#teatroindependiente

"Los hijos de la finada Mircheva, segunda parte" nos sumerge otra vez en un ecosistema escénico donde el humor, el absurdo y la tragedia conviven y coexisten a lo largo de toda la presentación. No obstante, esta esperada precuela introduce una alteración en su premisa fundacional: si la obra original nos anclaba en la oscura solemnidad de un velorio, en esta segunda parte o precuela, todo ocurre durante un cumpleaños. El núcleo de la propuesta teatral y la gran apuesta de su dirección reside, justamente, en hacer que la tragedia ocurra en medio de la celebración.

Es claro que el montaje busca volver a impactar al espectador, aunque desde otro lugar completamente diferente. Si bien es innegable que esta operación escénica resulta interesante y disruptiva desde lo conceptual, considero que la primera parte tenía un impacto más potente en la memoria; mientras que aquel “triste” (entre muchas comillas) velorio generaba una incomodidad más cruda, más difícil de esquivar, acá, la tragedia aparece hábilmente envuelta en fiesta.

Pese a este deliberado cambio de tono dramático, uno de los grandes aciertos vuelve a ser el trabajo corporal porque la danza contemporánea atraviesa toda la obra, creando un universo poético donde los cuerpos se desequilibran, se expanden, caen, giran, demostrando que nada aparece como adorno coreográfico para el deleite visual. Lejos de ello, el movimiento siempre está diciendo algo latente. Existe un equilibrio entre los personajes en tanto bailarines, donde cada uno de ellos muestra su psique y personalidad a través de la danza. En el caso de ella, sus movimientos en escena dibujan a una mujer resolutiva, vivaz y decidida. En el caso de él, enfundado en su llamativo traje azul, el registro físico es disparatado, torpe y errático, rebotando por el espacio como un muñeco desbordado por la euforia. Este trabajo con lo físico establece un diálogo dramático con unas actuaciones impecables que trabajan constantemente entre los límites del grotesco, el absurdo y lo patético.

Y a la par de la corporalidad, el vestuario también construye sentido para la narrativa de la obra; toda esa estética inspirada en las décadas del ´40 y ´50 genera personajes exagerados, artificiales, como detenidos en el tiempo. Esta poética visual da la inevitable sensación de que estamos presenciando a una familia que estuviera atrapada en una fiesta eterna que intenta tapar algo que ya no puede ocultarse más.

En cuanto a los elementos inmersivos, el dispositivo participativo aparece una vez más para fisurar esa bendita cuarta pared prescindiendo de esquemas tradicionales, logrando que el público no solamente observe, sino que entre desde antes al código de la obra. El hecho de pedir que cada espectador lleve un globo puede parecer mínimo en la previa, pero funciona en vivo como una forma de integrar al público a esa celebración incómoda. Al final de la jornada, todos terminamos comiendo la torta que es parte de la fiesta.

A su vez, la música, nuevamente en vivo hace una diferencia enorme en la inmersión del espectador. La presencia de la agrupación Shleper Klezmer no acompaña simplemente la escena, sino que la vuelve más intensa, más viva, más inestable. Los músicos logran que la melodía sostenga el clima festivo, pero al mismo tiempo deja aparecer algo melancólico que presagia el final.

En definitiva, nos encontramos ante una pieza teatral que nos vuelve a convocar. Recomiendo esta obra, en gran medida, porque no te deja ocupar un lugar cómodo en la platea. La puesta en escena te invita a la fiesta, te hace llevar un globo en la mano, te hace reír, bailar, participar... y cuando ya estás adentro, irremediablemente atrapado en su red, te obliga a mirar la tragedia de frente.

En definitiva, nos encontramos ante una pieza teatral que nos vuelve a convocar, en gran medida, porque no te deja ocupar un lugar cómodo en la platea. La puesta en escena te invita a la fiesta, te hace llevar un globo en la mano, te hace reír, bailar, participar... y cuando ya estás adentro, irremediablemente atrapado en su red, te obliga a mirar la tragedia de frente.

