The big Paris

Maison en forme d’anneau plantée en pleine nature sauvage, engin spatial posé au milieu du désert, habitat dédié au « Dieu » Soleil, certains architectes obsédés par les formes sphériques, la géométrie et le cosmos nous offrent de bluffant exercices de style. La volonté de faire vivre une expérience unique dans un cadre exceptionnel semble être l’inclination du moment.

« The Sun Path House » rayonne à Miami

Baptisée en anglais « Le chemin du soleil » par son concepteur un peu fou, l’architecte new yorkais Christian Wassmann s’est appuyé sur la trajectoire effectuée par l’astre solaire à Miami pendant le jour le plus long de l’année pour tracer la forme du gigantesque escalier constituant la colonne vertébrale de la maison. Résultat, une imposante spirale de béton comme une sculpture circulaire dessert l’étage où l’espace est complètement modelé de ses rondeurs, que ce soit la chambre ou la salle de bain jusqu’au toit terrasse. 

De larges baies vitrées font entrer le soleil de toutes parts. Passionné par le cosmos et l’astrologie depuis un voyage au Rajasthan et la visite de l’observatoire de Rajar Mantar qui fut la révélation, la toquade de Christian Wassmann pour les formes sphériques et la géométrie ne s’est depuis jamais arrêtée et fait partie intégrante de son travail. 

« Nous sommes tous faits de poussières d’étoiles, l’architecture doit être centrée sur l’humain et ses connexions terrestres mais aussi célestes, c’est une histoire d’énergie avant tout.» indique l’architecte américain accro à la philosophie indienne.

Studio Christian Wassmann : www.christianwassmann.com

Dans le cercle de la vie sauvage

Cette villa en forme d’anneau géant fait véritablement figure d’ovni. Issue du projet « Solo Houses » initié par l’entrepreneur Christian Bourdais, elle a été bâtie sur les terres sauvages de la région de Matarrana, considérée comme la Toscane espagnole. Fruit de l’imagination débordante des architectes bruxellois Kersten Geers et David Van Severen, le duo a eu une totale carte blanche pour leur incroyable création. L’idée géniale ? Faire en sorte qu’on ne sache plus si on vit dehors ou dedans, la maison n’ayant aucun mur.  

Dotée uniquement de façades coulissantes, qu’on positionne comme on veut, elle peut se vivre en total liberté et s’effacer ainsi au profit de la nature environnante. Seul le toit posé sur quatre colonnes donne le caractère circulaire. Dormir à la belle étoile, cuisiner de façon totalement ouverte sur l’extérieur, tout est possible à condition d’aimer circuler en rond car pour atteindre les différents espaces de vie, il faut forcément faire le tour!

 Pour les architectes, la « contrainte » liée au cercle donne au contraire une impression d’infini dans la déambulation. Cette façon inédite d’appréhender l’espace qui n’est plus carré comme on a l’habitude de le concevoir est tout simplement déroutante. Le patio intérieur prend ainsi une allure de bulle protectrice. Sa vocation est de devenir une maison à louer pour les vacances.

Office Kersten Geers David Van Severen : www.officekgdvs.com

« The Joshua Tree Residence », étrangeté au milieu du désert

Nichée en plein cœur d’un parc national du même nom dans le désert californien, le décor quasi lunaire confère d’emblée à cette incroyable maison aux allures d’engin spatial une dégaine futuriste. Imaginée par l’architecte anglais James Whitaker, elle a été construite uniquement à partir de containers pour une résidence privée et les travaux viennent de s’achever. 

Les pièces à vivre se situent toutes au raz du sol, le salon et la salle à manger trônent au milieu de façon circulaire, tout autour s’articulent les chambres et les pièces d’eau. Chaque container constitue une pièce différente et a été savamment orienté pour faire comme une boîte ouverte sur une perspective ou un paysage en particulier. Les vues sont à couper le souffle. Ceux orientés vers le ciel sont comme des bras-fenêtres tendus vers les cieux. 

Imaginez le spectacle de nuit et l’impression magique d’admirer un ciel étoilé comme avec un télescope. Inutile de préciser qu’il faut effectivement un paysage à la hauteur de la maison pour avoir le même effet contemplatif ! Etonnamment, l’architecte James Whitaker avait conçu les plans de cet impressionnant habitat dès 2010. Destiné à une agence de publicité pour ses bureaux, elle ferma subitement ses portes avant l’aboutissement du projet.. Sept ans plus tard, il est contacté par un homme à Los Angeles qui a repéré son prototype sur internet. Quelques mois plus tard, la Joshua Tree Residence surgissait des terres arides californiennes !

Studio Whitaker : www.whitakerstudio.co.uk

« Geodesic House 02 », comme un ruban

Derrière cette époustouflante maison qui donne l’impression que ses murs sont plats et enroulés comme un ruban, Cameron Wu, professeur d’architecture à l’université de Harvard, mordu de géométrie. Sa Geodesic House est à l’état de prototype mais devrait voir le jour dans le Vermont prochainement. 

Le musée du Jeu de Paume met à l’honneur le photographe français d’origine roumaine Eli Lotar. Cinéaste à ses heures, sa vision artistique s’est vite tournée vers un certain engagement social dès le début des années 30. Un regard résolument moderne qu’on salue aujourd’hui. 

Aux abattoirs de la Villette, en 1929. Eli Lotar veut dénoncer la cruauté avec laquelle les bêtes sont tuées. Ici, pas de mise en scène, juste un oeil artistique qui rend la scène glaçante... En-dessous, les photos illustrent un article rempli d’ironie pour mieux dénoncer le scandale. Un clin d’oeil à notre actualité?

Eli Lotar arrive à Paris en 1924. Il a à peine 19 ans, et fait une belle rencontre, sûrement la plus déterminante pour le reste de sa vie, puisqu’il croise Germaine Krull, (celle qu’on considère comme la pionnière des femmes photographe). Elle lui apprend le métier et devient sa compagne. Ca s’appelle le Destin!

Germaine Krull a su déceler tout son potentiel: précocité et talent. Il publie rapidement des photographies dans des revues d’avant-garde de l’époque ( Vu, Jazz, Arts et métiers graphiques) et participe à des expositions de renommée internationale qui lui donne d’emblée un certain statut. 

Portrait de Germaine Krull par Eli Lotar en 1929.

A ses débuts, Paris est son principal terrain d’expression, il va se laisser happer par son spectacle quotidien mais en lui apportant une touche personnelle, les paysages n’ont rien de contemplatifs. il aime jouer avec les lignes graphiques que ce soit avec la Tour Eiffel ou le traffic urbain, tout ce qu’il peut transformer en motif abstrait. Le décadrage ou le gros plan vont faire partie du style Lotar. S’il se rend à la Foire de Paris, les clichés sont étonnants de drôlerie, vous n’y verrez que des pieds, une avant-garde de la street photography d’aujourd’hui, peut-être!

