#semblanzas

Umezu no es un maestro de la figura humana y la perspectiva, como Takumi Nagayasu o Jiro Taniguchi, no tiene la agilidad y elegancia gráficas de Urasawa, y asimismo carece de la soltura de los aclamados Akira Toriyama o Rumiko Takahashi, lo que hace especial a Umezu, amén de sus excentricidades, su sueter y su casa a rayas, o sus incursiones en la música pop, es la expresividad de sus personajes, y su capacidad para fusionar, de manera limpia y precisa, las historias terroríficas con el melodrama folletinesco y la comedia. En su obra maestra, Drifting Classroom (Aulas a la deriva) lo interesante no es que una escuela de primaria viaje al futuro (el edificio completo, con todos los niños y sus maestros), a una época en que la humanidad ya no existe e incluso la morfología del planeta ha cambiado, tampoco resulta tan absurdo que en esta situación los profesores enloquezcan y sean los niños los que conserven la razón, aunque finalmente protagonicen una cruenta guerra digna de El señor de las moscas,  lo realmente increíble es que el protagonista, Sho, que carga un sentimiento de culpa desolador ya que lo ultimo que hizo con su madre antes de viajar en el tiempo fue tener una grotesca pelea doméstica, pueda comunicarse con ésta a través de una inverosímil, pero inmensa, barrera del tiempo. Nacido en 1936, Umezu crecería escuchando antiguas leyendas de fantasmas y sucubos de toda especie, surgidas de la mitología popular y narradas por su padre, desde los 19 años el joven Kazuo iría plasmando estas fantasías en sus cómics, empezando por una versión bizarra y jocosa de Hansel y Gretel, The Sibling in the Forest (Mori no Kyodai), a la que seguirían incursiones en el underground de la época (el Gekiga) y más adelante los relatos de terror que lo harían famoso: Kuchi ga Mimi made Sake-ru Toki (cuando la boca llora hasta las orejas) y Hebi Shoujo (La chica serpiente).

Pero su obra más exitosa es la mencionada Drifting Classrooms, publicada entre 1972 y1976 en la Shonen Magazine. Esta extensa epopeya infantil que mezcla terror, melodrama y ciencia ficción, es comparable a la serie de TV LOST. El dibujo de Umezu es descomplicado en extremo, el acabado es ágil (y no precisamente preciosista) y los personajes están dibujados al estilo del Dick Tracy de Chester Gould o el Taxista de Marti, enfatizando en las expresiones, abusando de las líneas cinéticas y tomándose todas las licencias posibles con el dibujo del cuerpo humano. Pero todo esto no afecta la calidad del producto, Umezu solo quiere contar su historia de una manera eficaz, y vaya que lo consigue. La historia es políticamente incorrecta hasta el extremo, sumidos en la crisis y perseguidos por los profesores adultos que han enloquecido, los niños llegan a extremos de fanatismo absurdos, intentando crucificar a los que creen culpables del extraño fenómeno en el que están envueltos. Buscando evitar el caos deciden crear un gobierno, uno de ellos, el más inteligente, recomienda no incluir en el improvisado gabinete de ministros a ninguna niña, dado que “las mujeres no son capaces de pensar en gran escala, si no solo se preocupan por lo inmediato” (sic). Hay evidentemente, en el ambiente apocalíptico de Drifting Classroom,  en la desoladora imagen del lugar donde estaba la escuela y ahora solo hay un muladar sin forma, una alegoría a las ciudades destruidas de Hiroshima y Nagasaki (idea que se desarrolla menos poética y más literalmente en Gen el descalzo), hay además momentos de ternura confrontados con una triste realidad: en un mundo donde no quedan seres vivos, el único enemigo real del hombre es el hombre mismo. Ya en 1982 Umezu se aventura en Watashi wa Shingo (yo soy Shingo), una obra que no es tan famosa como Drifting Classroom, pero que, a juicio del crítico Tomofusa Kure, " no es que esta obra sea una de las mejores de Kazuo Umezu, ni siquiera una de las mejores obras de terror-suspense del manga, sino que merece ser considerada una de las mejores obras del manga en general" . Y es que   Watashi wa Shingo no es una obra común, es un manga extenso de más de 2000 páginas en los que se entremezclan el costumbrismo y la ciencia ficción, la historia de un niño conociendo el amor, la tecnología y la tragedia, y tal vez el juicio de Kure, quien es tal vez el estudioso más importante que tiene el manga en Japón, no es desacertado. Pero Umezu tiene otras muchas  historias en las cuales destacan, Baptism, el relato de una actriz que busca prolongar su juventud perdida transplantando su cerebro al de su hija, y Oroshi, la historia de dos hermanas encerradas en una inmensa mansión donde son acosadas por el niño que da título a la historia.

