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¿Cuándo empezaste a bailar tango, y cuál fue el motivo por el cual comenzaste a hacerlo?

Empecé a bailar tango a los 14 años por culpa de mi abuela que me anotó intempestivamente y seguí hasta los 18 años. Dejé por la universidad, y volví a los 22 cuando ya podía darme el lujo de tener un poco más de tiempo.

¿Durante cuántos años bailaste? ¿Por qué decidiste dejarlo?

Bailé hasta los 25 años, cuando comenzó la pandemia. El tango fue lo primero en parar en esa época porque es una danza de puro contacto, en lugares que normalmente son cerrados, así que ahí frené. Luego me costó mucho recuperar la tonicidad física necesaria para bailar en ballets de tango, así que seguí bailando en milongas de forma amateur, hasta el día de hoy.

De todo lo que aprendiste bailando tango, ¿hay algo que lleves con vos hasta el día de hoy?

Del tango sacas un sexto sentido: vos pensá que necesitas sentir al otro, saber a dónde quiere ir con sólo tomarle la mano, así que me parece hermoso esa forma de conectar con la intención del otro en esos mínimos gestos, cositas chiquitas y después obvio la disciplina, metódica, clara.

Muchos creen que el tango es un género poco común entre los jóvenes. ¿Pensas lo mismo? 

El tango, como dicen, espera. Para mí cualquier persona de la edad que sea, que se tome el tiempo de prestarle atención a la letra de un tango, se enamora. Hablan de cosas que te atraviesan, seas de donde seas. Pero bueno, es tomarse el tiempo y quitar los prejuicios. Dicho esto la comunidad tanguera ahora está llena pero llena de jóvenes. Se hacen milongas donde la mayor cantidad de gente es menor a 35 años, y de hecho la última pareja campeona del mundial de tango son unos chicos de Ramos Mejía, que tienen mi edad.

Existe un género llamado “electrotango”. ¿Lo conocés? ¿Te gusta la idea de combinar el tango con un género más moderno, o preferís el ritmo en su formato más clásico?

Conozco el electrotango, y me encanta la idea de mezclar. Iba a decir de mezclar los géneros urbanos con el tango pero el tango era y es un género urbano. Pensá que el tango era muy mal visto, de clases bajas de la boca o "tugurios" similares. Hasta que no fue a Europa y se "afrancesó", para las élites porteñas era una música "de negros". Banco mucho el trabajo que hacen Trueno, Cazzu, o YSY A, que introdujeron tango o directamente hicieron tangos.

¿Qué le aconsejarías a una persona que quiere empezar a bailar tango, pero teme el prejuicio de las generaciones más actuales?

Por Melina Signorello, 14 de octubre de 2025

Airbag lo hizo de nuevo: llenó el mítico estadio de River con más de 75.000 personas. La banda acumula más de 20 años arriba de los escenarios, y tiene el privilegio de haberse presentado en el estadio más grande del país en 3 ocasiones. Considerando estos números, parece imposible negar el éxito de la banda. Sin embargo, algunos buscan desmerecer este éxito, posicionando a la banda como una “banda de minitas”.

Más allá del carácter machista de un comentario de ese estilo, lo que buscan discutir es si la banda argentina puede considerarse rock nacional o no. En este punto las posiciones son bastante variadas. Algunos no dudarían un segundo en decir que claramente lo son, dado que hacen rock y son argentinos, otros dirían que son una banda de rock, pero no se podrían clasificar como rock nacional. Sin embargo, el grupo que sostiene los comentarios machistas los acompaña de la frase de que Airbag no es rock por el mero hecho de hablarle a un público femenino, hablar de amor y no de política.

Desde el punto de vista técnico, es innegable que se trata de una banda de rock, por sus orígenes, sus fuentes de inspiración y melodías. Hoy en día, la madurez de la banda se observa en cada una de sus canciones, no sólo musicalmente, sino por las temáticas de las canciones y la profundidad con la que abordan cada uno de los puntos. Pero Airbag sigue sin hablar expresa y directamente de política. Algunas canciones tratan cuestiones sociales, pero el foco de su música no es ese. 