Hôpital des Quinze-Vingts, 1928.

En parallèle, il se distingue avec des photographies plus ancrées dans le réel, un réalisme noir montrant la misère de certains quartiers parisiens, c’est le début de l’engagement social. Entre 1928 et 1932, son approche se fait moins artistique, il se tourne vers une vision quasi documentaire. Eli Lotar, artiste politiquement engagé, commence alors à collaborer à des films. La question du logement devient l’une des grandes préoccupations du cinéma documentaire des années 30 et 40, ça tombe bien, cela fait déjà parti de sa sensibilité d’homme. 

Punition, 1929.

En 1945, il réalise un doc intitulé Aubervilliers, on y voit le grand dénuement de la population de cette banlieue parisienne. Il est projeté dans le cadre de l’exposition. Avec ce film à la fois rempli de sincérité et de poésie, Eli Lotar va obtenir une belle reconnaissance en tant que cinéaste. 

Music-Hall, vers 1928.

Dès son arrivée à Paris, le photographe s’est plongé dans l’ambiance des music-hall, des théâtres, de la vie nocturne parisienne populaire. Pour le magazine Vu, il immortalise toute cette agitation joyeuse. 

L’exposition s’achève sur sa dernière collaboration avec un artiste et pas des moindres, le sculpteur Alberto Giacometti, nous sommes dans les années 60. Ce dernier sculpte Lotar, et Lotar immortalise son travail ainsi que l’artiste, un jeu de miroirs troublant et touchant. On y apprend que peu de temps après la mort de Giacometti en 1966, Eli Lotar demande l’aide de Pierre Matisse afin d’exploiter l’ensemble des photographies prises plusieurs années durant, dans l’atelier du sculpteur. Ce dernier projet artistique restera inachevé, à la veille de sa propre disparition en 1969...

Giacometti, buste de Lotar, 1965.

Eli Lotar au Jeu de Paume jusqu’au 28 mai. Dans le cadre du 40ème anniversaire du Centre Pompidou, exposition co-produite avec ce dernier. www.jeudepaume.org

Pour visiter l’expo comme si vous y étiez:

L'Atelier, 1947, 149 x 200 cm, huile sur toile, Musée Bernard Buffet, Surugadaira (Japon) © Musée Bernard Buffet © ADAGP, Paris 2016

Il y avait foule jeudi soir qui se pressait devant l’entrée du Musée d’Art Moderne (MAM) pour le vernissage de l’exposition qui se présente comme l’évènement de cette fin d’année, la rétrospective sur Bernard Buffet. Alors patiemment et même gentiment, on attendait son carton à la main, car on savait qu’on allait découvrir des chefs-d’oeuvre, qu’on allait être bousculé, chahuté, surpris, émerveillé.

Détenant la plus grande collection de tableaux de l’artiste, il était légitime que le MAM s’attaque à un tel projet. Une ambition pas si simple à mener tant l’oeuvre est prolifique que le personnage pas forcément aimé de tous. Ca paraît dingue mais le travail de Bernard Buffet suscite encore aujourd’hui de nombreux débats, et cela, depuis ses premiers succès. Sa forte popularité, son train de vie bling-bling, lui ont valu certains ennemis dans le milieu de l’art... Dans le communiqué, on peut lire: “Aujourd’hui, avec la distance du temps, de nombreux artistes, professionnels et amateurs, reconsidèrent l’œuvre, ce qu’elle pouvait avoir de déroutant s’étant en partie atténué. “

Alors Buffet, artiste inclassable remis au goût du jour? Ses tableaux semblent en tout cas avoir fini leurs jours au purgatoire, il était temps. Laissons ces débats inutiles de côté et place à l’artiste et ses oeuvres. Son trait unique, qui parfois donne l’impression d’une toile griffonnée où on devine la nervosité et l’impatience alors que rien n’est laissé au hasard. Ses couleurs froides, parfois glaciales, ses personnages longilignes  au regard vide comme Le Buveur ou sa Tête de clown qui ont vraiment l’air au fond du trou... Le monde de Buffet est dépressif. Peindre la tristesse pour mieux l’exorciser, peut-être. 

Autoportrait sur fond noir, 1956 129,3 x 96,8 cm, huile sur toile Collection Pierre Bergé, © Dominique Cohas, © ADAGP, Paris 2016

Annabel à la natte, 1960, 130 x 81 cm, huile sur toile, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris © Julien Vidal / Musée d'Art moderne / Roger-Viollet, © ADAGP, Paris 2016

La Ravaudeuse de filets, 1948, 200 x 308 cm, huile sur toile, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris © Musée d'Art moderne / Roger-Viollet © ADAGP, Paris 2016

Deux ans déjà que la photographe Kate Barry a tragiquement disparu. Reste son regard singulier posé sur le monde à travers ses photographies, un oeil sensible qui savait montrer la beauté. 

Côté glamour, on connaît son amour pour les actrices qui lâchaient totalement prises sous son objectif comme sa soeur, Charlotte Gainsbourg, qui ne pouvait se passer d’elle pour se faire tirer le portrait.  Les magazines féminins se l’arrachèrent dès ses débuts pour leurs clichés de mode car son style nature détonna et séduisit vite. L’héritage de Jane, sans aucun doute.  Depuis la disparition de l’artiste, son fils Roman de Kermadec ne cesse de mettre en lumière son travail. On va découvrir grâce à la galerie Cinéma et Anne-Dominique Toussaint pendant un mois des photographies plus brutes à travers une série montrant des natures mortes à la mise en scène quasi mystique. Comme cette fille dans les herbes folles à la robe rouge entêtante. Encore moins attendu, Kate aimait aussi partir en reportage loin de son étiquette de photographe star. Là, on est à Rungis avec ceux qui font le marché. 

Still dust, 2013, (c) Kate Barry. Wild grass 2006, (c)Kate Barry. 

Actrices, Catherine Deneuve, (c) Kate Barry

Les gueules de Rungis, 2009, (c) Kate Barry

Connaissez-vous Arlene Gottfried? Non? C’est pourtant une photographe new yorkaise qui mérite d’être mieux connue. Elle est exposée en ce moment, pour la découvrir, direction Les Douches la galerie. A voir, en noir et blanc, un monde joyeux et insouciant d’une société américaine et urbaine avant l’épidémie du sida. Beaucoup de clichés montrent la communauté gay de Brooklyn mais pas que. Nous sommes dans les années 70-80. Arlene est une jeune photographe qui a envie de montrer la vie populaire sous toutes ses formes et le quotidien qui ressemble à un grand bazar vibrant. Un monde qui n’existe plus mais dans lequel on plonge grâce à elle avec délice.

