissant presque criard !!! Envolée dans les étoiles d’un pont ravageur, à faire décrocher toutes les têtes. Retour au calme avant une tempête ravageuse d’un refrain sans fin qui saura présenter toute la puissance criarde et glaciale de Chino Moreno. En un morceau, Deftones présentent toute l’âme du groupe à tout jamais, que ce soit à l’écoute ou en image à travers leur excellent clip-vidéo. C’est ainsi qu’on plonge dans Minus Blindfold, guitare toujours introductive et planante, puis les rois du groove (basse+batterie) sonnent à la charge pour amorcer sur un passage bien agressif. On rentre ensuite dans la partie ‘’def’’ des ‘’tones’’ ; clairement hip-hop à travers l’instru et surtout le flow de Chino Moreno, qui ne sait pas que chanter. On pourrait presque toucher la Jamaïque. Puis les riffs saccadés viennent s’ajouter, des cris venant des abysses sortent de l’ombre pour donner un refrain pop-rock-hip-hop (ça en fait des influences…). Mais rien n’est terminé, car la basse reprend le dessus pour donner la note à Chino, toujours dans son flow, puis Stephen reprend les choses en main et invite à rejoindre la danse dans un refrain toujours aussi progressif. Le temps d’un pont métallique et d’une reprise refrain, avec un final bien ‘trash’’ à souhait. S’en suit One Weak, petite princesse de tous les bassistes adeptes aux Deftones, comme Chi Cheng entend introduire cette groovante et fausse balade. Un Chino toujours aussi sensuel, une guitare juste ‘’rock’’ et un morceau qui transporte jusqu’à un final crié. Arrive la Grande Nosebleed, et tout son lot de futures copies dits ‘’nu-metal’’, un morceau d’impacts et précurseur pour l’époque. Ici on place le concept en mode lancement instrumental, des couplets expressifs entre la sensualité et la hargne, des refrains sans demi-mesures, puis un double pont ayant comme volonté de calmer les esprits pour mieux les percer dans leur folie ravageuse, et vice et versa, telles des vagues. Lifter, morceau non dénué de sens, invitant à planer quelques minutes, puis à remuer un peu la tête. Et puis LADIES AND GENTLEMEN, Root est arrivée. Un excellent cru, le meilleur de l’année 1995 nous plonge dans la violence pure et simple, ici on nous propose à la carte un plat raffiné de féminisme mais épicé de trash et de stoner. Un morceau grandissant dans le temps avec un final des plus forts lorsque Chino use de sa voix de tête avec délicatesse mais non sans fougue.  Mais le temps de la dégustation n’est pas terminé, car 7 words, l’ode de tous les célibataires en rut divagant dans cet univers hip-hop et métal. Tantôt ‘’rappé’’, tantôt ‘’crié’’. Et tout le monde chante en chœur qu’on aimerait qu’une charmante demoiselle use de ses talents bucaux à l’égard de notre très cher précieux masculin. Il ne sera pas dit que le pont laissera votre cou intact à la fin. Puis Birthmark fait croire un moment que le calme est revenu… que nenni…Le concept couplet calme laisse présager que le refrain sera violent, et c’est le cas, violent de riffs et fort en voix de tête. Puis l’ambiance se rougit, les guitares s’envolent, on ne rêve pas les amis, cet album est un bijou américain revêtant toutes les grosses influences de l’époque pour les Deftones : Metallica, Nirvana, Fugazi, Helmet et surtout une section rythmique digne des Faith No More. Ce n’est pas d’ailleurs la Grande Engine No.9 qui nous dira le contraire, et, qui sera d’ailleurs le Premier véritable single du groupe. Et il est temps de se dire au revoir en partant, loin, très loin avec Fireal. D’une grande beauté, avec toute la finesse, ce morceau reste une ode à la grandeur du ‘’métal alternatif’’ et ‘’progressif’’. Chanson à double temps, comme si on passait de l’autre côté du miroir en compagnie d’Alice et de Néo (on comprendra d’ailleurs pourquoi). Couplets des plus érotiques, refrains brisant encore une fois la ‘’glace’’.  Et puis, tout s’arrête et les Deftones nous offre un final ‘’outro’’ qui monte, qui monte et qui redonne le sourire et l’espoir. On ne veut pas que ça s’arrête, et ça continue, ça continue jusqu’au moment où le son grésille, le rideau se ferme et laisse entrevoir une dernière ambiance avec Fist…Le rideau se rouvre et c’est le moment des remerciements, de la progression vers la reconnaissance. 

   Ce premier Opus offre donc aux Deftones un succès sur l’échelle de la reconnaissance qui ne sera pas forcément le cas pour ce qui est du succès commercial, en partie à cause d’un déficit de la promotion dans la mesure où certaines stations de radios et MTV notamment refusèrent de diffuser 7 Words en raison des paroles du refrain… Ah les américains et leurs principes de pudeur ‘’textuel’’ mais non ‘’visuel’’ ne les empêchant pas de montrer à l’époque les belles fesses de Madona à la TV pour le plaisir des jouvenceaux en manque d’amour.   

     Mais rien ne va empêcher les 4 compères de percer dans cette Amérique encore en deuil de Kurt Cobain. Cela grâce à un soutien de nombreux groupes tels que Korn qui les citent souvent en interview, et bien plus encore, puisque Chi Cheng aura même le droit à son morceau avec Chi et Chino offrira ses talents très ‘’flow’ dans la reprise de Ice Cube Wicked (toutes deux disponible sur l’album Life is Peachy de Korn, 1996). Sans oublier leur participation au festival Ozzfest tour crée par Ozzy Osbourne (Black Sabbath) et la chance de faire les premières parties de ces derniers, de Korn, de Pantera ou encore de Sepultura.  Ils ont même la chance de figurer dans plusieurs B.O de films en 1996 comme dans le film mythique de série B Los Angeles 2013 (morceau des Deftones : Can’t Even Breathe) de John Carpenter avec des acteurs de légendes comme Kurt Russell ou encore Steve Buscemi. Et surtout, ils apparaissent dans une scène du mémorable The Crow, la cité des anges interprétant l’insolite Teething.

   C’est ainsi que la popularité des Deftones va croitre et faire accélérer la vente progressive d’Adrenaline, album resté très ‘’underground’’ (ils décrocheront notamment un disque d’or pour cet album le 7 juillet 1999 après que l’album se soit vendu à près de 500 000 exemplaires, et en 2008 il sera désigné disque de platine par la RIAA avec 1 millions d’albums vendus.)

   2) ‘’Mon propre été’’ ou la danse des requins 

     Trois belles années et voilà enfin que les quatre garçons dans le vent californien sortent le 28 octobre 1997 le presque parfait Around The Fur. Le groupe va, en un temps record de quatre mois, composer et enregistrer ce deuxième opus, toujours sous la production avisée de Terry Date, devenu d’une certaine façon le cinquième (ou sixième) membre. Et, la maturité est présente puisque l’enregistrement se passe très bien même si le groupe ne sait pas encore ce qu’il veut au début de cette nouvelle aventure en studio. Pourtant, ils déterminent très vite et de manière précise le résultat final escompté avec un énorme travail d’arrangements, et, surtout du son. C’est en écoutant une première fois ce nouvel album qu’on peut clairement dire qu’il n’est en rien semblable à Adrenaline. En effet, alors que le premier opus était très porté sur un rock/fusion à tendance métal, ce nouvel opus prend une tournure plus progressive, plus rock/metal alternatif. C’est d’ailleurs l’arrivée de morceaux plus calmes et sensuels et surtout, l’utilisation de nombreux samples dans les chansons. Car un nouveau membre rejoint progressivement les rangs, DJ Frank Delgado. Sans utiliser l’archaïque et démodé scratch, Delgado prend le pas sur des ambiances discrètes mais efficaces, faisant d’Around The Fur une nouvelle pièce maitresse du métal alternatif. Mais regardons de plus près cette œuvre.