El pasado 5 de octubre, la banda de Don Torcuato volvió a presentarse en el estadio de River Plate, haciendo saltar al ritmo de su música a más de 75.000 personas.

Por Melina Signorello

Un domingo lluvioso, frío, ideal para quedarse en la cama, miles de personas hacían fila en las puertas del estadio del Club River Plate para, más tarde, poder ver nuevamente a la banda de los tres hermanos Sardelli presentar su nuevo disco en uno de los escenarios más icónicos e importantes del continente.

La espera es larga y demandante, algunos viajaron desde puntos muy alejados del país, o incluso de países vecinos. Todos motivados por un objetivo común: poder darle una cara distinta a un domingo lluvioso en Buenos Aires. Las horas pasaban, la fila no avanzaba, pero los ánimos y las formas de entretenimiento de quienes esperan le dan un toque místico a aquella fila. Cada persona con la que hablaba me relataba cómo llegaron a la banda, en qué momento sintieron la verdadera conexión con la música de los hermanos y qué esperan del concierto. Entre sonrisas, lágrimas y euforia, todas las historias comparten ciertos elementos: un amor por Airbag que hace muy difícil esconder la fuerte conexión de la banda con su público.

Luego de conocer a todos los que tenía alrededor, y hacer nuevas amistades que, muy posiblemente, se mantengan vivas hasta que suene el himno de la Nación como cierre del show, la fila empieza a moverse. La ola de personas no se mueven solas, acompañan con sus pasos diferentes canciones. Algunos cantan canciones del nuevo disco, otros canciones más antiguas, mezclando las diferentes edades y épocas tanto del público como de la banda. El canto coordinado y con tanta emoción se asemeja a un coro de iglesia.

Alcanzando las puertas las emociones crecen, las ganas de ingresar se vuelven incontrolables y la ansiedad sale por los poros de todas y cada una de las personas compartiendo el metro cuadrado de la fila. Esos amigos que hicimos durante las horas de espera se agarran las manos, se motivan y dan apoyo al grito de “¡Dale que ya entramos!”. Se vuelve imposible intentar no sumarse a los saltos o gritos de la marea “erbakera”. 

Una vez dentro, la espera no cesa, pero se transforma. Algunos empiezan a pelearse con esos amigos, buscando llegar lo más cerca posible de las vallas, para estar tan cerca como puedan de sus ídolos. Todo esto al ritmo de la música publicitaria que Dale Play deja correr por horas hasta que todo se apaga. Por unos segundos que parecen minutos el estadio está totalmente oscuro, a la espera de algo sorprendente, y llega el primer acorde. Nada más que eso es necesario para que más de 75.000 personas empiezan a gritar el nombre de una misma banda: Airbag. 

En un comunicado difundido el 4 de enero de 2024, más de 50 artistas expresaron su rechazo al proyecto de Javier Milei que plantea eliminar la institución.  

Por Melina Signorello

29 de septiembre de 2025

Comunicado de la institución publicado en Instagram.

Durante el primer trimestre de 2024, un grupo de músicos argentinos —entre ellos Charly García, León Gieco y Susana Rinaldi—, junto con la Federación Argentina de Músicxs Independientes y el Sindicato Argentino de Técnicos Escénicos, difundió un comunicado en el que rechazan la disolución del Instituto Nacional de la Música (INAMU), prevista en el proyecto de recortes presentado por el gobierno de Javier Milei. Los artistas advirtieron que la medida significaría un retroceso para la cultura nacional. En su comunicado, los artistas sostuvieron que “Nuestro país, que es un ejemplo de producción cultural, pasaría a dejar que sea ´sólo´ la lógica de mercado la que determine qué cultura se produce en la Argentina. El resultado de esa lógica sería una producción cultural que tiene más que ver con la competencia, que con la transmisión de sentimientos y valores".

Según sostienen los músicos, el proyecto para desfinanciar la institución modificaría totalmente al INAMU, eliminando lo que ellos identificaron como un ejemplo de transparencia, federalismo y optimización de los escasos recursos con los que cuenta. El foco del reclamo se relaciona con el carácter federal de la institución, y la amplia variedad de beneficiarios, los que perderían el apoyo del gobierno en su camino para alcanzar el éxito musical. 