Guy with Radio, Eath 7th Street, New York, 1977. © Arlene Gottfried

“J’avais passé mon enfance à Brooklyn, et mes premières photos montraient la vie dans la rue. Je braquais mon objectif sur mes amis, ma famille et mes voisins dans ce quartier d’une grande diversité ethnique. Mes photos ont fini par devenir instinctives, je ne réfléchissais pas à ce que j’allais photographier ni pourquoi.”

Isabel Croft Jumping Ropfe, Brooklyn, New York 1972. © Arlene Gottfried

Brazilian Carnival, Waldorf-Astoria, New York, 1979. © Arlene Gottfried

“L’été, je retournais sur les plages de mon enfance, Coney Island et Brighton Beach. J’ai des souvenirs intacts de ces plages, j’y suis très attachée et j’y vais toujours. J’ai fait des photos à Bay One, la plage nudiste de Riis Beach – la seule de tout New York”

Sid’s Basketball Game, Coney Island, New York, 1976. © Arlene Gottfried

Peut-on considérer les cartes divinatoires comme étant potentiellement proche de l’art? En tout cas, leur imagerie peut être une puissante source d’inspiration artistique. Led Zeppelin a toujours su puiser dans ce fort imaginaire ésotérique pour la plupart de ses pochettes d’album devenues aussi mythiques que le groupe par exemple... 

Arnaud Malherbe, jeune designer graphique, est tombé amoureux du tarot il y a deux ans et depuis, il ne cesse de travailler sur ce thème pour imaginer des affiches pleines de symboles, d’humour et de profondeur. Loin du kitch folkloriques auxquelles les cartes font appel, ses créations regroupées sous le nom d’Arcane Majeur interpellent même parfois avec juste quelques traits. On peut les voir prochainement lors de sa première exposition parisienne. Pour les sympathisants du tarot, des soirées avec des cartomanciennes sont organisées. 

Depuis le tsunami et la catastrophe nucléaire de mars 2011 à Fukushima au Japon, les deux photographes Guillaume Bression et Carlos Ayesta se sont rendus à de nombreuses reprises dans les régions évacuées proches du site accidenté, où des habitants ont accepté de retourner. Des photographies poignantes décrivant une terrible réalité, qui nous interrogent sur l’avenir de ces “no go zones”.

Sur nos pas

Le cliché est digne d’un scénario de film catastrophe. Une jeune femme, le regard dans le vague, fait ses courses dans un supermarché complètement dévasté. Des produits “frais” sont encore dans les rayons, attendant maintenant depuis quatre ans. Mais même les rats et les bêtes sauvages, qui ont fini par tout saccager, ne semblent plus intéressés. Nous sommes à Namie, ville évacuée de ses habitants et devenue zone interdite. La plupart d’entre eux ont dû partir sans avoir le temps de prendre leurs affaires ou de préparer leur départ. Quand la réalité dépasse la fiction, c’est un peu ce qu’on pourrait dire de l’après-Fukushima, et c’est surtout ce qu’ont voulu montrer les deux photographes Guillaume Bression et Carlos Ayesta. 

Le premier était déjà correspondant au Japon pour différents journaux français avant le drame. Avec son  camarade, ils sont retournés chaque année dans cette région proche de la centrale nucléaire, où la radioactivité est encore présente bien sûr, mais comme une menace sourde et invisible. Elle semble même impossible à mesurer quand on s’y rend.

Aujourd’hui, le gouvernement japonais incite les habitants à revenir dans les villes, les zones sont décontaminées, mais les effets à moyen long terme sur la santé restent inconnus. Les plus de 80 000 habitants évacués des alentours de la centrale nucléaire de Fukushima ont tous un jour eu cette tentation : revenir voir leur maison, leur école, leur commerce. Et tous ont eu du mal à reconnaître ces lieux familiers devenus hostiles. Les années d’absence, les rongeurs mais aussi les effets du séisme et du tsunami du 11 mars 2011 ont laissé des traces. 

Une nature envahissante Dans une autre série photographique, ce ne sont plus les habitants mais la nature qui devient le sujet principal des clichés. Quatre ans seulement ont passé, et il est impressionnant de remarquer à quel point elle reprend déjà le dessus, même dans un environnement urbain. Les plantes grimpantes et les herbes folles recouvrent tout, les maisons, les routes, donnant un aspect inquiétant à ces villes délaissées. « Le sentiment d’abandon est assez étrange quand on pénètre dans ces endroits. Car même si la vie a disparu avec ses habitants, les objets sont là, tout est resté en place et rien ne bouge malgré les années qui défilent.

Quand nous revenons, nous ne pouvons que faire les mêmes constatations à chaque fois. Seule la nature mange petit à petit l’espace. Les feux rouges des carrefours continuent à clignoter, le silence se fait pesant. On observe aussi des animaux qui se baladent en pleine ville, c’est complètement surréaliste », détaille Carlos Ayesta.

Clair obscur

À la nuit tombée, ce sentiment étrange de solitude s’accentue forcément. Certains clichés en témoignent. La seule source de lumière provient des flashs, car le plus souvent il n’y a plus ou très peu d’éclairage public dans ces villes et ces rues mortes. Le résultat montre un monde inhabituel où le temps semble s’être figé. Voir par exemple cette voiture qui se retrouve sur les rails d’un chemin de fer qu’on devine à peine car mangés par les herbes d’une gare à ciel ouvert, plongée dans le noir complet. Tout n’est que situations ou paysages saugrenus, où le sentiment de peur ne demande qu’à surgir. De cette dévastation de la nature se dégage aussi une certaine beauté qui donne une légère sensation de malaise. D’autant plus quand on comprend que ce décor est voué à rester intact dans les années voire les décennies à venir. Ces séries photographiques nous documentent de façon sensible et touchante sur les conséquences d’une évacuation de masse durable, comme notre monde moderne en a peu connu. Si le Japon va avoir encore besoin de temps pour se remettre de ce drame, c’est d’abord des histoires humaines que ces photographies racontent parfaitement._

Symbole du chic universel, la légende de la Parisienne semble toujours aussi vivante. Une réputation qui ne faiblit pas et qu’on n’hésite pas à entretenir nous-mêmes, à l’image de cette nouvelle exposition de photographies qui lui est consacrée. Mais au fait, d’où vient ce mythe ?

photo Patrick Chelli

 L’allure de la Parisienne reste un sujet de conversation intarissable. Si aujourd’hui, son look ressemble davantage à celui de la bobo nonchalante de la Rive droite, qu’est-ce qui la définit vraiment? Il paraît surprenant que son image soit autant une source d’interrogation en soi. Car si on a tendance à la comparer sans cesse à la New-Yorkaise, pour mieux la différencier, ce phénomène est devenu étonnant de par sa longévité, et c’est surtout à l’étranger que son aura paraît briller depuis des lustres. Ce drôle d’oiseau fascine tant les Anglo-Qaxon(ne)s qu’une trentaine de best-sellers ont été publiés ces dernières années sur le sujet, d’après le Times. Même les Frenchies se mettent à la langue de Shakespeare, car pour la branchitude, ça aide. 