Tristemente, la última obra de Kazuo Umezu no es de sus mejores, Fourteen, un relato de ciencia ficción que podría entenderse como una precuela del universo devastado de Drifting Classroom, pero la historia peca de descabellada y el dibujo decae notablemente con relación a las obras anteriores del autor. Umezu abandonaría los cómics en 1995 aquejado de una fuerte tendinitis, y se convertiría en una celebridad televisiva participando en diversos programas de variedades, sus historias han sido adaptadas al anime y a series de TV y películas de imagen real. Su excéntrica figura lo ha ayudado a seguir apareciendo constantemente en los medios desde entonces y se le considera un orgullo nacional en su natal Japón, la lectura de sus atípicos cómics es recomendada a todos los que ansíen leer un manga realmente original.

Sería con la serie de Jonathan, escrita y dibujada por el mismo, que Cosey se haría conocido internacionalmente. Se trataba de las aventuras de un joven suizo que después de ser internado en un centro psiquiátrico, regresaba al Tibet tratando de recuperar la memoria. Jonathan encontraba la pista de un pasado traumático, de amigos y rivales y de un amor trágico y, habiendo hecho las paces con sus propios fantasmas, emprendía aventuras iniciáticas en aquel país donde lo aceptaban como a uno más a pesar de ser europeo. En el transcurrir de la serie de Jonathan, a lo largo de décadas y distanciando cada vez más la aparición de una nueva aventura, Cosey iba alejándose cada vez más de los convencionalismos habituales del cómic de aventuras narrando unas historias cada vez más personales en las que no nos es difícil imaginar en Jonathan a un alter ego del propio autor (como el Giuseppe Bergman de Milo Manara), y más allá de los evocadores paisajes y del cruce cultural entre oriente y occidente, unas historias que sin caer jamás en la propaganda o el panfleto, evidenciaban la postura en favor de la causa en favor del Tibet ante la dominación china por parte de Cosey, así como su tenor notoriamente pacifista y su simpatía con el movimiento Hippie. Jonathan surgió en el semanario Tintin, pero se convirtió en una serie muy exitosa. al publicarse las aventuras en los clásicos albumes de 46 páginas, Cosey tuvo un detalle simpático con los lectores, incluír una "banda sonora" de las canciones que se supone que había que escuhar mientras se leía cada libro (hoy con spotify es tremendamente fácil lograr hacer eso). Descubríamos entonces que la música detrás de estas aventuras era Pink Floyd, Mike Oldfield o Keit Jarrett. Cosey desde el inicio fue un autor muy mundano y muy universal, que supo descifrar diferentes culturas y ambientar sus historias en paisajes exóticos, pero en 1984 ambientaría una historia en su tierra natal “A la busqueda de Peter Pan”, cambiando el Himalaya por los Alpes y recreando la historia de un escritor serbio en ciernes donde se mezcla el relato policial con un complejo y hermoso relato de época ambientado en los años 30. El éxito de esta obra le permitiría a Cosey aventurarse en más escenarios e historias distintas, y en retomar a Jonathan en una aventura policial con detectives y secuestros en la costa este de los USA: "El tío Howard está de vuelta". Más adelante, de sus numerosas obras alejadas de Jonathan destacan un volumen de cuatro relatos breves “Una casa de Frank Lloyd Wright”, y dos increíbles historias relacionadas con la guerra de Vietnam y los soldados americanos repatriados: "El Viaje a Italia”, una hermosa y muy sólida historia sobre la amistad y los traumas de guerra con unos personajes increíblemente humanos, y “Hanoi Saigon”, obra extremadamente original en la que nunca le veíamos la cara a los personajes, lo cual no nos impedía conocerlos a fondo siguendo un increíble diálogo telefónico mientras veíamos lo que ellos veían en la televisión.