Como lo viene haciendo desde hace muchos años, la compañía de Danza Motor Colectivo puso en escena y en su propia escuela, una obra que tematiza los sueños de inmigración, de esperanza, del amor entre Ramón y Juana y de la fatalidad que los marcó, quizás como a otros?

“Ramón y Juana” es una propuesta de danza teatro donde el teatro se cuela, donde la danza nos invade y donde los bailarines-actores nos muestran, donde las palabras se vuelven innecesarias para transmitir, para contar una historia, la historia primero de un grupo de inmigrantes y luego de estos dos enamorados. La historia de Ramón y Juana, una historia basada en "La huelga de las escobas" de Buenos Aires de 1907, esta obra pone en escena, el movimiento, la cadencia de los cuerpos... la música y el gesto…y el dolor.

Pero también, representa y reintroduce un relato al darle un sentido diferente a aquellos movimientos, a las corporalidades y a los compases que vemos en la escena.

Danza-folklore, danza-teatro, danza-historia todo moviéndose en el espacio escenográfico para contarnos esta hermosa, pero triste historia.

…Y con un despliegue de simpleza en un vestuario que emula los colores de la naturaleza y una escenografía que replican y reponen la misma sencillez con la que aquellos inmigrantes llegaban a nuestras tierras: cajas de cartón llevando y trayendo, cargando y construyendo, haciendo y deshaciendo en la escena y los espacios mientras los bailarines construyen este relato…esta  historia de muchos.

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Esta obra está presentada por el grupo Umbral Cía. De teatro es una historia realista que muestra la relación entre dos amigos: Tuco y Sebastián. Tuco ilusionado hasta la locura con ser cantante de tango y triunfar decide dejar su trabajo de operario fabril por dedicarse al canto y para esto se aísla de todo y de todos incluso hasta de su familia en una habitación de su casa. Podemos decir que Tuco es un idealista? Sí quizás sí, un personaje que tiene un sueño… sueña con cantar, con la fama…con triunfar. Y por otro lado está Sebastián el encargado de devolverlo al mundo real, de convencerlo a través de la charla que …

La escenografía, bastante despojada: apenas una mesa y dos sillas fueron necesarias para que estos dos personajes expongan sus sueños, deseos, miedos, en definitiva su amistad en una charla con muchas idas y vueltas, reproches, recuerdo, y donde estos amigos llegaron a comprender que no se trata de convencer uno al otro sino de respetar…de acompañar los sueños…la libertad.

Algunas frases me quedaron marcadas como “me quieren venir a buscar, ¿seguro que no te mandó nadie?,” créeme…es así…” sobre todo si tenemos en cuenta que esta historia de Carlos Gorostiza fue escrita en 1981 y fue estrenada en el marco del festival de “Teatro Abierto” (movimiento de artistas teatrales que enfrentaron la dictadura militar). Así, Teatro Abierto fue un fenómeno cultural de resistencia en nuestro país que mostraba cómo mediante la organización pudo enfrentarse la censura y darle voz a numerosos artistas que estaban silenciados. Y entonces esta obra cobra otro sentido si la pensamos como una metáfora de “darle voz a los silenciados” porque en definitiva este acompañamiento es darle voz a este artista silenciado.

 Pero además, resulta significativo que se presente esta propuesta en un año electoral, donde desde hace un tiempo a esta parte venimos viendo ciertos episodios de violencia política. Por ello, me parece importante repensar esta propuesta que tematiza la libertad en este período preelectoral.

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Dos mujeres y la otra es una propuesta teatral a partir de dos obras de Javier Daulte: “Dos Mujeres” y “La otra”, adaptación a cargo de Cecilia Gismano. Esta propuesta teatral tiene rasgos de comicidad o con un efecto cómico donde lo risible se produce a partir del drama de los dos únicos personajes.

La propuesta de Gismano pone en escena a dos hermanas (Esparza y Gismano), bastante especiales, que son dos cuerpos obturados, dos monotonías que pugnan por no marchitarse; que conviven en su soledad y -a través del devenir de la escena- quedan expuestas en su intimidad, en sus miedos… en sus angustias.   