photo Patrick Chelli

Tout cela en dépit du fait que nous n’avons pas vraiment de “rivale” stylée qui tienne la route face à la cultissime Carrie Bradshaw (Sex and the City) par exemple. Bien sûr, Charlotte Gainsbourg et Inès de la Fressange maintiennent leur statut d’icônes indéboulonnables, et l’ouvrage de cette dernière sur le sujet paru en 2010 reste une référence, mais aucun nouveau visage ne semble avoir autant de personnalité que celui de ces deux femmes si représentatives chacune de leur époque. Le fantasme de la Parisienne à qui l’on veut tant ressembler ne serait finalement qu’un concept glamour servant l’image de la France ? En tout cas, le potentiel reste grandement vendeur et toujours exploitable du côté des bloggeuses également, il suffit de googler “Parisienne” pour s’en rendre compte. 

Photo Patrick Chelli

À y bien réfléchir, le premier mot qui viendrait pour la décrire serait “snob”. Comme la plupart des petits travers de cet animal légendaire. Elle aime fumer en terrasse, à n’importe quelle heure du jour et de la nuit, déteste le métro mais le prend quand même, ne prend plus le taxi, mais compile toutes les applis de chauffeurs privés sur son smartphone. Elle préfère les baignoires aux douches, son salon ressemble furieusement à une brocante, sa bougie préférée reste la Dyptique Figuier, elle aime profiter de l’happy hour pour prendre une coupe de champagne au bar du coin, elle aime les chats. Elle a surtout du style, le sien, tout en sobriété, comme si savoir s’habiller était comme respirer, normal quoi.

  Un look très midinette

  Le raffinement de la Parisienne ne date pas d’hier. Pour Alexandra Bosc, conservateur et historienne de la mode au musée Galliera, « le mythe a démarré au XVIIe siècle où une forte différence dans l’imaginaire apparaît entre les provinciaux considérés comme rustres et les parisiens vus comme fins et délicats. Son incarnation atteint des sommets à la Belle Époque, vers 1830. Mais attention, on pense déjà que toutes les femmes qui vivent à Paris ne sont pas forcément de “vraies” Parisiennes, et ce ne pas parce qu’on est riche qu’on l’est également. Il faut avoir ce don pour l’élégance, le bon goût et la retenue qu’on oppose régulièrement aux Américaines. Au XIXe siècle, ce sont les “midinettes”, ces ouvrières des maisons de couture qui sortaient à midi pour aller déjeuner (d’où le surnom) et que les hommes attendaient espérant un regard, qui représentent le mieux ce style et cette distinction. »

 photo Daniel Waks

Dans la littérature de l’époque, on retrouve la duchesse de Guermantes, personnage du célèbre roman de Marcel Proust, À la recherche du temps perdu. Le narrateur est transporté par sa beauté et son élégance. L’écrivain s’est inspiré de plusieurs modèles pour ce personnage, dont la fameuse comtesse Greffulhe qui était pourtant belge, comme quoi… Ce mythe a réussi à traverser les siècles car Paris est toujours la capitale de la mode, résume Alexandra Bosc. Il y a le style Chanel avec sa modernité, sa sobriété et son chic qui signa l’allure de la parisienne du XXe siècle, tout comme Yves Saint Laurent et son audace libérant également le corps de la femme. Dans l’imagerie collective, il ne faut pas oublier les Parisiennes du dessinateur Kiraz apparues dans les années 60 et qui deviendront cultes, faisant le succès du magazine Jours de France : un rendez-vous très attendu par les lecteurs.

photo Daniel Waks

Des silhouettes de lianes terriblement reconnaissables avec leurs yeux en amande, leurs jambes interminables, portant des jupes très courtes, sexy, drôles et faussement ingénues. Larousse vient de sortir un album retraçant soixante-dix ans de carrière de Kiraz, de ses débuts aux années 2000, montrant que les fameuses Parisiennes ont été l’œuvre de sae vie. En préface, Christian Lacroix rend hommage au dessinateur qui finalement, par ses traits et son sens de la couleur, inspira également la planète mode.

  La Parisienne vue par…

  Tant de photographes ont contribué à façonner son mythe. Avec Robert Doisneau, dans le Paris des années 50, c’est par exemple une Bettina Grazziani à la grâce absolue, premier mannequin star et égérie des grands couturiers de l’époque. Avec Willy Ronis, en grand amoureux de Paris également, c’est l’image d’une femme libre en pull et pantalon noir, enfourchant un vélo dans le quartier du Panthéon. À la galerie Artcube nichée en plein cœur de Saint-Germain, débute une exposition dédiée à cette femme dont l’image est forcément multiple. Trois regards différents en noir et blanc posés sur la Parisienne d’aujourd’hui, et qui se complètent étonnamment.

photo Daniel Waks

Patrick Chelli s’est concentré sur les jambes et les talons hauts, l’allure glamour des mannequins sortant d’un défilé, celle plus nature d’une femme prenant le soleil sur les quais ou encore celle prise sur le vif, surprise par l’aération d’une bouche de métro, le grand classique de la jupe qui soudain se soulève ! Sylvia Galmot expose actuellement et en parallèle ses mêmes clichés de Parisiennes à New York. Pour la photographe, « c’est la femme chic, sobre, intelligente, cultivée, moderne. Pas la BCBG du 16e ! Elle aime sortir, faire la fête. Elle dégage quelque chose qui donne envie à toutes les femmes ».

C’est une jeune fille perdue dans ses pensées à la terrasse du Flore. C’est Irène Jacob sautillant en baskets sur les toits de son immeuble. Une autre regardant à travers la fenêtre de chez elle, avec la tour Eiffel en arrière-plan. Pour Daniel Waks, la Parisienne n’hésite pas à se mettre en maillot deux-pièces pour prendre le soleil à Paris Plages, elle fait du vélo au jardin des Tuileries ou porte une robe laissant entrevoir discrètement un sein. Elle peut aussi se la jouer guinguette rétro en bibi et talons compensés à une terrasse de café. On regarde ces clichés en se disant qu’on a forcément croisé ces attitudes quelque part dans la vraie vie, même si, ici, elles sont sublimées. Si la Parisienne demeure toujours aussi difficile à définir, finalement, c’est peut-être cela qui fait son charme, ce je-ne-sais-quoi de terriblement séduisant…_

Depuis 2011, l’un des couturiers français les plus emblématiques est célébré partout dans le monde, à travers une époustouflante exposition itinérante qui s’installe enfin à Paris. Dans un écrin de choix, le Grand Palais, les collections de Jean Paul Gaultier apparaissent non pas comme une simple rétrospective mais comme une vibrante création, à son image, pleine de vie et de fantaisie.