La noticia de la eliminación del INAMU se sumó a las muchas noticias por las reformas que plantea el gobierno para reducir el gasto público destinado a las artes en medios internacionales. Por ejemplo, CNN España recopiló los principales anuncios vinculados con las reformas y los reclamos de los artistas más relevantes de cada disciplina. 

La propuesta del gobierno convierte al instituto en un programa de la Secretaría Cultural. Esta modificación lleva consigo distintas consecuencias: la eliminación de fondos específicamente destinados a la música, pasando a estar el reparto de fondos en manos del Estado, la disolución de la asamblea federal, dejando las decisiones en manos del gobierno nacional, y la eliminación del artículo 31 de la Ley Nº 26.801, el que exige la participación de bandas nacionales en conciertos de artistas internacionales en el país.

Imagen de Pinterest. Contiene una frase que forma parte de la canción "Botas Locas" de Sui Generis, banda liderada por Charly García.

Las reformas propuestas buscan convertir la industria musical argentina en una industria competitiva, que se base en el consumo y rendimiento financiero de las creaciones. El objetivo no es reducir el gasto público porque sí, sino focalizar el apoyo en los artistas que lo necesiten, justifiquen debidamente la necesidad, y la imposibilidad de acceder al mercado. Siguiendo con la línea política y comunicacional que el gobierno de Milei lleva desde la campaña electoral, el fin de las reformas culturales es lograr que funcionen bajo una regla del libre mercado, en el que las compañías y artistas se acomoden según sus ingresos y ventas. Un mercado donde cada uno tenga el soporte financiero que merece por sus logros en ventas.

Sin embargo, esta opinión no es compartida por gran parte de la industria artística del país. Muchos de los artistas, de diferentes rubros, se expresaron en contra de las reformas a través de comunicados que siguen la línea de aquel de los músicos mencionados. Este momento del país trajo consigo el renacimiento de un fenómeno cultural que conoció su máximo esplendor en el marco de la oposición a la última dictadura nacional.

Creación de un usuario de Facebook que milita por el partido Kirchnerista.

Uno de los exponentes de la música como elemento de crítica política en Argentina es Charly García. El vínculo del músico con la política argentina se remonta a principios de los años 70s, momento en el que el artista descubrió su capacidad para hacer una crítica política a través de la música, gracias a David Viñas, uno de los primeros escritores argentinos en reflexionar sobre las implicancias entre literatura, historia y política.

Todas las letras en las que Charly García critica a ciertas instituciones o directamente a la política se han vuelto elementos de identificación de ciertos grupos, y están presentes en los movimientos sociales. Incluso podríamos decir que, hoy en día, sirven para identificar, en parte, la ideología de las personas. Entre las diferentes canciones citadas, resaltan “Los dinosaurios”, y la mítica “Canción a mi muerte”, la que, para muchos, es un recordatorio constante de una terrible noche en la historia nacional, la conocida Noche de los Lápices.

Entrevistadora: Hola Naiara, muchas gracias por tu respuesta. Ningún problema, si te parece, te comparto las preguntas y las vamos charlando por este medio, o me las podes contestar todas juntas, como vos prefieras.

Naiara: Pasame las preguntas de a una y las voy respondiendo.

Entrevistadora: Perfecto, entonces empecemos. De forma general, ¿consideras que es correcto afirmar que existe una conexión entre la música y la formación de ideología política en Argentina? Especialmente, consideras que esto ocurre con el rock nacional?

Naiara: Sí, estoy de acuerdo con la afirmación. La música en general, y el rock nacional en particular, siempre funcionaron como vehículos de expresión política, aunque no necesariamente partidaria. En Argentina, el rock fue un espacio de resistencia simbólica y de construcción de identidades juveniles que se oponían a las estructuras que marcaba la sociedad. Creo que contribuyó en la formación de una sensibilidad política, de una forma de incorporar ciertas discusiones en las mesas del día a día en varias generaciones, más relacionado con cuestiones como la libertad, la crítica social y la autonomía que a una ideología concreta.