Cosey nunca ha parado de crear historias, en su temática ha sabido ser siempre más profundo que el común del comic de la escuela franco belga de la cual surgió, y visualmente ha desarrollado un estilo certero, que recurre al realismo visual o se aleja parcialmente de éste buscando acentuar elementos narrativos que le interesan. Sus cómics beben mucho del cine y de los libros más que de otros comics, (aunque su obra más reciente sea justamente un homenaje a Mickey Mouse donde encontramos al raton disneyano escribiendo guiones para Hollywood en 1927). Definitivamente, se le puede considerar un pionero, por abordar temas serios cuando pocos creían que estos tenían cabida en el cómic. No es osado afirmar que autores de la talla de Manu Larcenet hayan encontrado inspiración en la obra de Cosey para ejecutar sus propios trabajos en una época en la que el cómic ha obtenido un estatus similar a la literatura, y en la que comparar la obra de Cosey con la de cualquier escritor contemporáneo bueno no sea exagerado. Finalmente, luego de recibir a lo largo de su carrera numerosos reconocimientos, la semana pasada Bernard Cosenday ha obtenido el Gran Prix de Angouleme por el conjunto de toda su obra.

  Portada de Louis le Portugais, por Jean Philippe Stassen

Nacido en la villa de Liège en 1966, Stassen resultó ser un dibujante precoz, que empezó a publicar a los 16 años historietas humorísticas de un estilo descomplicado en pequeños fanzines, escritas por el guionista Denis Lapiére. Stassen, si bien apegado a su terruño, donde tiene aun su estudio, tuvo desde siempre la inquietud del viajero, recorrió de muchacho el Africa del norte y del centro y vivió un buen tiempo en Marruecos, todo lo cual lo llenó de anécdotas e historias varias que refirió a su amigo Lapiere, quien supo convertirlas en un guion que Stassen dibujaría y que sería su primera obra importante, El bar del viejo Francés (Le Bar du vieux Français), suerte de historia de amor y de Road Movie internacional. Leila es una joven nacida en Francia que escapa de su casa y de su intolerante padre hacia Marruecos en busca de sus orígenes, Celestin es un muchacho del centro de Africa que carga una historia muy oscura en su pasado, la culpabilidad de haber dejado morir a su hermana menor, ambos, adolescentes y desarraigados, se encuentran en un rincón perdido del desierto marroquí, su historia será relatada, con vacíos, con pedazos tal vez inventados, y con un final fragmentado e impreciso, por un anciano francés que regenta un bar para los camioneros tuareg, la historia de Leila y Celestin, dos extranjeros en su propia tierra, pero que son también extranjeros en cualquier parte del mundo, y que se encuentran en medio de un lugar sin nombre se convierte en una hermosísima metáfora de la soledad, del desencuentro, de la dolorosa herencia de pueblos muy diferentes que a la larga tal vez no lo son tanto.

Viñetas de El bar del viejo francés, por Jean Philippe Stassen

  Portada de El bar del viejo francés, por Jean Philippe Stassen

El bar del viejo Francés se publicó entre 1992 y 1993, y obtuvo toda clase de premios, fue una historia que condujo a Stassen por caminos menos humorísticos que los que había manejado en sus comienzos, más densos y más dramáticos, y lo decidió a escribir sus propias historias, alejándose de los géneros y de los recursos comerciales. Su experiencia africana, que marcaria a partir de ahí toda su obra y que lo convertiría no solo en un gran dibujante poseedor de un estilo muy expresivo y estéticamente muy grato, si no además en un narrador brillante, profundo y de una madurez inusual, que empezaría a dar sus frutos en el libro Louis el portugues (1996) ya escrito y dibujado completamente por Stassen, luego en Therese (1999), otra Road Movie africana que es la antítesis de “El bar…”, ya que se vale de elementos surrealistas y de un tono irónico, no necesariamente humorístico, que en cualquier caso amplía el espectro del autor, pero moviéndose siempre en ese universo de inmigrantes, trenes, barcos, y personajes de diversas culturas enfrentados entre sí. Luego aparece la que es su obra maestra hasta la fecha, Deogratias, publicada en el ano 2000, que cuenta de forma poética y terrible el genocidio de Rwanda desde los ojos de Deogratias, un muchacho esquizofrénico que debe enfrentarse a la realidad más siniestra refugiándose en su locura. Finalmente, en 2004 Stassen publica una adaptación del “Corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad, y aunque se trate de una reconstrucción histórica traída de un libro del siglo XIX, el tema sigue siendo el choque de culturas.

Viñetas de Deogratias, por Jean Philippe Stassen

  Habiendo obtenido los premios más importantes que se le dan en Francia a los autores de comics, y a pesar de que casi cualquiera que lea sus libros reconoce inmediatamente un trabajo inteligente y hermoso, Stassen no tiene la fama ni el prestigio de autores como sus contemporáneos Joan Sfar o David B, y acaso es igual de bueno, o tal vez mejor (aunque eso si, no es un tipo que se preocupe por estar a la moda), en el ámbito hispanoamericano es prácticamente desconocido (aunque algunos de sus libros han sido traducidos al español) y nunca estará demás la recomendación para acercarse a su obra.

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 A los 15 conoció un maestro de verdad, Solano López, y entintando los sombríos escenarios de la epopeya de Juan Salvo El Eternauta, asumiría su irrevocable destino de dibujante de cómics. Muñoz emprendería la ruta de tantos dibujantes argentinos a través de las editoriales Columba y Record, que no siempre lo trataban bien, la paga era mala y la libertad creativa nula; Hugo Pratt, otro maestro de maestros, lo instó a tener fe en esa sinuosa llama que bullía dentro de él, aunque lo que Muñoz proponía como dibujante parecía no tener mercado. Así que a los veintitantos, Muñoz partíó a España, donde un argentino amigo y dibujante, Oscar Zarate, lo conectó con otro argentino, amigo y escritor, Carlos Sampayo. En diferentes entrevistas ambos coinciden en lo siguiente: el mismo día que Muñoz y Sampayo se conocieron estuvieron hablando durante horas acerca de escribir y dibujar las aventuras de un detective de Nueva York, pero se trataría, pensaban, de una serie que se alejara de lo convencional. Supuestamente, esa tarde ya tuvieron más o menos claros los 20 años de trabajo siguientes y, metidos en un apartamento prestado, en ese reducto para artistas bohemios que era en los setenta la isla de Mallorca, este par de argentinos desarraigados crearon uno de los cómics más grandes de la historia, Alack Sinner.

Comparable con la epopeya de Maggie y Hopey en Love and Rockets, Sinner empieza como un detective privado, muy a lo Marlowe, respetando al género por completo en ese primer relato El caso Webbster; pero luego, a partir del logradísimo Viet-Blues, Sinner, como Maggie y Hopey, emprende un extraño viaje hacia la nada, sabremos de su pasado en la NYPD, de su padre y de su hermana, y luego como detective lo veremos perder toda la fe en las instituciones al conocer almas náufragas como la suya, la hermosa Sophie, John Smith III, Sheryl, Joe, y otros tantos. Sinner abandona la policía para hacerse detective, luego deja la investigación para conducir un taxi, luego deja el taxi para perderse en la inmensidad de la gran ciudad, hasta que sólo podamos decir de él lo único bueno que puede decirse de cualquiera, que es sólo un ser humano. Luego de un buen puñado de relatos de extensión mediana Sinner protagoniza la conmovedora y ambiciosa novela gráfica Encuentros y reencuentros donde parece hacer las paces consigo mismo (si bien su aventura vital continuará en más relatos), y mientras tanto, Muñoz y Sampayo habrán dejado de ser los mismos, Muñoz sobre todo, habrá alcanzado un techo al que pocos dibujantes de comics han podido acceder, el de los grandes creadores que han marcado con un estilo propio, una forma personal de narrar historias con dibujos.

Ya adulto, y habiendo ejercido oficios varios y estudiado cosas ajenas a los comics (ingeniería), pero habiéndose convertido asi mismo en un dibujante autodidacta bastante bueno, Rosa descubrió los comics de la editorial Gladstone, que publicaban aun aventuras de los personajes de Disney. Rosa le escribió al editor de Gladstone ofreciéndose como el dibujante y guionista ideal para continuar la obra de Barks, y en 1985 apareció publicada la historieta The Son of the sun, protagonizada por MacPato, Donald y los inseparables Hugo, Paco y Luis, y escrita y dibujada por Don Rosa, quien desde entonces fue reconocido exactamente como lo que él quería, el sucesor del gran maestro Carl Barks.

Pero la obra de Rosa se vio marcada por un destino extraño, desde los 70 los comics de Disney perdieron popularidad en los USA (mientras la ganaban los de Marvel y DC), y el mercado real lo tenían en Europa y Brasil, lo cual llevaría a Rosa, a ser el único dibujante norteamericano que trabajaba para editoriales danesas, finlandesas o polacas, ganando apenas lo justo para vivir mientras que era poco menos que un desconocido en su propio país. Después de dibujar unas cuantas aventuras de Macpato y sus sobrinos en un tono absolutamente tributario de las clásicas historietas de Barks, de entre las que se destaca especialmente el cómic conmemorativo de los 60 años del Pato Donald The Duck Who Never Was, Rosa recibió un encargo que lo catapultaría al Hall de la fama de los grandes comicmakers, The Life and Times of Scrooge McDuck, serie regular de más de 200 páginas que comprendería la biografía exhaustiva de Rico Macpato, desde el día que ganó sus primeros diez centavos allá en su natal Escocia, cómo partió en busca del sueño americano, y cómo fue amasando su inmensa fortuna buscando tesoros y haciendo toda clase de negocios por el mundo entero.

Ver lo que se podía hacer en historieta lo conmovió tan profundamente, cuenta él mismo, que poco a poco fue inclinándose hacia el medio, hasta dejar definitivamente de un lado otras disciplinas. Años después, convertido en Milo, Manara llegaría a ser el dibujante de comics más importante de toda Italia, para algunos el mejor, y su carrera oscilaría siempre entre lo descaradamente comercial y lo puramente artístico. Es innegable que, además de ser un dibujante prodigiosamente talentoso, este autor es uno de los que más se ha preocupado por llevar el cómic a un lugar importante dentro del arte; pero también es cierto que cuando Manara ha encontrado fórmulas exitosas, no ha vacilado en explotarlas hasta la saciedad, dejando de un lado cualquier compromiso estético.

Viñeta de "Para ver las estrellas", por Milo Manara.

La carrera de Manara como historietista empezó a finales de los 60s con la serie Genius, en la que los elementos más importantes eran la intriga policial, el sexo y la violencia, luego pasó 4 años dibujando la serie Jolanda Almaviva, hasta que, finalmente, en 1976, la publicación de Lo Scimiotto (El rey mono) por entregas en la revista Alter Linus puso su nombre en boca de toda la intelectualidad italiana del momento. Al año siguiente el libro obtendría el Yellow Kid en el salón de Lucca. En aquel entonces, El rey Mono supuso un hito dentro de la narrativa gráfica, por su dibujo espléndido y el uso de una diagramación vanguardista, pero su guión (escrito por un amigo de Manara, Silverio Pisú) acaso no ha envejecido de la mejor manera. La enredada caricatura política de Mao Tse Tung que pretendía ser El Rey Mono en los 70s en la actualidad no tiene mucho sentido, y lo único evidente es el talento del dibujante.

Ilustración para "Verano Indio", escrito Por Hugo Pratt, ilustrado por Milo Manara.