Kristen McMenamy, rue de la Goutte d’Or, Paris, 1994, Collection French Cancan. Photo Paolo Roversi.

C’est l’ours en peluche de Jean Paul qui fait l’ouverture de l’exposition. Comme dans un défilé où la première silhouette démarre le show et dont l’importance est de ce fait établie, Nana, de son doux nom, vous accueille dans son écrin en verre. Déjà plein de ressources, le petit Jean Paul décide, parce qu’il n’a jamais pu avoir de poupée, de lui fabriquer des seins, deux petits cônes en papier collés sur le torse de la peluche pour signifier sa féminité. Clin d’œil au passé, les bustiers et soutien-gorge coniques deviendront sa signature indélébile. Des figures de l’enfance, nous n’en verrons qu’une autre, le visage lumineux de sa grand-mère maternelle Marie. Et puis, très vite, c’est le jeune créateur et ses croquis des débuts qui suivent.

Corset en lamé vintage porté par Madonna, Blond Ambition World Tour, 1990 © Emil Larsson, 2014.

Car dès l’adolescence, Gaultier passe son temps à dessiner des collections, et les envoie aux grandes maisons de couture de l’époque. Le jour de ses dix-huit ans, il entre chez Pierre Cardin comme assistant dans son studio, et le rêve commence à devenir réalité. Déjà, les silhouettes fortes qui vont faire sa marque sont là, comme ce mannequin portant une longue jupe tutu en tulle avec un bustier en satin clouté et un Perfecto, nous rappelant l’allure de Madonna dans les années 80. Pourtant nous ne sommes qu’en 1976, et c’est sa première collection prêt-à-porter femme du printemps-été qu’il présenta au planétarium du Palais de la découverte avec l’aide de son compagnon et partenaire en affaires, Francis Menuge.

Il faudra attendre 1997 pour que Gaultier se lance dans une autre aventure, celle de la haute couture. En pénétrant dans la salle suivante, c’est toute la drôlerie et l’imagination du créateur qui se révèle à travers une série de mannequins aux visages humains et même animés. Tous portent des modèles à grosses rayures issus de différentes collections, comme une variation infinie de son exercice de style préféré. Le couturier est même représenté : il nous parle de façon tout à fait charmante, évoquant l’histoire de sa fameuse marinière, et nous avons presque l’impression qu’il est en face de nous.

Celui qui a su l’imposer avec un smoking explique comment elle est devenue son vêtement fétiche : « Je lui ai mis des plumes, je l’ai frangée, je l’ai torturée, la marinière. Je crois que je l’aimais beaucoup grâce à un film de Fassbinder intitulé Querelle, très beau esthétiquement, et si envoûtant. » Vous allez ainsi voir une trentaine de mannequins animés reprenant les visages de muses, tops, acteurs, chanteurs, qui se sont prêtés au jeu du moulage et des captations vidéo pour mettre en place ce dispositif amusant imaginé par la compagnie Ubu.

  Une ode sexy à la femme

  Depuis ses débuts, celui qu’on a vite surnommé « l’enfant terrible de la mode » – expression qui lui collera à la peau pendant toute sa carrière, et lui a permis finalement de conserver l’espièglerie de l’enfance plus longtemps que prévu – est un grand amoureux des femmes. Il n’imagine pas son métier sans un modèle inspirant, la muse, aux multiples visages. Celles des débuts sont Farida Khelfa, Anna Pawlowski ou encore Inès de la Fressange.

Sa notion de la beauté va chambouler tous les codes existants et révolutionner les défilés. Il organise des castings sauvages pour trouver des filles mais aussi des garçons plus proches de la rue pour ses shows. Peu importe l’âge, la couleur de la peau, c’est lui qui met à l’honneur en pionnier les mannequins androgynes, cherche des tatoués, des piercés, invite régulièrement sur le podium des personnalités atypiques comme Rossy de Palma, Beth Ditto, ou plus récemment Conchita Wurst. Il montre sans cesse la différence comme une richesse et une beauté.

Autre pièce fétiche de la garde-robe JPG, le corset. Le créateur est fasciné par son charme rétro. Il va le retravailler, réinventant ce classique des dessous féminins pour le montrer : la femme le portera désormais dessus et l’affichera comme étendard de la féminité. Sa meilleure ambassadrice est Madonna, dont le corset aux bonnets à surpiqûres concentriques va faire couler beaucoup d’encre et sera son uniforme sexy pour la tournée mondiale Blond Ambition en 1990. Plongés dans le noir, les bustes dévoilant body-corset et autres variations sont de toute beauté.

Une sensibilité certaine pour la danse est également dévoilée. Depuis longtemps, Gaultier collabore avec des chorégraphes tels que Karol Armitage, Maurice Béjart, Régine Chopinot ou Angelin Preljocaj. À voir, de magnifiques clichés montrant ces collaborations uniques. Il aime aussi habiller les stars de la pop, et la liste est aussi impressionnante que surprenante : Boy George, Arielle Dombasle, Lady Gaga, Mylène Farmer, Yvette Horner, Madonna, Kylie Minogue, Niagara, Nirvana, Tina Turner, Rita Mitsouko… À travers sa mode avant-gardiste, son sens unique de l’esthétique, ses choix artistiques, et une apparente légèreté, Jean Paul Gaultier a su imposer pas mal d’idées plus profondes sur l’acceptation de soi et des différences. Il a aussi contribué à façonner un style français terriblement bien dans son temps. Andy Warhol a dit un jour de lui, en évoquant la mode : « L’art réside dans la façon de composer la tenue entière. Prenez Jean Paul Gaultier. Ce qu’il fait est vraiment de l’art. »_

Qu’est-ce-qui fait qu’une création est considérée comme une œuvre d’art ? C’est face à cette épineuse question que le Palais de Tokyo vous entraîne dans une extravagante exposition aux mille visages, à la frontière de la folie créative, de l’obsession artistique et de la recherche scientifique. À vous de voir où l’art se cache !

    Peut-on faire des œuvres qui ne soient pas “d’art” ? C’est sur ce questionnement célèbre émis par Marcel Duchamp en 1913 que se fonde l’exposition Le Bord des mondes au Palais de Tokyo. Qu’ils soient visionnaires poètes, inventeurs fous ou doux utopistes, une trentaine de créateurs ont été sélectionnés pour l’originalité de leur travail transgressant allègrement les territoires au point de nous déstabiliser : en face de quoi sommes-nous ?

La sensation d’être sur une planète haut perchée nous assaille dès l’entrée avec les créations de l’Américaine Bridget Polk, qui réalise des installations de “balancing rocks”, ou “pierres en équilibre”, à partir de parpaings, briques, dalles en ciment... En légende aurait pu être apposée la mention “réalisé sans trucage”. En effet, l’artiste n’utilise ni colle, ni autre artifice pour tricher, et arrive à superposer les pierres uniquement par la grâce de l’équilibre. On regarde bluffé ses sculptures en suspens montrant la fragilité de notre monde. Art ou magie ? 

Dans la salle suivante, une sorte de monstre nous fait face.  Il s’agit d’un “Strandbeast”, ou “créature de plage”. Depuis plus de vingt ans, Theo Jansen se consacre à l’étude de cette espèce autonome qu’il a créée, faite de tubes d’isolation électrique, de tiges de bambou, de serres-câbles, de bouteilles en plastique et de voiles. Une vidéo de l’engin ressemblant étrangement à un dinosaure montre que ce dernier est capable d’avancer par la seule force du vent, le rendant d’un coup étonnamment vivant. Si l’envie vous prend de le voir en vrai, ce chercheur farfelu qu’est Theo Jansen transforme chaque été la plage de Scheveningen aux Pays-Bas en drôle de laboratoire où se déploient ses créatures poétiques.

Nous passons dans l’obscurité la plus totale, où seul un spot éclaire une vitrine en verre posée au centre de la pièce. À l’intérieur de celle-ci se déploie majestueusement une toile d’araignée. Si la maîtresse des lieux n’est plus là, sa maison de fil a été retendue tout en délicatesse et c’est avec émerveillement que nous pouvons admirer son œuvre. Nous découvrons alors qu’il s’agit d’une superposition de toiles, d’une beauté surprenante. L’artiste ne s’appelle pas Spiderman mais Tomas Saraceno et travaille avec des scientifiques sur l’observation des systèmes environnementaux et biologiques. L’analyse de microsystèmes de la nature comme ces toiles d’araignées permet à cet architecte de formation de réfléchir sur des voies alternatives d’organisation du monde...

  Inventions loufoques

  De loin, cela ressemble à un alignement infini de cartes de jeux digne d’une plongée dans Alice aux pays des merveilles. En s’approchant, on remarque que certaines ont des trous rebouchés par des sortes de visages comme gommés par le temps. Il s’agit d’une œuvre de l’Américain Jesse Krimes, imaginée quand ce dernier était en prison. Au départ, cette idée lui est venue pour faire s’échapper symboliquement tous ses codétenus.Il a méthodiquement découpé les portraits de chacun d’eux dans le journal, les transférant ensuite sur de petites savonnettes de la taille d’un timbre, les  réintroduisant et les cachant enfin dans des jeux de cartes (à la place des fameux trous). Il a réussi à faire sortir ces portraits ainsi dissimulés dans des lettres envoyées au monde extérieur. Au total, 300 visages gravés sur des savonnettes sont devenues la preuve de l’existence de tous ces individus privés de liberté. Œuvre de résistance ou folie pure pour tromper l’ennui ? Le résultat est en tout cas stupéfiant.

En continuant le parcours, on tombe sur une pièce blanche du sol au plafond dédiée aux inventions loufoques du japonais Kenji Kawakami, qu’il appelle des “chindogu”. Une collection débutée dans les années 80 et qui compte aujourd’hui plus de mille spécimens uniques.

Parmi eux, vous allez découvrir la casque porte-papier toilette, le sèche-cheveux pédestre, la place de parking portable, la grenouillère pour enfant permettant de faire la poussière au sol, le repose-bras (pratique pour la sieste au bureau), le masque pour application de rouge à lèvres (malin pour celles qui ont tendance à déborder), les chaussettes pédicure, ou encore l’anti-perte de boucle d’oreilles. Des idées dignes de Géo Trouvetou, où l’humour est maître. Mais derrière cette farce, on distingue une réflexion plus sérieuse sur le matérialisme de la vie moderne._

  Le Bord des mondes, jusqu’au 17 mai au Palais de Tokyo, 13, avenue du Président Wilson, 16e. Mo Alma-Marceau ou Iéna. Ouvert de midi à minuit tous les jours sauf le mardi. Tarif plein : 10 €. Tarif réduit : 8 €.

Les clichés couleur et noir et blanc pris par Bernard Plossu en Italie, son pays d’origine, font l’objet d’une exposition à la Maison européenne de la photographie. Une plongée crue dans des paysages solitaires, aux perspectives d’une esthétique troublante.

    L’Italie de Bernard Plossu (né en 1945)est très loin des images de carte postale que nous pouvons avoir en tête. Elle fait appel à son âme, à son corps, à ses émotions. Elle est intime, puissante, fragile aussi. De façon surprenante, s’il a très tôt eu le goût du voyage, inculqué par son père – qui, en 1958, emmène son fils alors âgé de 13 ans découvrir le Sahara –, il va attendre d’avoir environ 25 ans pour se rendre en Italie, berceau de ses origines maternelles.

Il faut croire que cela lui paraissait trop abstrait, ou le besoin a juste tardé, voilà tout.  Il décrit son départ ainsi : « Puis un jour, au début des années 70, je suis parti à Naples, à Rome et à Pompéi sous une pluie torrentielle : c’était magnifique. »

Entre 1977 et 1985, Bernard Plossu part vivre au Nouveau Mexique, et ne revient en Europe que de façon épisodique. C’est à ce moment que la nécessité de revoir l’Italie le prend, ce qu’il n’arrive pas vraiment à l’expliquer lui-même.

« J’avais un besoin plus fort que moi d’aller en Italie, je ne sais pas pourquoi, peut-être pour marcher dans des rues verticales, alors que les paysages de l’Ouest américain que j’arpentais à pied étaient surtout horizontaux. » Depuis, il n’a cessé d’y retourner sans jamais y vivre vraiment, mais avec toujours le sentiment d’être chez soi et de s’y sentir à l’aise. Dorénavant, tout lui est familier, et l’envie de découvrir le pays dans son ensemble surgit.

  Atmosphère cinématographique

  Plossu fait son tour d’Italie photographique, tout l’inspire, et ça se voit. Des clichés en noir et blanc denses dans ce qu’ils révèlent de beauté, comme dans la série intitulée Stromboli, où le volcan rugissant apparait parfois en arrière-plan. La fabuleuse île sauvage de Capraia, située entre la côte italienne et la Corse, dont l’accès est limité au public en raison de sa flore exceptionnelle, lui a inspiré l’année dernière une série de photos. Les paysages aux lignes impeccables, vidés de leurs habitants, révèlent une certaine solitude, pas vraiment triste. Existent-ils vraiment ?

On aime en tout cas l’atmosphère cinématographique qui s’en dégage. Normal, Bernard Plossu est hanté par la Nouvelle Vague. Les couleurs, surtout, accrochent l’œil, et la texture est particulière.

C’est parce que le photographe est un adepte du procédé Fresson, du nom de son inventeur, un tirage unique au charbon choisi ici en quadrichromie, qui donne cet aspect singulier à la photographie. Une certaine poésie empreinte de nostalgie berce le spectateur, qui découvre non pas dans une Italie rêvée ou fantasmée, mais une Italie vibrante de sensibilité, celle de Bernard Plossu._

Ouvrier dans la confection le jour, photographe amoureux des stars la nuit, Marcel Thomas, homme discret à la moustache impeccable, a laissé derrière lui un trésor photographique dont il n’a jamais rien fait. Quatre cents clichés sont aujourd’hui dévoilés au public en hommage posthume à cet anonyme pas tout à fait comme les autres. Direction le centre culturel du Crous, pour une délicieuse plongée dans le temps où les vedettes paraissent jeunes pour l’éternité.

Gérard Depardieu, jeune et beau!

Il est sans nul doute le groupie français le plus inconditionnel du XXe siècle. De 1947 à 1990, il a photographié environ 5 500 personnalités françaises et internationales de passage à Paris. Et pas des moindres, d’Elvis Presley à Robert de Niro, en passant par Dustin Hoffman, Sylvester Stallone, Brigitte Bardot, Grace Kelly, Nathalie Baye, Sharon Stone, Maria Callas, Audrey Hepburn, Marlène Dietrich, Catherine Deneuve, Jeanne Moreau, Jean Seberg, Sting, James Brown, Gérard Depardieu, Alain Delon, Coluche, Louis de Funès, Jacques Dutronc, Polnareff, Renaud, Serge Gainsbourg, Jean Marais, etc. Un tableau de chasse impressionnant qui aurait sans doute séduit bon nombre de magazines de l’époque, mais Marcel Thomas ne fut jamais dans cette démarche “commerciale”.

Johnny Halliday dans sa loge à l'Olympia en 1961.

Tous les artistes qui ont marqué leur époque sont forcément passés un jour ou l’autre devant l’objectif attentif de Marcel Thomas. Cette passion dévorante lui a fait mener une double vie, puisqu’il travaillait le jour comme repasseur dans le Sentier, et la nuit, courait les sorties des théâtres, des palaces parisiens et des salles de concerts à l’affût des stars. Marcel se fait vite connaître de tous les portiers et voituriers que compte Paris ; il sympathise avec eux, et eux l’informent de l’arrivée d’une vedette et de son planning. Peu à peu, il se constitue un réseau, et a ses entrées partout. Il devient même ami avec Bruno Coquatrix qui est à l’époque à la tête de l’Olympia. C’est grâce à lui, d’ailleurs, qu’il pourra entrer dans la loge de Johnny Halliday un soir de concert, en juin 1961. La confiance du chanteur est telle qu’il va laisser Thomas le photographier en peignoir, la mine radieuse, un énorme bol de petit-déjeuner à la main, comme s’il venait de se réveiller. Un étrange instant d’insouciance et de candeur, sans doute propre à la jeunesse. D’ailleurs, ce qui est peut-être le plus étonnant à travers cette galerie impressionnante de portraits, c’est ce sentiment d’abandon de la part de toutes ces personnalités qui se sont laissé approcher. Elles ont pratiquement toutes le sourire accroché aux lèvres. Le cadrage est parfois maladroit, souvent il n’y a quasiment pas d’arrière-plan, et les photos ne révèlent que des bustes, mais quelques perles devraient vous émerveiller.

Jodie Foster, adolescente stylée.

Parmi elles, une Nathalie Baye si jeune que vous n’allez sans doute pas la reconnaître ; idem pour Marie Trintignant dont la beauté sombre envoûte déjà. Le cliché de Richard Berry portant une fine moustache et un bouc devrait vous amuser, Gérard Depardieu en jeune premier est tout aussi étonnant, John Travolta dans sa période “fièvre du samedi soir” apparaît comme un simple étudiant du Quartier latin, tandis que Sylvester Stallone, dans son manteau de fourrure, est nettement plus bling-bling… Si Marcel Thomas a rarement photographié la même star à plusieurs reprises, il y a quelques exceptions, comme Audrey Hepburn, Alain Delon et Dustin Hoffman.

Catherine Deneuve brune!

Quelques années avant sa mort, le photographe décide de donner l’ensemble de sa collection à son ami Gérard Gagnepain, rencontré au cirque Pauwels dans les années 80. Ce dernier n’avait cessé de montrer son intérêt pour tous ces clichés qui avaient fini par encombrer le modeste deux-pièces parisien de leur auteur. En 1996, il réussit à les faire publier dans un livre aux éditions Sélection du Reader’s Digest, quatre ans avant la disparition de Marcel Thomas. Aujourd’hui, le grand public va enfin découvrir le regard tendre et bienveillant de cet homme sur “ses” stars, l’œuvre de celui que certains considèrent dorénavant comme le premier paparazzo français._

Dans le nord du Pérou, là où le sous-sol du pays regorge d’or noir, surtout en pleine mer,  des plateformes de forage travaillent sans relâche, offrant un spectacle ahurissant dans ce décor où la nature déchaînée est également bien connu des surfeurs du monde entier pour la qualité de ses vagues. La photographe Francesca Piqueras a mis le cap sur Panic Point, cet étrange spot où le surf cohabite avec l’exploitation pétrolière. Sa série dévoile pourtant tout autre chose, une nature combattante qui n’a pas dit son dernier mot face à l’activité humaine .. A voir à la galerie de l'Europe dès le 5 mars.

Point 1 -®Francesca Piqueras

C’est un combat irréel qui s’offre aux yeux sous l’objectif  attentif de la photographe Francesca Piqueras, entre le ciel chargé de nuages, l’océan déchaîné et ces grosses machines d’acier au loin rasant la ligne d’horizon. Quel a été l’élément déclencheur de ces photographies dont l’esthétisme touche autant que la froide réalité qu’elles révèlent ?

C’est un parfait hasard qui mena Francesca jusqu’au Pérou, pourtant pays d’origine de son papa. « Un soir, j’étais en ligne sur les réseaux sociaux quand un ami poste une photo de lui en train de surfer avec en arrière plan, une énorme masse de fer, c’était une plateforme pétrolière. Le décalage m’a tellement bluffé, ce fut pour moi un choc visuel. Immédiatement, j’ai su que j’avais trouvé mon prochain sujet de photos » raconte la jeune femme.

Point 2 -®Francesca Piqueras

En effet, le nord du Pérou est réputé pour être le paradis des surfeurs, avec les meilleures plages du pays pour s’adonner à ce sport de l’extrême. Parmi elles, Panic Point est un spot unique où il faut être vraiment aguerri car le danger est bien réel à cause de la force inouïe des vagues et du vent, les surfeurs n’ont pas le droit de se rater.