Entrevistadora: Muchas gracias. Siguiendo con este punto, ¿creés que el rock nacional tuvo una influencia política real o más simbólica durante distintos períodos históricos, como la dictadura o la transición democrática?

Naiara: Diría que tuvo una influencia más simbólica que directamente política, pero eso no le quita relevancia. Durante la dictadura, por ejemplo, el rock no militaba en el sentido que se le suele dar a la palabra para hablar de marchas políticas, pero generaba un espacio de escape, de expresión, de lenguaje propio, que se podía traducir en una forma de resistencia. Ya en la transición democrática, muchas letras empezaron a incorporar mensajes más explícitos sobre la libertad o la reconstrucción social. Es decir, su influencia fue cultural, pero también contribuyó a moldear el clima político.

Entrevistadora: Volviendo un poco a la conexión que planteo en la primera pregunta, considerando que en tu opinión existe esta conexión, ¿cómo entendés el rol del artista de rock en la formación de conciencia política en la sociedad argentina? Naiara: El artista de rock cumple un rol más de catalizador que de dirigente. No baja línea política, sino que traduce las emociones colectivas en canciones, pone en palabras lo que mucha gente siente pero no puede expresar, sea porque no encuentra la forma o porque no cuenta con el canal con el que cuentan los artistas. Esa identificación genera conciencia, aunque sea de manera difusa. En momentos de represión o desencanto con el gobierno, ese rol se vuelve fundamental.

Entrevistadora: ¿Te gustaría mencionar ejemplos concretos de músicos o bandas que hayan logrado moldear o canalizar ideologías políticas desde sus letras o discursos públicos?

Naiara: Sí, claro, hay varios. Spinetta, por ejemplo, siempre tuvo un discurso profundamente humanista y anti–sistema, aunque desde un lugar más poético que militante. Charly García, por su parte, canalizó mejor que nadie las tensiones de la dictadura y la transición, con temas como Los dinosaurios o Canción de Alicia en el país. También está León Gieco que fue más explícito en su compromiso político y social. Después, ya en otra época, Los Redondos o Bersuit también construyeron una narrativa crítica del poder y de la alienación social.

Entrevistadora: Perfecto. ¿Qué diferencia encontrás entre la influencia política del rock de los ‘70–’80 y la de los artistas contemporáneos?

Naiara: Hay bastantes cosas, pero la diferencia principal es el contexto. En los ‘70 y ‘80 el rock era contracultural; representaba una alternativa a los discursos oficiales, venía como máquina de choque. Hoy muchos artistas están más integrados al sistema mediático, y la rebeldía se volvió una estética más que una postura política o cultural. Esto no quiere decir que la música de hoy no tenga crítica social. Algunos géneros actuales, como el trap o el indie, recuperan algo de esa crítica, pero lo hacen desde otros códigos y, lógicamente, con otras temáticas. Aunque muchas veces las temáticas son similares, lo que incluso pone en tela de juicio el valor de la crítica. No se puede reclamar la misma libertad en dictadura que en democracia, por más poco que te guste quien gobierne.

Entrevistadora: Claro. ¿Consideras que el contexto de estas épocas tiene efectos en el nivel de influencia en la política que tiene la música?

Naiara: Totalmente. En los ‘70 y ‘80 había censura, represión y miedo, entonces cualquier mensaje que cuestionara el poder tenía un impacto enorme. Hoy vivimos en un contexto más fragmentado, donde hay sobreinformación y menos atención colectiva. Si uno quiere escuchar música con crítica social, solo tiene que ir a ciertos barrios de la ciudad para cruzarse con cientos de artistas reclamando lo mismo o cosas muy similares. Eso hace que la música ya no sea un canal tan central de influencia política, aunque siga siendo una herramienta de expresión importante. La masificación hace que el mensaje sincero y más adecuado se pierda en el mar de mensajes vacíos.

Entrevistadora: ¿Cómo cambió el papel de los músicos como formadores de opinión en la era de las redes sociales, donde la exposición personal es constante?