De modo que esta propuesta de Gismano tematiza la soledad, lo femenino pero también los miedos a…

Susy y Toto esperan la llegada de alguien, que finalmente nunca llega, pero esa espera es lo que las mantiene en vilo, atentas y en algún punto tbn las mantiene vivaces, pero también las muestras inseguras, vemos sus frustraciones y hasta deja al descubierto cómo es ese vínculo que construyeron y que por momentos las separa y en otro las une.

De modo que lo largo de la escena vemos cómo van exponiendo su mundo interior y lo que en definitiva las atormenta.

Un tiempo detenido, cristalizado es el espacio escenográfico de esta puesta que está construido con objetos que muestran una casa detenida en el tiempo, donde tanto los elementos como el vestuario da cuenta de una época pasada, casi de ensueño.

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Podestá está interpretada por Gisela Podestá, bisnieta de los Podestá, heredera de un apellido y de una tradición de circo clown pone en escena a una payasa a quien vemos transitar por diferentes momentos; en un comienzo perseguida por algunos espíritus que la atormentan en sus sueños, y luego poseída por los fantasmas de sus antepasados…? Es por esto, que Podestá decide dejarse llevar por los espíritus…y es aquí donde la puesta-número circense toma otro rumbo, se torna una construcción de la historia y de la memoria…

Y, a través de fotos, fragmentos de diarios, páginas de libros que dispone en el espacio escénico, la clown dibuja en el escenario su árbol genealógico, pero también reconstruye su linaje transformando en la escena sus prendas en los símbolos característicos de “Pepino el 88” (Pepe Podestá) primer payaso argentino.

Y ya en primera persona, sin máscaras ni artificios, cuenta a los espectadores quién es, cuál es su origen, la historia de su apellido pero también de nuestra historia artística. De modo que Podestá es la historia familiar de los Podestá que han sido pilar fundante de nuestro circo argentino, pero es también, la historia de nuestro circo y nuestro teatro popular argentino.  

…Y como si esto no fuera suficiente, la voz de esta payasa reivindica la única figura femenina de su familia, Blanca Podestá, quien ha trascendido en el género como también en el tiempo.

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En el marco de la gira “Ni una menos” Agustina Arregui, actriz de Junin, presenta la obra “Chocha de la vida” donde en clave de humor, viene a demoler los tabúes o estereotipos que rodean a las mujeres, reafirma la defensa del goce sexual, y además nos presenta un detallado catálogo de las formas en las que se nombra la genitalidad femenina …Y es así que escuchamos nombrar a “la chocha”, “la concha”, “del asunto”, “de la argolla”, “del moño”, “de la babosa” y ahí estamos descostillados de risa oyendo uno tras otro, identificándonos con el uso de algunos, partícipe de otros, reconociéndonos perifrásticas cuando no nos atrevemos a decir, como si fuera algo sucio, pecaminoso…

Pero lo interesante de “Chocha de la vida” es que Arregui se ríe de todo y nos hace reír a todos nosotros con ella.  Y sí, esta obra tiene perspectiva de género, real perspectiva de género porque, de alguna manera aborda la sexualidad, pero no necesita recurrir ni a lo severo, ni a lo violento; Y acá hago un alto nuevamente porque esta payasa nos deja en claro que no se necesita hacer una obra de teatro solemne para hacernos pensar, reflexionar sobre la mujer, la sexualidad, la genitalidad y la violencia. Y aun en el momento en que utilizó una pantalla como dispositivo técnico para proyectar imágenes de los rostros que ya no están, aún ahí donde el dolor se hizo imagen, la sororidad se hizo sentir con las presentes y las víctimas que ya no están.

Como elemento escenográfico usó simples objetos, porque como todo payaso debe viajar ligera, cargadas de significado metafórico como las cartas de la encuesta, trozos de tela que asemejaban situaciones, condiciones y hasta el títere “Conrepresión” que era su contrapunto con el discurso típico, en los mandatos que llevamos las mujeres desde antes de nacer.

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Ficha técnica: