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Aaron Sorkin e Charlie Kaufman são tidos como roteiristas que possuem uma marca. O primeiro promove uma imersão a partir da dinâmica dos seus diálogos (diálogo é sobre uma coisa, mas a cena é sobre outra - subtexto), já o segundo consegue dramatizar muito bem os seus temas emocionais através de recursos surrealistas.

Ainda que existam grandes roteiristas no cinema, o trabalho desses roteiristas está submisso à visão do diretor. O trabalho de Sorkin fica sujeito aos diretores David Fincher e Danny Boyle em “A Rede Social” (2010) e “Steve Jobs” (2015), respectivamente, sendo o primeiro mais realista e ágil (o drama ocorre muito mais na montagem, isto é, na sucessão dos acontecimentos) e o segundo mais teatral e dramático, mesmo sendo do mesmo autor. O mesmo ocorre com Kaufman: Michel Gondry em “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” (2004) apresenta uma visão lúdica e afetiva, enquanto "Adaptação" (2002) é mais realista e menos estilizado. A temática de “Brilho Eterno” estaria na efemeridade/fragilidade das relações afetivas no mundo contemporâneo; como quando uma relação duradoura termina, o "choque" do término faz com que essa pessoa desapareça da sua vida - ela "deixa de existir"; - o roteiro não expõe essa ideia, e sim expressa uma história que representa essa ideia.

O roteirista propõe a unidade dramatúrgica (ou dramaturgia). O diretor propõe uma unidade estilística; o roteirista constrói uma obra que, para ser boa em si só, deve propor uma unidade dramatúrgica. Antes da produção do filme, a unidade dramatúrgica já está finalizada, enquanto todo o resto é projeção. O diretor pode acabar redefinindo a dramaturgia (pode dar seu próprio significado - até mesmo reverte-la) quando for filmar o roteiro, mas a dramaturgia inicial está ali.

Dramaturgia: Maneira como é contada a história. É falar sobre o tema do filme não diretamente, mas sim deixar esse tema implícito na ação e nos acontecimentos da história. A função do roteiro é dramatizar a ideia do roteirista (expressar, criando correlativos visuais para conflitos internos, e não apenas expor). A dramaturgia fraca não possui subtexto, é óbvia. Deve seguir um "princípio de efeitos" (a lógica pode ficar em segundo plano desde que o impacto seja grande para o espectador).

Mesmo os filmes mais experimentais ou “filmes de arte” seguem uma progressão que responde a certos elementos narrativos. "Um filme deve ter começo, meio e fim mas não necessariamente nessa ordem", já dizia Godard. A narrativa implícita existe mesmo se for apenas no nível intuitivo.

Entreter o público não significa divertir, e sim "imergir na cerimônia da estória para um fim intelectual e emocionalmente satisfatório" (Robert McKee);

Vários teóricos de roteiro dizem pra você seguir uma ordem no processo da escrita.

Premissa: Sinopse do roteiro em pouquíssimas linhas.

Argumento: Descrever o que ocorre no filme do início ao fim, mas sem desenvolver nenhuma cena. Descreve a história como se fosse um conto.

Escaleta: Traduz o argumento em cenas, mas não as desenvolve (não inclui diálogos, apenas ações pontuais).

A formação ocorre em duas partes:

Cabeçalho: É definido onde se passa a cena.

Unidade estilística do filme: Forma como o diretor amarra todos os elementos em apenas uma visão. 

Nenhum elemento é colocado de forma aleatória. A unidade estilística (ou mise-en-scène - "colocar em cena"; a forma como um diretor encena o filme/como ele articula os elementos na encenação) define o olhar do diretor sobre a história que conta.

Em "Persona" (1966) o conceito abordado se refere à personalidade que o indivíduo cria de si para o mundo externo, uma “máscara” que não corresponde a quem ele é de fato. A forma como a atriz se manifesta inexpressivamente é uma característica que envolve o efeito que o diretor quer passar: o mistério sobre quem na realidade é essa personagem. Mesmo quando as personagens se expressam, há uma distância estabelecida pelos elementos estilísticos que demonstra a visão de Bergman sobre as personagens. Os cenários são crus, e nunca revelam quem as personagens são. Experimentações audiovisuais tais como "trucagens", isto é, "artifício (como fotomontagem, distorções etc.) usados para criar efeitos inesperados, divertidos ou dramáticos em filmes” exploram o mundo inconsciente.

"Amor à flor da pele" (2000) apresentam elementos isolados muito belos e dramáticos, mas dentro da unidade estilística eles "oprimem"/"engolem" os personagens, refletindo a visão sobre o tema do amor não-concretizado. Tudo é aparentemente muito bonito, prazeroso, porém analisando o sistema do filme como um todo (a unidade estilística), tais elementos não refletem os sentimentos dos personagens. O trabalho de decupagem é importante, já que muitas vezes os personagens estão desfocados/em uma pequena parte do plano/algo está na frente/roupas se confundem com as cores da cena/etc.

Podem existir alguns casos em que o roteiro propõe algo, mas o filme, na prática, outra coisa. Em "Tropa de Elite" (2007) o diretor José Padilha retratou o Capitão Nascimento de modo que sua truculência sociopática cativou a maior parte do público, quando na verdade a intenção era de problematizar essa figura. É claro a existência de ambiguidade no roteiro, porém não é trabalhado de forma sútil, caminhando com o personagem e unidade estilística em apenas uma direção;

O processo de construção do cinema é evolutivo (linear). A partir das décadas 30 e 40 se torna multilinear. Até o início do século XX o cinema se alternava entre registros documentais e situações fantasiosas.

Não possuíam narrativas dramáticas definidas. Busca registrar a realidade.

Louis Le Prince, irmãos Lumière e Thomas Edison são considerados pioneiros no cinema.

Irmãos Lumière: Contribuíram com o cinematógrafo. Famosos por exibições curtas. Dezembro de 1895 é considerada por muitos, devido a importância da exibição do filme “A chegada do trem à estação”, o marco da origem do cinema;

Os primeiros filmes tinham intenção de mostrar imagens em movimento, sendo feitos em planos gerais. Mais situações do que histórias. Mostrar em vez  narrar.

Cinema de atrações: Cinema mais interessado em chamar a atenção do espectador do que em contar histórias. Veio a de tornar o cinema de vanguarda e experimental.

Alice Guy Blanché: Dirigiu o que é considerado o primeiro filme com um roteiro - “A fada do repolho”. Em 1895 os Lumière já haviam feito um curta ficcional chamado "Um regador regado", porém "A fada do Repolho" é considerado o primeiro filme com roteiro devido a encenação e estruturação;

George Méliès: Considerado outro grande pioneiro do cinema narrativo, usando do recurso “parada para substituição”.

O cinema se torna mais expressivo técnica e artisticamente na virada para o século 20. A Escola de Brighton reuniu cineastas pioneiros como George Albert Smith (”Grandma’s Reading Glass”, 1900), que utilizou bastante da decupagem.

Outro cineasta dessa escola foi James Williamson, que em “The Big Swallow” (1901) usou recursos surrealistas gerando uma narrativa “meta” para o filme. 

“Life of an American Fireman” (1903), de Edwin Porter, apresentou grande complexidade da montagem para época, intercalando planos de fora e dentro de uma casa. Também é conhecido por “O grande roubo do trem” (1903) que apresenta a evolução de uma situação dramática (e não apenas um fragmento de uma situação) e também montagens paralelas. Ocorre a sistematização de uma nova linguagem dentro de um esquema narrativo.

Filmes de perseguição: Surgem entre 1903 e 1907. Aliaram o cinema de perseguição apelativo ao cinema narrativo.

No início do século XX se agastam do tetro seguindo um fluxo de ação em diferentes momentos e cenários, através do uso narrativo da montagem.

“O cavalo fujão” (1908) faz grande uso da montagem paralela (duas ações diferentes que ocorrem ao mesmo tempo).

“Assassinato do Duque de Guise” (1908) inova no enquadramento do filme, colocando os atores um pouco mais perto da câmera e não diretamente de frente para ela, deixando a ação mais natural e espontânea.

Elementos expressivos do cinema incluem fotografia, montagem, roteiro e atuação. Atuam de forma isolada, mas articulam juntos a unidade da obra.  

Valor objetivo: significado de uma imagem para a história do filme.

Valor sensorial: sensação que sentimos ao nos deparar com uma imagem.

Ambiguidade entre os dois valores gera a riqueza do cinema.

O diretor é o autor do filme. 

Em geral buscamos o valor objetivo do filme em detrimento do valor sensorial.

Representação de um ato vai além do que o ato significa por si só. 

A forma como as coisas são articuladas ressignificam o que está sendo filmado.

Atitude estética: Assimilar ideias, sentimentos e sensações ao se deparar com imagens, sons e experiências estéticas em geral.

Se o cinema servisse apenas para contar/ilustrar uma história seria uma espécie de subproduto da literatura.

Aula 1 - Como começar a estudar cinema

Aula 2 - Os elementos expressivos do cinema

Aula 3 - As origens do cinema

Aula 4 - A unidade estilística de um filme