Naiara: Cambió mucho. Antes, el mensaje pasaba por la obra, hoy pasa también por la figura pública. Las redes obligan a los artistas a tener una postura constante, incluso sobre temas que no necesariamente dominan. Algunos lo aprovechan para amplificar mensajes políticos, pero otros prefieren mantenerse al margen para evitar polarización. Y esta falta de opinión también polariza a la gente. Cabe sólo recordar la cancelación de Emilia Mernes hace poco por no opinar sobre los recortes del gobierno actual a la cultura.

Entrevistadora: Bueno, un poco adelantaste la pregunta con ese último comentario, pero ¿creés que hoy el público espera una postura política de sus ídolos musicales, o prefiere separar arte y política?

Naiara: Un poco es así, se espera que el artista se exprese, pero el público espera, más que nada, que sean genuinos. Nadie quiere ver a un músico dando una opinión vacía, que seguramente no cree o no le interesa, solo para calmar a la gente en Twitter. Se valora el involucramiento genuino. Por otra parte, también existe un movimiento de separar la artista de la política, o de no esperar involucramiento político. Algunos lo interpretan como un cambio de contexto social, donde no es necesario contar con las voces de los artistas para expresar lo que la gente quiere decir, considerando que hoy todos tenemos redes y podemos opinar libremente. En conclusión, depende de cada persona.

Entrevistadora: ¿Cómo imaginás la relación entre música y política en las nuevas generaciones? ¿Hay espacio para un “nuevo rock político” en Argentina?

Naiara: Creo que la relación va a seguir existiendo, pero con otras formas. Tal vez no sea “rock” en el sentido del rock de Charly o Spinetta, sino otras expresiones urbanas o digitales. El espíritu crítico sigue ahí, aunque se exprese con menos solemnidad y más ironía o humor. Es decir, hay espacio para una nueva música política, pero quizás no sea el rock el motor, sino a través del trap o estilos musicales que nacen de otros sectores de la sociedad.

Entrevistadora: Muchas gracias por tus respuestas muy enriquecedoras. Espero que hayas disfrutado la entrevista.

En tiempos donde todo parece fugaz, hay algo llamativo que está sucediendo: lo viejo vuelve. En un contexto cultural acelerado, donde lo nuevo dura apenas unas horas antes de volverse obsoleto, lo viejo reaparece como un ancla que nos mantiene cerca de lo familiar, ofreciéndonos certezas ante lo desconocido. Y es algo que podemos ver, incluso, en la vida cotidiana.

En la televisión una chica de 19 años canta “Se dice de mí” de Tita Merello, una canción de tango lanzada en el año 1955 que las generaciones más jóvenes quizás nunca habían escuchado, pero que los emocionó al igual que a todos los que la escucharon por primera vez hace más de 70 años. Es así que, en una época tan apresurada, Milagros Amud logró recuperar parte de nuestra identidad y nos dio un recordatorio de que incluso ante tantos cambios, nuestra esencia permanece. Y que a veces, cuando olvidamos quiénes somos o hacia dónde vamos, podemos mirar hacia atrás para encontrar un sentido.

Lo mismo ocurre en el cine. El reestreno de “Orgullo y Prejuicio” agotó funciones como si fuese un estreno. ¿Por qué las historias del siglo XIX logran encantar a los jóvenes del siglo XXI? Porque son narrativas que ofrecen un descanso de lo digital, y nos llevan a un mundo sin prisa, sin ruido, y con amores reales, físicos y eternos. Como explica Justin Smith (2025), profesor de historia del cine y la televisión en la Universidad de Montfort:

“Las películas nos recuerdan la naturaleza muy tangible y cruda de la emoción y de la intimidad humana, y de realmente llegar a conocer a alguien en espacios físicos. Eso puede sonar descabellado, pero creo que podemos tener nostalgia por el romance y el cortejo que preceden a los rituales y convenciones de la era digital”. 

También la vida diaria confirma esta tendencia. En casa, mi papá intentó dejar atrás sus clásicos lentes de marco grueso y pasar a los lentes de contacto: modernos, prácticos, ligeros, y supuestamente, mejores. A la media hora volvió a sus lentes viejos, y aunque pueda parecer un ejemplo banal, no deja de ser evidencia de que ante lo incierto, elegimos lo conocido, lo que nos reconforta y lo que ya sentimos parte de nosotros.