   Deux coups de batterie, seulement deux coups de batterie, et déjà cet album devient en une seconde un véritable mythe. Deux coups de batterie et la magnifique, la parfaite My own Summer (shove it) lance ce deuxième album au rang de l’un des plus grands de tous les temps. Car ce morceau va devenir le tube le plus célèbre du groupe pendant des années, et encore aujourd’hui,  si quelqu’un cite Deftones, on aura le droit soit à My Own Summer, soit Be quiet and Drive (voir plus bas), soit Change (White Pony, 2000). Accompagnée par un clip vidéo culte où le groupe joue sur une shark-cage entouré de requins et ne trouvant rien de mieux que de sauter d’une falaise à moitié à poil pour rentrer un magnifique ‘’Shove it’’ en skate. Ce premier morceau introduit le profond changement musical de Deftones en insistant plus sur une voix encore plus mélodique et sensuelle, voire, sexuelle. Non sans rappeler que Deftones n’est pas un groupe de petits joueurs, le refrain entend montrer que la rage les accompagnent à mesure que les ‘’Come’’ et les ‘’Shove It’’ résonnent dans nos oreilles, tels les cris de l’enfer. Parce qu’on n’est pas loin de cet enfer, plutôt sympathique où les grenouilles croassent (je le découvris lors d’un voyage en Andalousie et un de mes meilleurs amis me le confirma quelques jours plus tard, alors que le whisky et autres substances nous gagnaient le cerveau) lors du mythique deuxième couplet drum-bass. Enfin ce morceau mériterai, je pense, un article à lui tout seul, donc finissons en disant que My Own Summer est un des morceaux les plus cultes que le rock ait pu porter. Car à portée de main jalonne la belle Lhabia, planante, ténébreuse, pleine de bonté et d’énergie ; ce morceau sent la fraicheur à plein nez. Puis vient Mascara, véritable poème des temps modernes, il suffit d’entendre les première notes à la guitare pour replonger dans de beaux souvenirs où les champs étaient radieux, les filles de la campagne si belles, et les copains toujours aussi fous et cool. Deftones nous emmène dès lors dans un monde où il est impossible d’en ressortir indemne, tatoués de cette originalité débordante. Puis une nouvelle fois, il suffit encore de 12 secondes pour rendre cet album encore plus culte, avec un rythme qui résonne encore et toujours dans le cerveau de cette génération des années 1990 qu’est la mienne. 12 secondes qui rendront n’importe quel prof fou de rage en maudissant le jour où nous avons voulu apprendre la batterie sur une table de cours. Car Around The Fur martèle les cœurs à coup de grosse caisse-caisse claire et d’un charley presque féminin avant d’être rejoint par l’orchestre à la manière d’une feuille qui s’envole au grès du vent. Ici, on joue les beaux, les matous qui en arrivent à rugir sur un refrain énergique et énervé pour laisser la place à un pont des plus psychédéliques que le groupe ait composé avant de finir sur une éruption volcanique de riffs trash à l’image d’un bon Pantera ou de l’univers hardcore de l’époque. D’ailleurs, en parlant hardcore, Rickets s’en approche plutôt pas mal et dès le début. Riffs méchants et batterie lourde accompagnée d’une basse bien grasse et d’un Chant à briser les glaciers, Rickets est l’un des morceaux les plus violents de l’album, et ça ne fait pas de mal !!! Mais après la tempête bien métal, le calme, la volupté, l’allégresse prennent le pas avec une des plus belles chansons des Deftones, Be quiet and Drive (Far Away). Encore un tube qui durera dans le temps, puisqu’encore aujourd’hui, il est inimaginable qu’ils ne la jouent pas à un de leur concert. Car Far Away est tout, la douceur, la joie, la mélancolie, le bonheur, les souvenirs, et aussi l’espoir. Une chanson qui peut changer une journée gâchée en un océan de sourire comme le laisse entendre le sympathique clip vidéo d’un groupe frais et plein de fougue, à travers des images subliminales d’un corps de rêve qu’est celui d’une charmante femme. Et il n’est pas question d’en rester là, c’est ce que Deftones suppose en décrochant les étoiles avec Lotion ; morceau replaçant les choses dans son contexte : Il y a Deftones, et, il y a les autres, en tout cas, ceux qui veulent pomper leur œuvre. A travers ce morceau, on y découvre un Chino encore plus criard, à la limite de l’Emo-core sur des couplets saccadés et relativement hardcore. Mais c’est Deftones, donc ils savent redonner de l’air sous nos ailes charcutées de hargne avec des supers refrains des plus mélodiques avant de souffler une dernière fois à travers un final violent, en veux-tu, en voilà ! Il est temps de planer un temps avec la charmante Dai The Flu, certainement une cousine à Lhabia, car cette fois-ci, on est sur un aigle majestueux en train de nous raconter une belle histoire qui finit bien ; entre la beauté et toujours un peu de vent qui souffle fort, on ne peut être que conquis. Mais déjà l’orage s’approche que les samples de Delgado annoncent un futur déferlement, celui de Carpenter qui se décide à être un tantinet violent à la guitare, avec un autre super copain. Tremblez pauvres mortel Headup ne vous laissera pas de marbre avec cet explosif duo Chino Moreno-Max Cavalera, le grand trasher des années 1990 et leader de Sepultura, qui marquera une étape très importante pour ce dernier. Il suffit de monter le volume et de comprendre notre douleur d’un Chino rappant toujours avec ferveur, accompagné de la voix sanglante de Cavalera pour appuyer bien profondément dans les oreilles un énorme ‘’SOULFLY’’, qui deviendra quelques temps après le nom du nouveau grand projet de Monsieur Cavalera. La descente n’en n’est que plus violente, puisque le duo décide avec ardeur de rentrer dans le tas et dans tous les sens. Puis vient la fin d’Around The Fur avec un MX Around plutôt pas mal, mais peut-être un peu moins bien pour un final qui se devait d’être magistral pour un album de ce niveau. Pourtant le morceau reste intéressant, et bon. Surtout que déjà terminé on se demande pourquoi la track-time nous annonce encore une trentaine de minutes alors qu’il n’y a plus rien. Et oui, bienvenue dans les années 1990 où tout le monde cachait un ou deux morceaux à la fin d’un album (Korn feront encore mieux en 1998 avec l’album Follow The leaders, en nous offrant au moins une vingtaine de pistes avant que l’album commence, pourquoi pas…). Ici on a à le droit à Bong hit (vers 19 min 32 jusqu’à 19 min 55), et à la très classe Damone (32 min 36- 37 min 18). Donc le final n’est pas gâché, car les Deftones nous couvre de cadeaux jusqu’à la fin pour une de leur plus belle œuvre et un des plus grand succès du groupe.

      Ce bijou musical atteindra effectivement la place numéro 29 dans le classement de Bilboard et recevra de très bonnes critiques, souvent décrit comme un album entre un grunge agressif à la façon de Nirvana, des Smashing Pumpkins ou encore de Soundgarden. Ce qui est à moitié vrai dans la mesure où cet album tend plutôt à une originalité débordante et apparaît comme un ovni à l’époque. Car en effet, il va surtout porter pendant longtemps le flambeau de la nouvelle scène métal alternative dite souvent nu-métal. Ce que le groupe démentira toujours, et il a bien raison dans la mesure où le son et les arrangements sont bien plus avancés et sophistiqués que les autres groupes de ce genre. Pour preuve, l’influence du hardcore et de Pantera n’est jamais très loin, merci monsieur Carpenter et la New Wave s’exprime encore plus à travers la voix de Moreno, merci Chino.

   Il faut noter que cet album va donner enfin l’opportunité internationale au groupe, puisqu’ils commencent à tourner en Europe, puis en Australie, au Japon, en Amérique du Sud ou encore même en Russie. Une tournée couronnée de succès faisant connaître le groupe à travers le Monde entier, alors que pourtant, les radios et MTV, elle-même, décident de bouder le groupe. Mais pour les Deftones, cela ne change rien, ils continuent à tourner, à faire les meilleurs festivals de l’époque (Warped Tour 98, Ozzfest 99,…) et parviennent même à figurer sur la BO du plus grand succès cinématographique de l’année 1999, The Matrix avec My Own Summer. Un album qui est donc essentiel à leur carrière, pour preuve, il figure à la 17ème place dans la liste des 50 albums les plus influents de tous les temps, qui a été créé par le magazine Kerrang en 2003. De plus, le groupe se verra être décerné d’un disque de platine pour le million d’exemplaires vendu en juin 2011.

  Deftones a donc su conquérir le Monde en seulement 5 années et 2 albums, riches et très différents l’un de l’autre. Une volonté qui se poursuivra au fur et à mesure de chacun de leurs albums à un moment où notamment Chino Moreno commence à batifoler avec son nouveau projet Team Sleep, clairement tourné vers le trip-hop et l’électro. Mais rien n’est encore fait ou terminé pour eux, puisque Deftones est bien décidé à prendre les ‘’rênes’’ avec leur prochain album… White Pony, la plus grande œuvre du groupe encore à ce jour.

Et Dieu dit à Deftones tu feras de la bonne musique !!!

     26 ans, et oui, 26 de carrière déjà, les Deftones exercent pourtant encore aujourd’hui un art que peu peuvent se vanter d’avoir franchi. Avec des hauts et des bas, 8 albums studios, un b-side, la perte malheureuse de leur bassiste Chi Cheng, mais pourtant avec toujours autant de volonté, de sourire et d’envie, les Deftones ne nous ont jamais autant fait rêver.

     Souvenez-vous, ou apprenez, en 1988, deux supers amis Chino Moreno et Stephen Carpenter avaient la tête remplie de rêves et d’étoiles, entre le skateboard, les pétards et écouter de la musique. Puis un jour le destin frappa à la porte ou plutôt, une voiture décida de changer à tout jamais la vie du jeune Stephen. Renversé et réduit à rester dans un fauteuil roulant pendant plusieurs mois, il pouvait dire Adieu au skate et bonjour à l’ennui. Mais étant victime d’un accident, Stephen fut indemnisé et se décida de tuer le temps en achetant sa première guitare et son premier ampli. Force est de constater que le temps fut son arme à la découverte de la composition, enivré par ses idoles ‘’métal’’ qu’étaient Metallica, Black Sabbath, Meshuggah ou encore Pantera. Mais aussi des styles plus groovy et  urbains comme Public Enemy ou encore LL Cool J. Tandis que dans sa chambre, Chino rêvait de devenir le nouveau Robert Smith à coup de Duran Duran, de Depeche Mode et des Cure en planant sous les rythmes reggae de Bob Marley. Puis un autre copain, fan de la planche à roulette et des baguettes qui s’appelait Abraham Cunningham se joignit très vite dans ce délire de jeunesse ; skate, drogues et rock’n’roll. Puis l’école, oui l’école, seul véritable lien avec la réalité leur fit prendre conscience qu’ils avaient autre chose à faire que de ‘’retourner à l’école’’ tous les jours. Nous sommes en 1988, le jeune Chino et le jeune Abe découvrent que leur pote en convalescence commence à bien toucher à la guitare et qu’il est peut-être temps de s’amuser autrement entre deux slides et un petit joint. Puis grâce aux gracieux dédommagements que Stephen reçu, ils pouvaient se procurer tout le kit musical nécessaire pour faire du bon son. Mais à force de trop jammer, vient le temps de bien composer mais aussi le temps de trouver un nom ‘’cool’’. ‘’Def’’ tels les grosses sessions hip-hop des années 1980-1990 et ‘’tones’’, parce que c’était juste classe dans les années 1950 de finir le nom du groupe par ‘’tones’’ (Dick Dale & Deltones, Cleftones,..). D’être ainsi hip-hop et rock’n’roll, d’être les DEFTONES.

   Mais il manquait quelqu’un, un peu souvent oublié en ces temps où l’électronique prend place, que les beats s’éclatent, un bassiste, et, un certain Dominic Garcia fut recruté. Puis les choses se compliquèrent, Abe parti un temps pour rejoindre ses potes du groupe Phallucy, remplacé un temps par John Taylor avant de rejoindre lui-même Phallucy…. Dallas ton univers impitoyable. Enfin le temps de la stabilisation arriva où tout d’abord Dominic prit la place d’Abe derrière les fûts, offrant la chance à un autre super copain de Chino et de Stephen pour faire ses preuves à la basse ; un certain Chi Cheng. Et enfin, en 1993, Abe décide de revenir, Dominic se lasse et le line-up se stabilise, ils composent plus d’une vingtaine de morceaux assaisonnés de diverses reprises ; métal, pop, new waves, tout y passe.

   Six années à jammer, comme le rappelle leur tout premier concert, alors qu’ils n’avaient que 15 et 16 ans, lors d’un mini-concert barbecue, pour faire plaisir et se faire plaisir avec leurs potes, tout simplement, sans prétention à devenir des superstars.

Puis les premiers véritables concerts s’enchainent, de plus en plus, les Deftones commencent à voler de leurs propres ailes, et, un jour alors qu’ils jouent dans la cité des Anges, ils sont remarqués par un représentant d’un jeune label fondé par Madonna, Maverick. Impressionné par leur style et leur musique, Maverick propose au groupe de Sacramento de signer un contrat, nous sommes en 1994 et le rêve prend tout doucement vie. 

     Entre quelques sons de Goatsnake (1+Dogdays) et de Monster Magnet (God says no), une envie incommensurable m’est venue ; s’écouter pour la énième fois le dernier Red Fang. Et oui, bienvenue dans le monde du dernier album des crocs rouges, Whales and Leeches sorti en octobre 2013, il y a peu mes amis.

   On pourrait dire beaucoup de choses, et, c’est d’ailleurs ce que je vais faire. En effet, ce troisième opus des américains de Portland prend la place d’un déjà très bon album qu’était Murder the Mountains. Ici, on met de côté le style alcolo pour un délire plus narcoleptique, mais avec de la bière quand même s’il vous plait. Comme le confirme d’ailleurs le clip Blood like Cream ; délire zombirifique comblé à l’houblon bien fermenté. Parce que Red Fang, c’est un peu cette double recette, celle du monde du bon vieux cinéma bis fermenté dans le stoner attitude début XXIème siècle.

Commençons par  DOEN, en gros, en large, on n’attend pas le train et c’est parti. Morceau simplement efficace, rapide sans agresser mais plutôt pour motiver, sans rempart, on gravi déjà les marches bien sludge. Puis le temps d’un gros ralenti dans les montagnes russes, on repart déjà pour gueuler à plein poumon. S’en suit Blood like Cream où on ‘’refuse de dormir’’ et juste de partir à l’aventure, avec sa moto, sa caisse, son vélo, bon OK on va prendre le bus. Mais pas grave, c’est déjà signe de bonne humeur au son des riffs continus et d’une bonne batterie bien ‘’keupon’’. Allez on termine par un pont encore plus punk et on tue les zombies après une bonne gorgée de bière américaine. Et puis, on en veut encore et encore, heureusement No hope nous rappelle avec beaucoup d’espoir que les Red Fang sont devenus un peu les patrons ; pas de demies-mesures, pas de pincettes, c’est pour les Bieber et les Pokora. Ici on est entre copains et on compte s’amuser jusqu’à la fin. Mais qu’entend-je ? Crows In Swine poursuit la progression très mastodonnienne !!! Plus Stoner-metal, tu meurs, ou alors à petit feu. Tous les ingrédients sont là, couplet brutal, refrain barré, ponts, oui pont(s) enchainés. Entre solos et fratries  psychédéliques, Red Fang nous tues un peu plus de plaisir à chaque riffs, et ce n’est que le début. Surgit de derrière les fagots Voices Of The Dead, que dire, oui c’est la voix de la mort et ce n’est pas déplaisant du tout; mastodonnienne, on vous a dit les amis. Puis après, Behind the Light, pas mal, mais peu mieux faire. Puis après, houlà, j’ai rien dit les gars, Dawn Rising ; un monstre, une promesse, un élixir stoner comme on les aime. Lourd, vicieux et en duo mes amis. Car l’arrivée soudaine et non contestée de Mike Scheidt (YOB, HC Minds,…) nous fait juste planer, et ça faisait un peu trop longtemps que ça n’était pas arrivé. Deux voix, une homogénéité parfaite avec ces parcelles de doom, de rock’n’roll, de stoner et de sludge ; un morceau presque parfait. Arrive Failure et ce n’est pas le cas ; un peu de passion machiavélique dans ce monde de brutes et de ‘’salopes’’. Un morceau passionné et passionnant, digne de la légende Black Sabbath avec un soupçon début 70’ très ‘’doorsien’’ pour le coup. Puis on compte et on approche de la fin, attend, 15, 16, et oui 1516. Morceau bien décoiffant, toujours dans la subtilité des Red Fang qui montrent encore une fois qu’il savent maitriser morceaux rapides et lents, et pourquoi pas les deux en même temps ?! Mais encore un peu de son bien 80’ avec This Animal, qui suit bien la progression chrono-musicale de Failure en mettant toujours une touche psychédélique. Et puis, allez, c’est la fin avec Every Little Twist, et ils n’auraient pas pu mieux choisir pour boucler cette boucle qui a plus d’un tour dans son sac. Morceau très UFO, très cinéma bis, comme je vous le disais, très rock’n’roll way, très take the road with your big Harley.

En tout état de cause, un super album, un beau voyage au pays du stoner, sans détours, sans contrefaçon, sans mensonges….Merci les Red Fang

  18/20

     Tout d’abord, bonne année à toutes et à tous, et puis je vous…. Et puis c’est bon, vous l’aurez compris, 2013, c’est fini, bonjour 2014.

   Afin de commencer l’année en beauté, et de suite, après une courte nuit et un réveil humain qui s’est enfin fait sentir vers les 18H, il était intéressant de faire la critique de l’album qui me semble être celui le plus méritant de cette année 2013 : Like Clockwork, le 6ème album des Queens of the Stone Age.

Ont-il besoin qu’on les présente ? Certainement pas, car leur talent, et notamment celui d’un ‘’homme’’….Josh Homme, n’a plus rien à prouver, car les patrons, c’est eux !!!

Mais ce dernier opus a connu de bonnes comme de mauvaises critiques, et, pour une fois, je ne suis juste pas d’accord avec la majorité de ces critiques négatives. Car elles reposent sur une fatigante constatation, celle que le groupe n’a pas remis sa serviette de table pour nous répondre un énième et magnifique Song for the Deaf (troisième album des reines, et, certainement un des plus grands disques de rock que l’humanité peut se vanter d’avoir). Donc non chers amis, un vrai groupe ce n’est pas un simple pantin qui reproduit le même show à chaque galette, c’est une entité artistique qui prend des risques, qui explore et qui se bonifie avec le temps…Et aussi un peu avec l’argent.

  Mais revenons à nos moutons,

  Like Clockwork ouvre le bal avec un premier morceau saisissant, Keep Your Eyes Peeled. On sait tout de suite qu’on ne s’est pas trompé de CD et que la grosse basse bien stoner des QOSTA résonne déjà dans nos petites oreilles de vilains petits enfants pas sages. Rythme lent, couplet qui monte, puis un pré-refrain qui nous fait voyager, entre la voix  d’Homme, ces trois belles guitares, une ambiance psychédélique et une batterie progressive, le reste du titre n’est qu’une poursuite jouissive. S’en suit I Sat By The Ocean, cette fois-ci, on commence à prendre la route après avoir fait le plein ; rythmique hyper groovy et d’une sensualité sans précédant. Puis on plonge dans cet océan de fraicheur entre deux bonnes bouchées d’air pure. Voilà qu’arrive la grosse surprise, The Vampyre Of Time And Memory qui ne laisse pas indifférent. Morceau difficilement compris à la première écoute, puis on veut réessayer un peu comme un bon verre de vin français qu’on a gouté, et là on est conquis. Cette fois ci, c’est l’extrême sensualité qui est au rendez-vous, piano de crooner et Homme qui maitrise la situation. Et toute la familia le rejoint dans une symphonie de douceur et de mélancolie. Mais la bête n’est pas morte car déjà la route se prolonge avec If I had a Tail, où le groove et la lenteur stoner font bon train, insufflant ainsi un des meilleurs morceaux de ce dernier album. Arrive My God  is The Sun, premier morceau offert au public bien avant la sorti de Like Clockwork. Sans hésitation on peut dire, c’est du QOSTA tout craché ; on reprend le métronome et on accélère le tout pour donner ici le morceau le plus puissant, le plus authentique et le plus convainquant dès les premières écoutes. Arrivé au motel histoire de se reposer, Kalopsia joue la carte de l’antithèse. Morceau peu convainquant, d’une mollesse presque déprimante, on l’écoute une fois, puis deux fois, puis on passe à la chanson d’après. La suite semble inquiétante avec Fairweather Friends, toujours aussi peu convainquant, et on est un peu triste et espère que la fin de l’album n’est pas en train de s’écrouler. Un grand ouf de soulagement, Smooth Sailing nous rescotche à notre siège et il est temps d’oublier cette mauvaise nuit. Le côté sexuel des reines s’exprime enfin et on a juste envie de danser ou de voir de belles danses érotiques. Et la danse n’est pas finie, I Appear Missing dresse, dès les premiers accords, les poils jusqu’à la lune et il n’est même plus possible de respirer ou même de penser. Le voyage est à son point culminant et les souvenirs, la mélancolie sont compressés par l’espoir, la vie et l’émotion. Tout semble s’arrêter dans une chute vertigineuse et excitante de distorsion et de groove, mais ce n’est que pour mieux se relever avec un final des plus réussis, d’une beauté sans pareil. Et la route touche à sa fin, Like Clockwork titre éponyme de l’album nous transporte une dernière fois au pays des rêves. On sourit, on constate, on jouit de cette longue complainte piano/chant et puis on retrouve tout le monde à coup de guitare seventies, d’une touche de psychédélisme et d’un au revoir comme les QOSTA savent le faire.

  Vous l’aurez compris Like Clockwork est l’accomplissement artistique d’un savant mélange de rock stoner, de pop, et de psychédélisme. Le tout accompagné de sensualité, de sexualité, de groove, de lenteur et d’agressivité. Avec un petit bémol de deux morceaux, en plein milieu d’un rêve, qui n’arrivent pas à convaincre. Mais ce 6ème opus des QOSTA méritait bien de figurer en tête de liste du meilleur album 2013.

  Bonne année et espérons-le, plein de bon son et de beaux films pour 2014

En pleine tri-dimension

     Sortis tout droit de leur Grande Bretagne native, Tesseract, groupe dit de ‘’métal progressif’’ nous offre un nouvel opus (sorti le 27 mai 2013 ‘’légalement’’) Altered State. Qu’en est-il de cet étrange cube quadridimensionnel ?

   Premier aspect intéressant, la façon d’organiser leur musique telle une histoire avec ses parties (Of Matter, Of Mind,…) et ses chapitres (Proxy, Nocturne ou encore Embers) qui sont ni plus, ni moins disposés en deux ou trois morceaux par partie. Compliqué ? Non pas vraiment, car les morceaux ont été crée de manière à s’enchainer comme un gant en soie sur les douces mains d’une femme qui… (Stop). Vous l’aurez compris, on cherche l’originalité et la trouve dans sa forme, même si on peut retenir le groupe Defeater qui, déjà avant, avaient toujours narré leurs albums comme de véritables histoires (cf : Empty Days And Sleepless Night, Bridge Nine, 2011).

   Pour ce qui est de la pochette, elle révèle quant à elle peu de chose, sauf l’intérêt d’aimer les formes géométriques (c’est une manie chez eux) qui font mal aux yeux, mais passons.

   En rentrant dans l’album, en commençant par la première partie, et bien, on a du mal à cerner la bête, ou plutôt le fond. Gros son en perspective, Batterie sur-mixée à coup de kick bien placé, guitare à l’affut et basse clairement maitrisée, peut-être trop maitrisée. Et, arrive un chant, timide, trop  timide (merci aux superbes productions américaines qui aiment grosso modo mettre le chant au fin fond du mixe). On saisit le concept ; du gros son avec une voix hyper claire, trop claire (merci auto-tune). Alors on poursuit le livre, les morceaux s’allongent, les structures se synthétisent mais se déstructurent aussi. Du coup on ne sait plus où on en est. Couplet ? Refrain ? Ce qui n’est pas accessoirement une mauvaise chose, bien au contraire,  mais à travers cet album, cette force en fait une énorme faiblesse. Car en tournant les pages, on se rend compte qu’on a surtout à faire à une énorme démonstration musicale, tantôt de basse, tantôt de batterie, tantôt d’un chant de plus en plus aigu, voire agaçant. A noter pourtant qu’arrivé au morceau Nocturne, il n’est pas encore tant de se coucher. En effet, il est certainement la plus grande force de cet album ; superbe intro digne d’un bon Meshuggah, puis arrive un chant bien placé, bien maitrisé, une basse juste ‘’groovy’’ à souhait, et là, le refrain de la mort qui tue, celui qui reste dans la tête toute la journée. Enfin vous l’aurez compris, il faut explorer un peu plus, les pages de Altered State pour trouver quelques bonnes pépites. Néanmoins le rêve de trouver une suite élogieuse se fait attendre, et puis on abandonne.

Altered State part donc d’une très bonne volonté d’explorer l’union entre la pop et le bon gros métal qui tâche, mais vous l’aurez compris, cet album est surtout surproduit ‘’trop’’ produit, ‘’trop’’ sur-joué. Espérons que ça ne sera pas l’album de ‘’trop’’.

La société ''Zombie'' de consommation américaine

     Le message qui est finalement, et très souvent, le plus fort dans les films de zombie s'avère être la critique de la société de consommation. Les années 60-70 voient le développement très rapide des grands centres commerciaux un peu partout dans le monde, un concept développé par les Etats Unis dans les années 50, qui ne semble avoir aucune limite. De plus en plus grands et proposant de nombreux magasins, les centres commerciaux deviennent le symbole même de la société de consommation. C'est le second film de Georges A Romero Zombie sorti en 1978, qui utilise cette image ; celui d'une société américaine victime de sa soif de consommation. Tout en étant connu comme étant le sommet du ''gore'', ce film s'attaque sévèrement à cet ordre social et économique en plaçant l'intrigue centrale de Zombie au sein d'un centre commercial dans lequel les humains tout comme les zombies reproduisent leur vie passée. Tout d'abord les humains qui se réfugient dans le centre commercial où ils n'hésitent pas à se servir dans les rayons en prenant tout ce qui leur tombe sur la main ; ainsi leur refuge se transforme en un cliché publicitaire de consommation mêlant confort et sécurité. Mais la réalité les rattrape car les zombies sont eux aussi attirés par le centre commercial, qui est progressivement encerclé par ces derniers, bien que dénués de conscience et d'intelligence, d'une certaine manière, leur instinct les poussent à se diriger vers ce lieu, qui était avant leur mort un endroit, où ils avaient l'habitude de se rendre. C'est d'ailleurs ce film qui continue à construire le mort-vivant devenant l'image de l'être humain consommateur où tout le monde fait comme tout le monde, tels des moutons, et où les survivants prennent l'image des marginaux tentant de sauver ce qui reste de l'Homme. Moins de dix ans plus tard, alors que les années 1980 profitent au capitalisme et aux médias par la consommation sans limite, la société moderne américaine s'est adaptée à ce style de vie. La nuit de la Comète qui est un film post apocalyptique s'attaque au même problème où il raconte l'histoire de deux sœurs qui ont survécu à la quasi destruction de la population mondiale après le passage d'une comète à proximité de la Terre. Les deux héroïnes ne vont pas tarder à céder à leur instinct de consommatrice et visiter les grands centres commerciaux du coin afin de se refaire une garde-robe, alors que les survivants irradiés se transforment en mort-vivant très agressifs. Ce film repositionne l'humain dans le concept de la société de consommation ; bien que survivant, il ne réchappe pourtant pas à sa nature même, il ne peut plus se soustraire à cette société. Ces années 1980 sont aussi la période où nait l'anti-mondialisme et de nombreux acteurs de la scène artistique américaine, musicale entre autre, rejoignent l'avis des cinéastes tel que Romero en prenant conscience que la société humaine est en train de s'enfermer dans un cercle de consommation. Tout comme les autres critiques de la société américaine, les années 1990 sont pauvres en film de zombies contestant la société de consommation et encore une fois, il faut attendre les années 2000 avec une séries de films s'attaquant à ce sujet. Tout d'abord c'est le réalisateur Zack Snyder, qui en 2004, propose un remake du très cultissime Zombie de Romero en mettant le scénario à neuf, avec un concept lancé par Danny Boyle dans 28 jours plus tard ; les morts-vivants ne sont plus des cadavres boiteux ou rampant, donc très lent. Au contraire, ils deviennent rapides et courent remarquablement vite en ne laissant presque plus une seule chance aux survivants. Les héros de l'histoire se réfugient encore une fois de plus dans un immense centre commercial, où ils se servent dans les différents rayons en oubliant une fois de plus l'horreur apocalyptique de l'extérieur qui encercle le centre commercial. Ce film agit comme une piqûre de rappel en montrant que finalement, vingt ans plus tard, la soif de consommation ne s’est pas tarie, et qu'au contraire, elle est encore plus forte. En 2006, ce sont les ''fast food'' qui sont vivement critiqués dans le film Poultrygeist ; une chaine de restauration rapide spécialisée dans le poulet construit un de ses restaurants sur le site d'un vieux cimetière indien (comme d’habitude).) Pour cette raison, des contestataires altermondialistes manifestent. Le personnage principal qui en fait parti découvre que son ancienne petite amie est devenue homosexuelle, pour cette raison il se fait engager dans le restaurant pour s'opposer à cette dernière. Mais la malédiction de l'ancienne tribu indienne va s'abattre sur le restaurant et ainsi transformer la viande qui fera muter les gens en poulets-zombies. Les ''fast food'' sont le symbole de la société de consommation par excellence, ces nombreuses chaines de restaurations inventées par les Etats Unis, ont en l'espace de vingt cinq ans, envahi le monde entier allant jusqu'à être implantée en Chine. Mais ces ''fast food'' sont très critiqués par leur principe de faire de la nourriture rapide, parfois même de moyenne qualité, et qui surtout, est un des facteurs principaux de l'augmentation de l'obésité très visible aux Etats Unis. Mais ce film émet une autre critique, celle du mauvais traitement des animaux destinés à la consommation, qui sont les victimes de cette société de consommation américaine, où ces élevages sont de vastes usines à boucherie afin de répondre à la demande croissante du consommateur américain. Dans ce film, ce sont finalement les poulets qui se vengent en faisant subir le même traitement aux humains en les découpant, les préparant ensuite pour les déguster en hamburger. La même année sort le film Fido qui s'attaque cette fois ci aux effets de la société de consommation et de la politique sécuritaire. Ce film canadien qui est avant tout une comédie, ce qui est assez original dans le genre (cf. Shaun of the Dead est un formidable grand cru britannique comparable à l’humour zombie décalé de Fido), où les pulsions cannibales des zombies ont été jugulées par des colliers, faisant d'eux des serviteurs soumis. Ce scénario se déroulant dans les années 50 est teinté de nombreuses références cinématographiques, telles que Pleasant ville en adoptant un aspect lisse d'un monde au final artificiel, mais aussi politique pour la situation de la femme et de la peur de l'étranger comme dans Loin du Paradis. Fido montre finalement comment les multinationales proches du pouvoirs réussissent à se faire de l'argent sur la société américaine consommatrice. Car encore une fois, les personnages principaux prennent l'exemple de leurs voisins en adoptant le même mode de vie en achetant un zombie serviteur afin de compléter le panel d'accessoires de consommation de leur pittoresque maison. Enfin, Georges A Romero se lance en 2008 dans une nouvelle critique de la société de consommation, cette fois ci en s'attaquant aux médias avec Diary of the dead ; il  tente de montrer l'évolution de la société contemporaine où la surinformation a supplanté la surconsommation. Des étudiants en cinéma partent tourner un film d'épouvante au fond d'une forêt. Ils sont alors témoins d'une invasion de morts-vivants. Le personnage principal ne cesse de filmer et de mettre en ligne les événements, le spectateur prend ainsi la place de ce dernier, à travers la réalisation via une caméra d'épaule à la manière de Blairwitch ou Cloverfield. Ainsi ils expliquent au public le malaise croissant afin de les aider à survivre; une nouvelle réalité, en contradiction avec les médias qui leur mentent. Romero tente donc de montrer que la société est aujourd'hui nourrie par la consommation des médias qui semblent ne pas vraiment exposer toute la réalité. Et ce constat est le résultat de cette décennie des années 2000 où depuis le 11 septembre 2001, la société américaine ne sait plus qui croire après les différents scénarios mis en avant avec notamment la théorie du complot sur les attentats, où on pense que les politiques manipulent et contrôlent les médias pour faire passer la pilule, qui génère d'ailleurs le plus de trafic sur internet. La chose ne s'arrête pas là, puisque depuis le conflit en Irak en 2003, les médias américains censurent de nombreuses images et vidéos montrant des soldats américains se faisant massacrer. Néanmoins, une grande partie de la société américaine semble encore se nourrir de l'information et affiche une totale confiance aux médias américains.

  Conclusion :

     Les films de zombie montrent donc une certaine réalité de la société américaine, une société qui se veut être inégale socialement en rejetant les marginaux tels que les sans domiciles fixes, les femmes, les homosexuels, les repris de justices en tentant de montrer une image propre possédant des normes à ne pas modifier afin de resplendir aux yeux des autres nations par leur impérialisme grandissant tout au long du XXème siècle. En utilisant l'armée, porte étendard du pays, appuyé par le monde scientifique améliorant la puissance américaine sans se soucier tous deux des conséquences et les risques sur l'Homme. Ainsi la société américaine se sent puissante et invincible consommant sans fin et sans limite tout en propageant sa culture.

   Le zombie devient donc une image modifiée et amplifiée des excès de la société américaine éradiquant les faibles, se multipliant et cherchant à devenir le plus fort pour se nourrir toujours plus et ainsi faire accepter leur culture aux derniers humains.

   Références cinématographiques :

⁃                    White Zombie de Victor Halperin, 1932

⁃                    Vaudou de Jacques Tourneur, 1943

⁃                    La nuit des morts-vivants de Georges A Romero, 1968

⁃                    Le jardin des morts de John Hayes, 1974

⁃                    CHUD de Douglas Cheek, 1984

⁃                    Castle of the Dead de David Decoteau, 2000

⁃                    28 jours plus tard de Danny Boyle, 2002

⁃                    Dead and Breakfast de Mattew Leutwyler, 2004

⁃                    Land of the dead de Georges A Romero, 2005

⁃                    Tamara de Jeremy Haft, 2005

⁃                    Dance of the Dead de Gregg Bishop, 2008

⁃                    Zombies of mass destruction de Kevin Hamedani, 2009

⁃                    Zombi Holocaust de Marino Girolami, 1980

⁃                    Le jour des morts-vivants de Georges A Romero, 1985

⁃                    Le retour des morts vivants de Dan O'Bannon, 1985

⁃                    Re-Animator de Stuart Gordon, 1985

⁃                    Oncle Sam de Willia Lusting, 1997

⁃                    Resident Evil de Paul W.S Anderson, 2002

⁃                    Les Maîtres de l'horreur, épisode ‘’vote ou crève de Joe Dante’’, 2005

⁃                    Plane of the dead de Scott Thomas, 2007

⁃                    Day of the dead de Steve Miner, 2008

⁃                    Zombie de Georges A Romero, 1978

⁃                    La nuit de la Comète de Thom Eberhardt, 1984

⁃                    Dawn of the dead de Zack Snyder, 2004

⁃                    Poultrygeist : Night of the Chicken Dead de Lloyd Kaufman, 2006

⁃                    Fido de Andrew Currie, 2006

La dévoration de l'impérialisme américain

     Les films de zombies s'attaquent aussi à deux grands acteurs de la politique américaine que sont l'armée et le milieu scientifique, et ce sont tout d'abord les années 1980 qui voient un nombre conséquent de films les critiquant clairement. Alors que la plupart des films de zombie n'expliquent pas vraiment la cause qui a provoquée cette invasion de cannibales, de plus en plus de ces productions présentent la cause qui devient souvent le sujet central. C'est l'exemple du film Zombi Holocaust réalisé par l'italien Marino Girolami sortie en 1980 qui montre que les zombies qui ont envahis New York sont crées par un scientifique. Mais l'année des ''grands crus'' est sans nul doute l'année 1985 qui propose trois films s'attaquant aux militaires et aux scientifiques avec le troisième volet de Georges A Romero qui est Le jour des morts-vivants qui se veut être en lien direct avec la Guerre Froide et sa critique sociale où aucun des deux camps (américains et soviétiques) n'est meilleur ou pire que l'autre et où dans le film, la tension entre deux factions est présente, les militaires et les scientifiques; les premiers sont partisans de l'éradication des morts-vivants alors que les scientifiques recherchent un moyen d'éradiquer la contamination. Ensuite, c'est Le retour des morts vivants qui montre encore le lien entre armée et scientifiques et les dégâts que peuvent causer leur collaboration. Dans cette histoire, ce sont deux employés d'une société de fournitures médicales qui sont confrontés à la réanimation de cadavres dût à une fuite de gaz, provenant d'un fut expédié par l'armée et contenant un mort-vivant, qui se répand dans l'entrepôt. La même année sort le film Re-Animator, qui remporte d'ailleurs un vif succès auprès des amateurs du genre à l'époque de sa sortie où encore une fois, le monde scientifique est vivement critiqué. Un jeune étudiant en médecine arrive dans une université dans le Massachusetts où il suit les cours d'un professeur sur la physionomie et le fonctionnement du cerveau et où les deux hommes s'opposent où le premier prétend pouvoir vaincre la mort. Son expérience fonctionne mais la chose devient incontrôlable. Ce défilé de films anti scientifiques et militaires n'est pas étonnant ; car dans les années 1980, le monde scientifique est vivement critiqué par sa collaboration constante avec l'armée américaine et ce depuis les années 40 avec le nucléaire qui va être un des éléments les plus décisif de la Guerre Froide, les expériences du LSD sur l'armée américaine et la recherche constante de l'amélioration de l'armement américain, et, où les tensions semblent revenir avec l'élection de Ronald Reagan à la tête de la présidence américaine et sa volonté d'en finir avec ce conflit et ''l'Empire du Mal''. Plus encore c'est la découverte d'un nouveau virus, celui du VIH qui commence à inquiéter la société américaine puisque le virus se propage tout d'abord aux Etats Unis et où personne ne sait vraiment de quoi il s'agit, ainsi que le monde scientifique. Bien que les années 1990 ne proposent pas de très grands films d'horreur et notamment de morts-vivants, en 1997 sort pourtant le film Oncle Sam, qui reste une comédie-horreur, où c'est l'histoire d'un soldat extrêmement sadique et patriote américain nommé Sam Harper qui est tué par un ami au Koweït lors de l'opération ''Desert Storm''. Le soldat est ramené à la vie le 4 Juillet (jour de la fête Nationale américaine), comme l'Oncle Sam, où il commence à s'attaquer à des délinquants mais progressivement il s'en prend aussi aux citoyens patriotes de sa ville natale. Le patriotisme et l'armée américaine sont vivement critiqués notamment à travers le conflit de la guerre du Golf qui laisse encore de nombreuses cicatrices dans la mémoire collective de la société américaine. L'arrivée des années 2000 et du nouvel âge d'or des films de zombie reprend aussi la critique de l'impérialisme américain à une époque ou Georges W Bush entraîne les Etats Unis dans une guerre totale contre le terrorisme après les événements du 11 Septembre 2001 déclenchant deux conflits, en Afghanistan et en Irak. Cette période voit le monde artistique américain en pleine guerre aussi, mais contre son propre pays accusant le gouvernement de manipuler la société et confortant les idées des patriotes. Encore une fois c'est le film Resident Evil, inspiré du célèbre jeu vidéo, sorti en 2002 qui insiste sur les responsabilités du monde scientifique et militaire sur les expériences où dans le film, les chercheurs d'une société pharmacologique secrète tentent de mettre au point des armes biologiques; c'est à dire des animaux de diverses espèces voire des humains transformés en monstres par un virus. L'épisode ''vote ou crève'' de Joe Dante de la série les Maîtres de l'horreur sorti en 2005 quant à lui s'attaque à la culture de la guerre des Etats Unis en critiquant clairement le pays de s'être engagé dans les divers conflits au Moyen et Proche Orient. L'histoire raconte celle du pays engagé dans une guerre et du président qui est en course pour se faire réélire lors des prochaines élections. Et, il cherche à tout pris à se justifier de cet engagement. Son conseiller affirme dans une émission télévisée qu'il voudrait voir les soldats américains tués revenir pour expliquer pourquoi ils se sont engagés. C'est alors que tous les soldats américains tués dans les guerres passées reviennent d'entre les morts pour participer au vote et demander l'arrêt de la guerre. Dans Plane of the dead sorti en 2007 et Day of the Dead sorti en 2008, les scientifiques sont encore montrés du doigt et mis en cause dans le développement des épidémies de ce début du XXIème siècle. Le premier montre que c'est par des expériences sur la mort et la propagation d'un violent virus que les gens se transforment en zombies. Et dans le deuxième film, inspiré du premier scénario du jour des morts-vivants de Romero, encore une fois c'est une épidémie qui est la cause de la mutation des humains. Ces films sortent dans les moments où la peur de l'épidémie se fait sentir avec entre autre la Grippe Aviaire découverte en 2004 et son importante médiatisation pendant plusieurs années créant une certaine panique notamment aux Etats Unis. Mais la Grippe Aviaire n'est pas la seule crainte aux Etats Unis, c'est aussi la peur d'une d'épidémie causée par un acte terroriste comme ce fut déjà le cas en 2001 après les attentats du 11 septembre où des attaques à l'aide d'enveloppes contaminées au bacille du charbon ont été faite. Cette histoire met d'ailleurs en cause un chercheur américain en 2008, suspecté d'être en rapport avec cette affaire.

   Enfin, la dernière grande critique que les films de zombies représentent le mieux est celle de la société de consommation américaine. 

A très vite (et oui Noël oblige, je vous laisse digérer votre saumon et votre foie gras…) 

 Les zombies face aux inégalités sociales

     Les Etats Unis, bien connus comme étant le pays de la ''Démocratie'', ne peuvent pourtant pas échapper à leur histoire qui n'a pas toujours été dans la lignée de la course des droits de l'homme, et, les films de zombies sont toujours présents pour faire une piqûre de rappel en ce qui concerne les inégalités, diverses soient-elles. La nuit des morts-vivants de Romero, qui est dans un premier temps le film culte de zombie par excellence, affiche en tant que précurseur une critique vive contre le racisme. Sortie en pleine année 1968, le film présente clairement les inégalités raciales que la communauté noire connait à l'époque; l'acteur principal étant un jeune homme afro-américain, le concept se veut déjà provocateur un an après la fin de la ségrégation américaine. Même si Romero affirme au départ avoir choisit l'acteur Duane Jones avant tout pour ses talents, le rôle qu'il joue montre bien que ses ennemis ne sont pas seulement les zombies et leurs assauts sans fin, mais aussi les vivants avec notamment l'homme blanc raciste joué par Karl Hardman qui refuse d'être aux ordres de l'homme noir ayant pourtant la situation bien en main. La fin qui se veut tragique montre finalement que seul l'homme noir survit aux morts-vivants mais qu'il sera pourtant abattu par la police l'ayant pris de loin pour l'un de ces monstres. Le film de zombie part donc dans la direction du film politique en adoptant toujours une histoire simple voir brute. Les années 70-80 proposent d'autres critiques d'inégalités sociales que sont la réalité de l'augmentation de la pauvreté dans le pays et le problème de la surpopulation carcérale et de son problème de réinsertion. C'est le film Le jardin des morts de John Hayes qui montre bien le problème qu'ont les Etats Unis à propos du monde carcérale où ces derniers tentent de s'échapper et où les gardiens n'hésitent pas à les abattre,  les prisonniers ayant respiré une substance toxique, il reviennent à la vie pour s'en prendre aux vivants et se venger. Dix ans plus tard c'est Douglas Cheek qui s'attaque à la pauvreté en constante augmentation avec son film CHUD où une colonie de ''clochards'' vivant dans les souterrains de New York subissent les conséquences de déchets déversés dans les égouts les transformant en zombies et menaçant la ''Grosse Pomme''. Ces deux films sont le témoignage d'une Amérique de plus en plus inégalitaire où la classe haute et moyenne s'émancipent des classes pauvres pendant les années 70-80, qui est la grande période du capitalisme américain en pleine apogée. Il faut attendre les années 2000 avant de revoir des films de zombies engagés contre les inégalités, car en effet, la période des années 90 enferme le cinéma de zombie dans les séries Z laissant la place pendant un temps aux films d'action remplis de patriotisme et de gloire après la chute de l'URSS. En l'an 2000, les films de zombies réapparaissent timidement avec notamment David Decoteau qui propose avec Castle of the dead un scénario qui remet encore une fois en question le souci de la prison où cette fois-ci, les détenus sont emmurés après la fermeture d'une prison il y a deux cent ans. Mais il s'avère que des bruits résonnent à nouveau dans ces couloirs. Bien que le film soit de mauvaise qualité, le problème de l'augmentation du nombre de détenus dans les prisons américaines est une réalité en voyant son nombre doubler tous les dix ans en passant de près de 500 000 détenus en 1980 à 2 millions en 2000 alors que le nombre de prisons n'augmentent pas assez vite. C'est véritablement après le succès de 28 jours plus tard de Danny Boyle en 2002 que le cinéma zombie revient à la mode, mais surtout, propose des productions de bonne qualité avec des histoires originales. C'est tout d'abord le film Dead and Breakfast sorti en 2004 qui montre clairement les disparités accrues qu'il existe entre la campagne et la ville américaine où une bande de jeunes venus de la ville se perdent au fin fond de la campagne américaine et décident alors de dormir dans un ''Bed and Breakfast'', mais pendant la nuit, le cuisinier est sauvagement assassiné. Le shérif local soupçonne directement ces ''étrangers'' qui vont d'ailleurs libérer un mal qui va ravager la petite ville. Un an plus tard, c'est le maître des films de zombie Georges A Romero qui profite du succès du genre pour faire Land of the dead. Ce film encore une fois est une critique directe de la société américaine en dénonçant la séparation entre les classes sociales; c'est l'organisation de la ville au début du film qui présente bien cette idée où les zombies vivent dans les faubourgs de la ville alors que les humains se sont regroupés au centre-ville et où ''l'élite'' de la ville est elle-même regroupée dans une tour rappelant la Babel décadente de la Bible. Plus intéressant encore, les morts-vivants qui sont une caricature de la société humaine, commencent à se structurer, à accéder à l'intelligence et aux sentiments face à la ville même des humains qui reproduisent ''l'ancien monde'' avec la corruption, la drogue et la prostitution. Enfin à partir de 2005, la critique des inégalités sociales prend une autre tournure; celle des groupes sociaux tels que les homosexuels, les ''geeks'' et les femmes qui cherchent à s'intégrer dans une Amérique remplie de principes et de critères de beauté. C'est notamment le film Tamara qui raconte l'histoire d'une jeune adolescente au physique disgracieux et qui doit essuyer les moqueries de ses camarades depuis toujours. Ce qui va causer sa mort après une plaisanterie qui tourne mal, mais la jeune Tamara revient d'entre les morts, dotée d'un nouveau physique plus qu'avantageux pour se venger de ses anciens camarades. En 2008 c'est le film Dance of the Dead qui met en scènes des ''loosers'' et des ''geeks'' comme seul espoir de sauver l'humanité contre une invasion de zombies. Et enfin en 2009 le film Zombies of mass destruction met en avant tous les stéréotypes que les Etat Unis peuvent avoir en regroupant tous les clichés tels que la religion, le gouvernement, le terrorisme et l'homosexualité. Dans ce film, l'attaque de zombies est perçue différemment suivant les personnages; le patriote pense que c'est un attentat terroriste, les fanatiques religieux pensent que c'est le jugement dernier. A travers cette histoire évoluent différents protagonistes tels que la jeune femme américaine d'origine iranienne qui subit la haine du patriote et le couple ''gay'' venu annoncer à la mère de l'un d'eux leur homosexualité. Ces trois jeunes gens se retrouvent finalement pris dans le piège des stéréotypes caractérisés par l'église où se trouvent les fanatiques.

