ARTO HARTE

Imagínate leyéndole tu ensayo en voz alta a alguien que no sepa nada de las vanguardias o del arte abstracto o del arte contemporáneo. Esa persona hipotética tendría que entender perfectamente todo lo que escribiste. Es decir, lee tu ensayo en voz alta y reescribe todo aquello que no esté claro.

Revisa también que tu documento esté en formato APA:

tamaño del documento: carta: 21.59 X 27.94cm

tipografía: Times New Roman

tamaño de letra: 12 puntos

interlineado: doble espacio (las notas al pie, si tienen, en interlineado sencillo)

márgenes: 2.54cm en los cuatro lados de la hoja

sangría: tabulador del teclado o cinco espacios en la primera línea de cada párrafo

alineación del texto: a la izquierda (quebrado)

cita directa o textual: «bla bla bla» (Apellido, año, p.#)

cita directa de más de 40 palabras: en párrafo aparte, con margen alineado a la sangría (2.54cm + cinco espacios), sin comillas, tamaño de letra en 11 puntos.

cita indirecta o paráfrasis: De acuerdo con Apellido (año), paráfrasis de la idea paráfrasis de la idea (p.#)

referencias al final del documento: APELLIDO, N. (año). Título de la obra. Ciudad de publicación: Editorial.

el título de las obras va en itálicas: Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso; 45 cuerpos, de Teresa Margolles.

Y cuatro cosillas más:

Evita la voz pasiva: los gerundios innecesarios, los verbos en infinitivo, las oraciones con dos verbos juntos. *menos 1 punto por cada gerundio erróneo.

Evita también el uso de conectores flojos como «lo cual», «lo que», «los cuales», «los que». *menos 3 puntos por cada «lo cual», «lo que», etc.

Cuida su puntuación: la mayoría de las comas bien podrían sustituirse por puntos y seguido. No le temas al punto y seguido. Menos comas. Más puntos. *menos 1 punto por cada coma que pudo ser punto.

En menos de 200 palabras, concluye tu ensayo con la mención de una obra o un artista que no hayas incluido antes y que podría llevar la exploración de tu tema o otra dirección:

La carne y el cuerpo humano ha sido ampliamente explorado y radicalmente distorsionado por distintos artistas, desde las pinturas de Caravaggio hasta las esculturas de Berlinde De Bruyckere o las fotografías de Antoine d'Agata. Sin embargo, toda su gravedad, o toda su evidencia, nunca es tan impactante como cuando estás frente a un cuerpo real. No una pintura o una escultura o una serie fotográfica, sino frente a un cuerpo tal cual. Ese es el caso de la danza o del teatro o de cualquier arte performativa. «Mira que la dolencia / de amor, que no se cura / sino con la presencia y la figura», dicen unos versos de san Juan de la Cruz. Lo mismo podríamos decir del cuerpo humano: la carne descubre su presencia cuando está ahí con toda su masa y todo su peso.

Dimitris Papaioannou, un artista y coreógrafo griego, trabaja con el cuerpo en el cuerpo. Y es ahí, cuando después de ver el cuerpo fragmentado de los cubistas, las marcas que el tiempo imprime en la carne a través de la fotografía y después de pensar con Arca las distintas formas en las que un cuerpo se puede transformar, que la mirada artística adquiere un sentido desconcertante y fascinante: el cuerpo humano, cualquiera que este sea, no puede ser visto igual después de ver a Pablo Picasso, Rineke Dijkstra, Arca y Dimitris Papaioannou.

En tres párrafos, o quizá sólo en dos, presenta la última escala del recorrido que hiciste de X por la historia del arte contemporáneo: una performance, una videoinstalación, un ready-made, una película, una pieza musical... cualquier expresión artística que ensanche o amplíe aún más el tema central que elegiste para tu ensayo.

[con la obra abstracta, terminé diciendo esto: «Nuestro cuerpo hace cosas a pesar de nuestra voluntad».]

Pero nuestra voluntad también le puede hacer cosas al cuerpo. Somos libres de transformarnos, desfigurarnos y mudarnos a otro cuerpo. Por ejemplo, la compositora y cantante Arca. Alejandra Ghersi Rodríguez se identifica a sí misma como una mujer trans. Y nunca, creo, esa palabra ha tenido tanto significado como en elle: trans. Arca es transexual, transcultural, translúcida, transgresora, es un cuerpo que en más de un sentido está en tránsito. Es venezolana y vive ahora en Barcelona, su lengua materna es el español y habla japonés, creció como hombre y ahora se recuerda a sí misma que es y siempre ha sido queer. Su versatilidad psicosexual se refleja claramente en su disco de 2015 llamado Mutant. Arca muta, transita, continuamente desplaza su cuerpo a otro cuerpo.

En su última producción (los álbumes Kick I, Kick II, Kick III, Kick IIII y Kick IIIII), Arca lleva el no binarismo a un lugar insólito: Arca ya no es un cuerpo humano, sino una máquina humana. Arca mezcla la plasticidad de la carne con la frialdad del metal para hacer un retrato enloquecido y mórbido de desmembramiento y perversión sexual. Su carne es dislocada e intervenida por superficies de acero y prótesis de teflón. Naturaleza humana embarullada con polímeros químicos. Como si Arca fuera un fetiche de cromo frío e inmortal, un cuerpo eléctrico e industrial que durará para siempre. ¡Ojalá!

En tres párrafos, quizá un poco más cortos, de 70-80 palabras cada uno, haz lo mismo que hiciste con la obra vanguardista pero ahora con una abstracta. Nomás recuerda una cosa importante: EL PROCESO. En las obras abstractas el proceso es más relevante que el resultado. Introduce, describe e interpreta procesos:

Aunque la carne sea un asunto concreto, existen aspectos de ella que sólo se pueden expresar de manera abstracta. Es el caso de Rineke Dijkstra, una fotógrafa neerlandesa que suele retratar abstracciones como el paso del tiempo, los traumas morales y los impactos psicológicos.

Rineke Dijkstra tiene una serie llamada Almerisa. En 1994, Dijkstra visita un campo de refugiados bosnios y se encuentra a una niña llamada Almerisa Sehric. Desde entonces y durante más de 20 años, Dijkstra la retrata. Todas las fotos son iguales: una mujer sentada en una silla. En las primeras Almerisa Sehric es una niña, en la última aparecen dos personas: Almerisa Sehric y su recién nacida hija.

En tres párrafos, de más o menos 100 palabras cada uno, analiza una obra vanguardista que estudie el tema que elegiste.

En el primer párrafo explica cómo una vanguardia (impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, dadá, surrealismo) se relaciona con tu tema:

Una de las corrientes artísticas que con mayor curiosidad y rigor ha estudiado al cuerpo humano es el cubismo. El cubismo fue una vanguardia artística que cuestionó al realismo: ¿por qué retratar a la realidad desde un único punto de vista y no desde varios?, se preguntaban Picasso, Braque y otros cubistas. ¿Cómo representar la totalidad de un cuerpo tridimensional en un plano bidimensional? Mientras el realismo tradicional retrataba objetos o sujetos desde un único punto de vista, los pintores cubistas integraban todas las perspectivas en una sola. Un cuerpo, por ejemplo, de frente, de perfil, por debajo y por encima en una sola imagen. El resultado es la fragmentación del cuerpo, pero al mismo tiempo, y de forma paradójica, su totalidad, pues la veracidad del objeto o del sujeto representado está en su reproducción absoluta y no sólo en la reproducción de una única perspectiva.

En el segundo párrafo, describe la obra vanguardista que elegiste. Descríbela de la forma más objetiva posible. Imagínate que se la estás describiendo a alguien ciego:

Las señoritas de Aviñón es quizá el cuadro más representativo del cubismo. Fue pintado por Pablo Picasso en 1907. Es un cuadro grande y casi cuadrado: mide 243 x 233 centímetros y se encuentra actualmente en el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York). El cuadro muestra a cinco cuerpos femeninos desnudos en un espacio cerrado. Los colores rosas y marrones de los cuerpos resaltan sobre un fondo de cortinas blancas y azules. Las mujeres retratadas aparecen de cuerpo entero, tres están paradas y una en cuclillas. Entre las piernas, brazos, abdómenes, pechos y espaldas, resaltan los rostros desfigurados de las dos mujeres que se encuentran en el lado derecho. Con ojos fuera de lugar, narices demasiado grandes, bocas demasiado chicas y con la mandíbula completamente descolocada, sus caras parecen irreales, como si fueran máscaras simiescas y siniestras.

Y en el tercer párrafo interpreta esa imagen descrita: ¿qué te dice, qué sentido le das, cómo la relacionas con el tema central de tu ensayo? ¿Cómo una obra de arte te permite ver algo desde otro ángulo o de otra forma?:

Traer a cuento la galaxia de conceptos que les pedí en torno a su tema central:

CARNE: "meat", "flesh", gordura, animal, sabroso, corpulento, grasa, músculo, carroña, cadáver, podredumbre, sensualidad, pus, sangre, excrecencia, sudor, pulpa, sexo, corrupción, flexibilidad, plasticidad, pellejo, ternura, perversión, gravedad, vicio, voluptuosidad, anorexia, transformación.

Introducir el concepto central y presentar su ensayo: de qué vas a hablar y por qué podría resultarle a alguien (ajeno a este curso y la historia del arte) interesante. Redactar una introducción de entre 200 y 300 palabras.

«No hay nada más profundo que la piel», dice el poema de Paul Válery. Los que exaltan el alma, o el espíritu, o la conciencia, o el deseo, o lo que sea que esté debajo de la carne –convulsa y trémula– suelen contraponer a la piel como algo superficial, frívolo, vulgar, una planicie insustancial que esconde nada y expresa más bien poco. «El cuerpo es la cárcel del alma», diría Platón. Como si la piel fuera sólo un envoltorio, una fachada, un aparador que conviene ser desechado o despreciado.

Quizá la carne, el cuerpo, la piel, sea una trágica amenaza: debajo de ella –de todo lo que secreta y grasa– nada. Quizá por eso se le mira con recelo: porque es lo único que tenemos. En todo caso, el cuerpo es evidente, grave, indiscutible, palpable. Es tan claro y agudo que huele, se transforma, suda, muere, se descompone.

En este ensayo exploraré la carne y las formas de su comportamiento. La carne como materia humana. Y quizá como la materia más plástica –es decir, libre– que existe. Porque no sólo es imposible negar el cuerpo, sino que conviene observarlo con atención. Con toda la atención que ofrece el arte: de manera pausada, aguda, curiosa, crítica y entusiasta.

Si ser artista –diría Witold Gombrowicz– es tratar de encontrar por medios propios razones superiores de existencia y muerte, sospecho que la carne abre un camino –oscuro, siniestro, quizá hasta grotesco pero indudablemente real y potente– para poder buscar ahí aquellas razones superiores de origen y destino.

Rápidamente:

Escribir un texto de entre 1,000 y 1,300 palabras.

Para el miércoles 3 de mayo.

En formato APA.

20% de la calificación final.

Objetivo: Relacionar (comparar y contrastar) distintas expresiones artísticas en torno a un mismo concepto o conflicto. En otras palabras, ver cómo el arte explora ideas y cómo esas ideas cambian dependiendo de la forma artística que la explora. Pensar (ampliar & profundizar) con el arte.

Instrucciones:

Piensa en un tema que te interese. Puede ser algo tan aparentemente superficial como una silla o algo supuestamente profundo como la muerte.

Explora ese tema en la historia del arte. Por ejemplo, el aburrimiento durante el periodo de entreguerras, el aburrimiento expresionista, el dadá, el aburrimiento en algunas pinturas abstractas, en alguna performance y en una pieza de arte conceptual. Un tema en tres formas artísticas de distintas épocas.

Redactar una tesis comparativa que refleje una postura crítica (personal, debatible, demostrable) sobre el tema que elegiste. Por ejemplo, esta: «del aburrimiento surgen los impulsos correctos, y esa corrección cambia de acuerdo a la cultura o ideología en la que se produce una determinada obra artística».

Relacionar (comparar y contrastar) las tres obras artísticas con la tesis enunciada. Una de ellas debe ser del periodo vanguardista, otra debe ser abstracta y, la última obra, conceptual / contextual / procesual.

Ya sólo nos quedan diez (10) ejercicios. Para poder hacer los exámenes del 24 de abril, tienen que tener 90 o más en TODOS estos últimos diez ejercicios. Como diría Chavela Vargas, «no te me revientes, riata, que ya es el último jalón».

10 - 14 de abril: SINÓNIMOS: 1. Lista de palabras, 2. Palabras en contexto. ANTÓNIMOS: 1. Lista de palabras, 2. Palabras en contexto.  

Rapidísimo:

tema y tono completamente libres

35% de la calificación parcial [expresión escrita]

textos de entre 500 y 700 palabras

Instrucciones:

delimitar un territorio a explorar: un tema, una imagen, una emoción.

eje Z: definir un estilo: cómico, tristón, erudito, sarcástico…

eje X: hipérbaton, aliteración, retruécano.

eje Y: metáfora o símil, hipérbole, sinécdoque.

puntuación: leer el texto en voz alta, concentrarse en los acentos y el ritmo.

Rúbricaca: https://drive.google.com/file/d/1y084feK-LvWjGlVc_AsGtnblKTlxGmHn/view?usp=sharing

Ejemplo uno: https://docs.google.com/document/d/174E3IVl-wyhjXRVdSUMKyZmMViUJzXWC/edit?usp=sharing&ouid=112880992915385547961&rtpof=true&sd=true

Ejemplo dos: https://drive.google.com/file/d/1o3TRNFqTpHbIxpqfV43MszTl0gDpJ989/view?usp=sharing

Ejemplo tres: https://docs.google.com/document/d/1sGjye8oTKfduf-T3AS2s5NHPlSgzBoYe/edit?usp=sharing&ouid=112880992915385547961&rtpof=true&sd=true

Ejemplo cuatro: https://docs.google.com/document/d/1RxMdflGvvCG95QK6Tztrg86_eL_wRR2hWdjpJoEoN2w/edit?usp=sharing

7am

viernes 17: Josué Emiliano Vázquez, Gonzalo, Tábatha.

miércoles 22: Saskia, Alejandro Álvarez, Leoncio, Mariana Frías, Danna, Pamela Macías, Karen Arriola.

viernes 24: Natalia Ríos, José Luis Pineda, Carlos Pelazo, Andrea Bañoz, Pablo Pudoroso, Ximena Torres, Luis Antonio.

lunes 27: Pablo Cabello, Ximena Delángel, Nico, Jonass, Alexa, Andrea Yunuen, Raquel.

miércoles 29: Natalya Castro, Salvador, Regina Chávez, Sofía Amaya, Adrián.

9am

viernes 17: Héctor Peña, Judith, Rogelio.

miércoles 22: Jorge Ambía, Colombo, Renata, Mateo, Héctor Zamudio, Ana Julia, Eduardo.

viernes 24: Bruno, Yaretzi, Max Concá, Juan Carlos, Melany.

lunes 27: Alejandro Zolliker, Adrián, Max Tato, Regina Ríos, Manuel, Roberto Carlos, Tessia.

Courbet, Manet, Monet, Matisse, Derain, Egon Schiele, Munch, Van Gogh, Modigliani, Picasso, Tristan Tzara, Max Ernst, Kurt Schwitters, Man Ray, De Chirico, Duchamp, Kandinski, Mondrian, Pollock... Lo discutimos hace unas semanas en clase: ¿por qué sólo hombres!

Les recomiendo hoy este agudo ensayo de Linda Nochlin sobre el patriarcado y la misoginia en el (h)arte: Why Have There Been No Great Women Artists?

Aquí algunas cosas que subrayé del texto:

Aceptar lo «natural» puede ser intelectualmente fatal. La naturalización se registra en la dominación inconsciente.

(Artemisia Gentileschi, Mme. Vigee-Lebrun, Angelica Kauffmann, Rosa Bonheur, Berthe Morisot, Suzanne Valadon, Kaethe Kollwitz, Barbara Hepworth, Georgia O'Keeffe, Sophie Taeuber-Arp, Helen Frankenthaler, Birdget Riley, Lee Bontecou, and Louise Nevelson, any more than that of Sappho, Marie de France, Jane Austen, Emily Bronte, George Sand, George Eliot, Virginia Woolf, Gertrude Stein, Anai's Nin, Emily Dickinson, Sylvia Plath, and Susan Sontag.)

La diferencia, quizá, entre la mirada femenina y la mirada masculina tiene que ver con el volumen. La mirada masculina es mucho más ancha, tiene más referencias y está mejor alimentada. Más y mejor cuidada.

[...] nor have there been any great Lithuanian jazz pianists or Eskimo tennis players. If women have in fact achieved the same status as men in the arts, then the status quo is fine. But… In the arts as in a hundred other areas, things remain stultifying, oppressive, and discouraging to all those —women included— who did not have the good fortune to be born white, preferably middle class and, above all, male.

The problem lies not so much with the feminists' concept of what femininity in art is, but rather with a misconception of what art is: with the naive idea that art is the direct, personal expression of individual emotional experience —a translation of personal life into visual terms.

The making of art involves a self-consistent language of form, more or less dependent upon, or free from, given temporally-defined conventions, schemata, or systems of notation, which have to be learned or worked out, through study, apprenticeship, or a long period of [social] experimentation.

What proportion of major artists came from families in which their fathers or other close relatives were engaged in related professions?

Piaget: la habilidad y la inteligencia se construye poco a poco, y los patrones de adaptación se establecen de forma tan sutil que parecen naturales.

Hopefully, by stressing the institutional, or the public, rather than the individual, or private, preconditions for achievement in the arts, we have provided a paradigm for the investigation of other areas in the field.

using their situation as underdogs and outsiders as a vantage point, women can reveal institutional and intellectual weaknesses in general, and, at the same time that they destroy false consciousness, take part in the creation of institutions in which clear thought and true greatness are challenges open to anyone —man or woman— courageous enough to take the necessary risk, the leap into the unknown.

Aceptar lo «natural» puede ser intelectualmente fatal. La naturalización se registra en la dominación inconsciente. Y la dominación inconsciente es esta: el artista es aquel con talento. ¡Falso! El arte se crea de manera institucional y pública. Contra el ego, el carácter individual y exclusivo, la mirada femenina, feminista: el arte horizontal, comunal, público y abierto, abierto a lo desconocido.

ACTIVIDAD DEL DÍA

Relaciona tres fragmentos del ensayo de Linda Nochlin con tres acciones distintas de las Gerrilla Girls. ¿Quiénes son las Guerrilla Girls? ¡Pues gugléalas!

En un documento, copia y pega el fragmento del ensayo de Linda Nochlin + una imagen de las Guerrilla Girls + una explicación de cómo se relaciona una cosa con la otra. Y sube eso al Canvas entre hoy y el viernes.

posdata:

En Sonus tienen programados dos ejercicios de preposiciones para esta semana: 1. Localización, 2. Clasificación.

Y para Álex deben corregir hoy el texto que subieron la semana pasada.