Autre spot où Francesca prit ses photos, Lobitos. « C’est un endroit vraiment spécial. L’ambiance de ce petit village sans cesse balayé par le vent est assez improbable, le coin est complètement envahi par les lions de mer, qui ne sont pas du tout sauvages et que vous pouvez caresser tranquillement ! J’en ai aussi malheureusement croisé des dizaines morts, suintant le pétrole… Le long de la plage, c’est une enfilade de petits hôtels paillotes accueillant les surfeurs qui sont de plus en plus nombreux, il y a aussi pas mal de maisons abandonnées, donnant un air fantomatique assez surprenant, vestiges d’un passé plus faste. Derrière le village, il n’y a rien, c’est le désert envahi par les pipelines et les tuyaux. Les seules routes que j’ai vu en parfait état, ce sont celles payées par les compagnies pétrolières pour faire circuler leurs camions » détaille Francesca Piqueras.

Entre la plage et les plateformes pétrolières au large, ce que la majorité des gens viennent chercher ici, ce sont les vagues.

Point 3 -®Francesca Piqueras

infos pratiques:

L’Amérique dans le viseur.

  La rentrée photographique à Paris est marquée par le débarquement simultané de grands noms de la photographie américaine, dont certains rarement montrés en France. À (re)découvrir dans les semaines qui viennent, le passage à la couleur de William Eggleston, Garry Winogrand ou l’Amérique vue de la rue, Tom Arndt et les clichés de son Minnesota natal, sans oublier le plus médiatique Larry Clark avec une rétrospective inédite de son œuvre.

      « La première image, je me rappelle, c’était un gars poussant des chariots de supermarché. Un gars du genre boutonneux avec des taches de rousseur dans la lumière du soir. Une assez bonne photo, à vrai dire. » C’est ainsi que William Eggleston évoquait sa première photographie en couleur : comme un irrémédiable passage à l’acte, de ceux dont on se souvient toute sa vie. La Fondation Henri Cartier-Bresson a décidé de rendre hommage à ce grand photographe américain en mettant justement l’accent sur ce changement de pellicule. Dans tout le parcours de l’exposition, les clichés en noir et blanc et en couleur se font écho de manière saisissante. Car au fond, que les images soient monochromes ou polychromes, le style Eggleston reste le même, cherchant l’étrangeté dans l’ordinaire.

À la fin des années 50, armé de son Leica, il commence à photographier ce qui l’entoure. Il aime montrer la banalité du quotidien pour mieux la transcender. Comme avec ce cliché représentant une femme plongée dans ses pensées, assise sur un tabouret dans un bar désert. Ou, dans une forme presque froide de réalisme, avec la photo montrant un juke-box et une machine à “bubble-gum” côte à côte, symboles de modernité attendant la main de l’homme. Côté couleur, les personnages ont toujours l’air aussi perdu, comme cette femme marchant dans la rue d’un pas qu’on devine pressant, le brushing impeccable et la mine pensive.

Si Eggleston a commencé par le noir et blanc, c’est bien à son usage unique de la couleur qu’il doit sa renommée. Ses teintes nous replongent dans les années 60 : le rouge vif d’une bouteille renfermant du ketchup, le jaune presque miel d’un jour finissant, le rose guimauve d’un carrelage de salle de bains… Les voitures comme les bars prennent une place importante dans son œuvre, et les cadrages surprennent. On remarquera que pratiquement aucune photographie n’est légendée, et que la plupart ne sont datées que de façon approximative, un choix artistique pour laisser toute la place au visuel.

  Des maîtres de la photo de rue

  Direction ensuite le Jeu de Paume, où l’exposition dédiée à Garry Winogrand ouvrira ses portes le 14 octobre. C’est la première grande rétrospective de l’artiste depuis vingt-cinq ans à Paris. S’il reste encore méconnu du grand public, il est considéré comme l’un des maîtres de la photographie de rue américaine. Nous sommes toujours dans les années 50, et le noir et blanc donne une puissance cinématographique à chaque scène. Beaucoup ont été capturées dans un New York qui grouille déjà, où les hommes sont élégants et portent le costume. Parfois, on flirte avec l’irréel comme avec cette photo de 1959 montrant un couple à bord d’une voiture décapotable, accompagné par un petit singe à l’arrière, qui n’a pas l’air franchement ravi.

Ce qui fait la singularité de ce photographe, c’est le fait que Winogrand aimait davantage prendre des photos que de les tirer ou les sélectionner pour des livres ou des expositions. Résultat, au fil du temps, et de son désintérêt pour le développement de ses pellicules, on estime à environ 250 000 le nombre de ses images que personne n’aurait jamais vues. Il est mort d’un cancer en 1984, n’ayant pas eu l’occasion de se pencher sur son œuvre photographique qui reste encore aujourd’hui bien mystérieuse.

Pour les amoureux de l’argentique en noir et blanc, Tom Arndt livre des tirages de toute beauté. Son travail est montré pour la première fois en France, à Les Douches-La Galerie. Depuis les années 70, il passe sa vie à chasser des images fortes de scènes de rue, mettant en scène les gens dans leur espace-temps. Et l’on se surprend à penser que ses clichés sont plus vintage qu’ils n’y paraissent, la magie de l’argentique sans aucun doute. C’est le Minnesota, l’État qui l’a vu naître, qui reste son sujet de prédilection, avec ses gens simples sur lesquels le photographe porte un regard empli de bienveillance.

Terminons notre tour des photographes américains avec le contemporain star Larry Clark, à qui la galerie du Jour agnès b. consacre une rétrospective. Intitulée They Thought I Were But I Aren’t Anymore (« Ils pensaient que j’y étais mais je n’y suis plus »), elle a pour objet de dresser un panorama de son œuvre, de ses débuts jusqu’à aujourd’hui. Larry Clark reste l’un des rares artistes à avoir su dresser le portrait sans concession d’une jeunesse où l’adolescence est vécue sur le fil du rasoir, au point d’en faire un style, le sien._

    infos pratiques

William Eggleston, from Black and White to Color, jusqu’au 21 décembre à la Fondation HCB, 2, impasse Lebouis, 14e. Ouvert du mardi au vendredi et le dimanche de 13 h à 18 h 30, le samedi de 11h à 18 h 45. Nocturne gratuit le mercredi de 18 h 30 à 20 h 30. Entrée : 7 €.

Gary Winogrand, du 14 octobre au 8 février 2015 au Jeu de Paume, 1, place de la Concorde, 8e. Ouvert le mardi de 11 h à 21 h, du mercredi au dimanche de 11 h à 19 h. Entrée : 10 €.

Tom Arndt, jusqu’au 31 octobre à Les Douches-La Galerie, 5 rue Legouvé, 10e. Ouvert du mercredi au samedi de 14 h à 19 h. Entrée libre.