Es con esto que recuerdo las palabras de Favalli en El Eternauta: “Lo viejo funciona, Juan”. No porque el pasado sea mejor, sino porque en él hay certezas. Milagros y su presentación de Tita Merello la consagraron como finalista y ganadora del tercer puesto. Las entradas de Orgullo y Prejuicio generan ganancias como si fuese la primera vez que la estrenan, y los lentes de mi papá vuelven a estar posados sobre su nariz, asegurando su vista y comodidad. 

El orgullo por lo nuestro

El lunes 13 de octubre era, para mí, una noche como cualquier otra. El reloj daba las 21:45 hs cuando mi mamá me recordó desde la cocina, "hoy es la final de La Voz". Encendí el televisor buscando rápidamente la transmisión en vivo, mientras mi perro se acostaba a los pies del sillón, uniéndose a la noche familiar. Cuando encontré el programa, dejé el control remoto a un costado y me dediqué a revisar mensajes en mi celular. De pronto, escuché las primeras notas de un bandoneón. Levanté la vista, tratando de descifrar quién iba a cantar. No conocía mucho sobre los participantes, pero tenía una leve idea de quiénes habían llegado a la final. Fue entonces cuando la ví: una chica de apariencia joven, con un vestido negro, guantes largos y cabello negro suelto. Sostenía el micrófono con firmeza, y miraba a la cámara con picardía, mientras comenzaba a entonar los primeros versos de “Se dice de mí” de Tita Merello, marcando el regreso del tango a la televisión. 

"Esa chica es de Tucumán", comentó mi papá mientras se sentaba a mi lado en el sillón. Ambos observábamos a Milagros moverse por el escenario iluminado con tonalidades azules, mientras marcaba el ritmo con sus manos, jugaba con el micrófono, y bailaba frente a las cámaras con una seguridad admirable. Mi mamá salió de la cocina y se paró junto a nosotros para ver de cerca la presentación. Los tres permanecimos en silencio, hipnotizados por la voz de Milagros. En el departamento reinaba una quietud especial, interrumpida solo por la fuerza del bandoneón y la voz grave de una joven de 19 años reviviendo un ritmo que muchos creían muerto.

La transmisión mostró a Soledad Pastorutti, coach de Milagros, observando a la chica con emoción mientras repetía algunos versos en voz baja. Pude escuchar a mi mamá imitando a “La Sole”, cantando suavemente, mientras mi papá movía el pie al compás de la música. Yo sentía que los ojos se me humedecían, y un nudo se formaba en mi garganta. Por algún motivo los reality shows, en especial aquellos de canto, me emocionan de sobremanera. Pienso en el esfuerzo de los que llegaron allí, de las noches sin dormir y las audiciones fallidas, pienso en sus familias, en las historias de vida que los marcaron hasta convertirse en esos cantantes que ahora se presentan frente a un público que los admira. Intento no llorar, pero no puedo evitarlo. Una pequeña lágrima se me escapa del ojo derecho, e intento limpiarla rápidamente para evitar explicar el por qué de mi emoción. Pero no soy la única: mis papás también están conmovidos. Milagros no sólo estaba cumpliendo su sueño, sino que estaba ayudándonos a revivir nuestros recuerdos: el recuerdo del tango que el “tata” ponía en su radio, y el de la abuela imitando el 2x4 mientras cocinaba mi almuerzo para irme al colegio sin sentir hambre. 

Cuando terminó su presentación con el icónico "¡yo soy así!", el estudio estalló en aplausos y ovaciones. Desde nuestro pequeño pero cómodo sillón, ubicado a kilómetros del estudio de Telefé, aplaudimos a Milagros como si estuviésemos viendo su presentación en vivo y en directo. Su voz, firme y cálida, traspasó la pantalla del televisor y nos envolvió en un abrazo nostálgico y emotivo. 

"Siempre soñé con la música, con nuestra música" decía Milagros minutos después, mientras Soledad sostenía su mano. Notablemente conmovida, la cantante agradeció humildemente no sólo al resto del jurado, sino también a sus compañeros y artistas en formación. Podía sentir las lágrimas formándose nuevamente en mis ojos, pero esta vez no intenté ocultar lo conmovida que me sentía. ¿Cómo era posible que una chica de 19 años haya llegado hasta allí cantando tango? En un mundo atravesado por la música pop, los cantantes de trap y reversiones modernas de algunos clásicos, Milagros había abierto una puerta que muchos creíamos cerrada, permitiendo que el tango vuelva a sonar en la televisión argentina casi 80 años después. 

Debido a problemas con la transmisión del programa, sólo supimos quién fue el ganador del primer puesto. Bastó con entrar a las redes sociales para descubrir quiénes habían llegado al podio: entre ellos, Milagros había obtenido el tercer lugar por voto del público, consagrándose como una de las voces más destacadas del certamen. Algunos opinaban que el resultado fue injusto, mientras que otros celebraban el primer puesto de Nicolás Behringer, otro de los participantes más queridos por el público. Pero nadie discutía el talento de Milagros. Todos coincidían que ella merecía estar allí. 

Cuando la transmisión terminó, mi papá apagó la televisión y se levantó para irse a dormir. Mi mamá lo siguió. Les pedí que no apaguen todas las luces del living, ya que quería investigar más sobre la historia de Milagros. Descubrí que había nacido en San Miguel de Tucumán, y que había sido criada por sus bisabuelos entre radios encendidas y mates. Contaba que, a sus 13 años le dijeron “vos dedicate a otra cosa, porque con el tango no vas a llegar a nada”. Me sorprendió pensar en cómo alguien puede opinar con tanta liviandad sobre los sueños de otro. La piel se me erizó al recordar la emoción que sentí al escucharla cantar, y me di cuenta que en su voz no había dolor ni resignación, sino fuerza, perseverancia y la certeza de que aún tenía mucho por decir.

Durante los últimos años, nuestro país ha vivido varios momentos de orgullo colectivo: el mundial, la copa América, el stream del CONICET, el amor que el ya fallecido Papa despertó en miles de religiosos alrededor del mundo. La Argentina tiene mucho por lo que sentirse orgullosa, y considero que las chicas como Milagros son parte de ese orgullo. A veces, nos olvidamos de nuestra capacidad de crecer, de nuestra fortaleza, de nuestra determinación, sea por cansancio, por temor, o porque simplemente alguien nos hizo creer que carecemos de ello. Pero es en jóvenes como Milagros que podemos encontrar todo aquello que creíamos muerto. Jóvenes que se sostienen y perseveran, que luchan, que escalan cada peldaño cargando una pesada mochila llena de sueños e ilusiones. 

Un encuentro entre la tradición y lo moderno

En febrero del 2026 Buenos Aires celebrará la quinta edición del Festival de Electrotango: Una fiesta con 20 años de trayectoria que fusiona un ritmo tradicional con nuevas tendencias electrónicas.

El encuentro toma un formato de festival donde participan referentes, orquestas, músicos, bailarines, docentes, escritores, y muchos más. Único en el mundo, se sostiene únicamente con el aporte de su organización, por lo que sus participantes buscan mayor difusión para sostener este circuito alternativo.

Nacido a principios de los 2000 con grupos pioneros como Gotan Project o Tanghetto, el electrotango mezcla bandoneones con pistas electrónicas. Si bien este ritmo y sus derivaciones llevan ya 25 años de vigencia, las asperezas entre los tradicionalistas y el público moderno se mantienen, por lo que el objetivo del festival es "suavizar esa transición porque todo es tango", como explica Fran Borra, productor del evento. 

Tanghetto, banda pionera del género

Por ello, la organización de este encuentro invita a todos los amantes del tango a participar de este festival que se celebrará el 6, 7 y 8 de febrero del 2026 en Tacuarí 905, San Telmo. Las entradas pueden adquirirse en la página web, donde también estarán dando más información sobre el lineup y los horarios.

Así, el electrotango sigue manteniendo un género que se reinventa en cada festival sin perder sus raíces.