   Mais les films de zombies s'attaquent aussi à une autre critique de cette société, celle de l'impérialisme américain. 

A demain...

Chers Amis,

Outre mes talents (grand mot je le conçois) pour l'audition musicale et je l'espère, mes talents de musicien (encore un très grand mot, je le re-conçois), n'oublions pas que le cinéma est un hôte, que dis-je, un amour d'avant naissance. Particulièrement l'univers des films d'horreurs, de l'hémoglobine et de la chaire bien fraîche. A cela s'ajoute cinq années d’études d'histoire, et, on obtient un mixe de culture bien pop et underground avec la plume (ou plutôt le clavier) de la rigueur, de la critique et de la recherche non pas de la vérité, que l’on laissera volontiers aux philosophes, mais des ‘’faits’’.

Tout cela pour dire qu’en tant qu’historien, mon triste constat de la discipline a été que peu de mes collègues et maîtres se sont véritablement intéressés  à la culture populaire ; la culture dite ‘’pauvre’’. Face à la ‘’grande’’ culture ; l’étude culturelle de la littérature, de la musique classique et de l’art (très souvent pompant, il faut le reconnaître), je cris donc haut et fort, ‘’révolution historiographique’’.

Je propose ainsi la première partie de cet article qui n’est autre que l’introduction, qui je l’espère, sera alléchante, bande de veinard. 

Critique de la société américaine à travers les films de zombies

     Le film de zombie est un genre cinématographique à part entière qui est d'ailleurs difficilement classable car il peut très bien se rapprocher du film d'horreur tout comme du fantastique. Ce genre se caractérise évidement par la présence de zombies appelés aussi morts-vivants car ils ne sont ni morts ni vivants; ce sont des cadavres, généralement humains, ressuscités à la suite de différentes conséquences qui peuvent être causées par une pratique magique, religieuse où bien encore, et c'est le plus fréquent, scientifique. Le zombie cinématographique répond à deux schémas dans le temps; tout d'abord et c'est avec le tout premier film du genre White Zombie de Victor Halperin sorti en 1932 où le zombie est un mort ressuscité qui obéit à la personne qui lui a redonnée la vie. Ce concept est repris directement des légendes vaudou d'Haïti que les américains découvrent lors de leur occupation de l'île entre 1915 et 1934 et qui donne naissance à de nombreux ouvrages puis qui ouvre ses portes au cinéma. Un schéma qui fonctionne pendant près de plus d'une trentaine d'années comme par exemple avec le film Vaudou de Jacques Tourneur sorti en 1943. Bien que ce genre fonctionne aux Etats Unis, il est très peu imité par les autres pays produisant des films et où les seules exceptions se trouvent de l'autre côté de la frontière, au Mexique et de l'autre côté de l'Atlantique en Grande Bretagne ainsi qu'en Italie. Pendant ces trente années, le film de zombie étouffe progressivement ne pouvant rivaliser avec le film de vampires qui reste le genre de film fantastique ou d'horreur le plus apprécié. Ce n'est seulement qu'à partir de 1968 que le film de zombie retrouve un souffle de vie et adopte un nouveau schéma avec le film La nuit des Morts-vivants de Georges A Romero qui devient le réalisateur de référence du genre créant un code propre au zombie. A présent, le zombie devient un mort vivant cannibale qui contamine ses victimes, menaçant ainsi l'espèce humaine. Dès lors, ce genre devient populaire jusque dans les années 90 pour marquer une courte pause avant de redevenir à la mode dans les années 2000 et ce encore aujourd'hui. Cette période voie un fleurissement de productions provenant de nombreux pays comme en France, en Espagne où encore en Corée du Sud et au Japon, sans détrôner pour autant les Etats Unis qui restent les numéros un en terme de quantité de productions de films de zombies. Mais ce cinéma n'est pas seulement un genre qui est là pour faire peur, il est aussi très souvent porteur d'un message, aussi étonnant que cela puisse être, notamment dans sa volonté de critiquer la société à travers son mode de vie, ses habitudes, ses abus et excès. C'est encore une fois Georges A Romero qui utilise ce cinéma en transformant le zombie en un symbole de la critique de la société. Même si parfois, le cinéaste ne cherche pas à mettre en avant la critique de la société; il agit inconsciemment comme un marqueur d'une réalité sociale mêlée à une fiction. Et ce sont surtout les Etats Unis qui sont le plus souvent montrés du doigt; chose qui n'est pas étonnante puisque la majorité des films de zombies sont produits aux Etats Unis et surtout parce que ce pays reste le modèle culturel occidental par excellence. Le film de zombie s'attaque donc au pays de l'Oncle Sam et à sa société sous différentes formes avec tout d'abord une critique des inégalités sociales telles que les disparités des classes économiques, le racisme ou bien encore le sexisme, une autre critique qui touche plus à l'impérialisme américain à travers sa culture sociale, militaire et scientifique et enfin une critique de la société de consommation qui est l'une des représentations les plus fortes.

La suite la semaine prochaine….