Pero Manara seguiría experimentando, a la par de su trabajo para la editorial Larousse haciendo comics históricos y una bonita historia de El Abominable hombre de las Nieves con guión de Claude Moliterni, creó para la revista A Suivre, HP y Giuseppe Bergman, su primer cómic de autor. El ingenuo y romántico Giuseppe Bergman, un alter ego del autor, decide afrontar la aventura en el aburguesado y alienante mundo moderno, y para ello tendrá un guía, HP (alter ego de Hugo Pratt). Las aventuras de Giuseppe Bergman transcurrirán en variados y exóticos escenarios, que a lo largo de los 4 tomos de la serie llevarán a Bergman a la inútil busqueda del realismo mágico macondiano (en una Colombia absolutamente irreal), a buscar el nacimiento de los mitos africanos, al Ganges a involucrarse en la producción de una película imposible. Todas estas historias suponen un valioso experimento más gráfico que dramático, con una dinámica cercana a los sueños y a una narración surrealista que elude los elementos clásicos del drama.

Ilustración homenajeando a Marcello Mastroianni por Milo Manara.

Con una pretensión mucho más desenfadada Manara emprende El Click, (1983), primer graphic novel erótico importante que se conoce. En El Click, Laura, una mujer de la Alta Sociedad, es víctima de un científico malévolo que se deleita exacerbando la líbido de la hermosa protagonista mediante un aparato con mando a distancia. Este cómic no sólo tuvo una acogida excelente de la crítica, sino que fue un éxito en ventas también. Se sucederían primero una lamentable adaptación cinematográfica, y tres secuelas (bien dibujadas pero poco imaginativas) después. El perfume de lo Invisible sería el otro éxito del autor dentro del cómic erótico, la protagonista, Miel (quien aparece en una serie de relatos cortos llamados La Cámara Indiscreta), era acosada por otro científico que había descubierto la fórmula para ser invisible. Luego de unos cuantos equívocos graciosos y unas escenas eróticas memorables, Miel y su amante invisible se refugiaban de una tempestad en alta mar tomándose el uno del otro.

Viñeta de "Para ver las estrellas", por Milo Manara.

Aparentemente, la única forma de que Manara hiciera un cómic serio era uniéndose a grandes guionistas. Hugo Pratt escribió El Verano Indio, una larga y ambiciosa historia ambientada en la puritana Nueva Inglaterra del siglo XVI, en la cual Manara se explayaba dibujando indios y colonos con cada vez mayor soltura. Más adelante trabajó con Federico Fellini en El viaje a Tulum, obra que tuvo gran despliegue por ser su guionista y su dibujante los que eran, pero que en realidad no es el mejor trabajo de ninguno de los dos. Luego Manara ilustraría un relato breve de Fellini El último viaje de Giuseppe Mastorna, que no sólo reflejaba mucho mejor el universo felliniano. Luego Manara dibujaría en acuarela Para ver las Estrellas (1998), que es además el cuarto libro de la serie de Giuseppe Bergman. Pero Para ver las Estrellas está muy lejos de las primeras aventuras del personaje. Manara ha madurado como dibujante y también como narrador, sus maestros Fellini y Pratt ya no están a su lado, y las referencias literarias han cambiado y ahora son pictóricas, y ahí sí que Manara es maestro de maestros. Giuseppe Bergman (quien ya no se parece al casi sexagenario autor), recibe de un moribundo enfermo de SIDA a una joven a la que tiene que cuidar. la joven no tiene nombre, ni personalidad, va adoptando la de las mujeres que encuentra en un libro de arte, se va convirtiendo en la Ofelia de Shakespeare, en la casta Susana de la Biblia, en el alter ego femenino de Pinocho, en la Beatriz de Dante, en Pasifae, la reina de Creta. Finalmente, ella también al borde de la muerte, será rescatada por Bergman, quien invocará a todos sus amigos muertos, Felinni, Pratt, Pazienza, Tamburini; pero Bergman sólo logrará salvar a la joven cuando un joven pintor haga un dibujo que la llame a la vida.

Viñeta de "Verano Indio", escrito Por Hugo Pratt, ilustrado por Milo Manara.

Esta aventura de Giuseppe Bergman es como un sueño en acuarela, que como historia está más cerca de la poesía que otra cosa, y que supone, ahora sí de verdad, un verdadero paso adelante dentro de la historieta en general. Finalmente, el trazo manariano parece haber encontrado algo valioso de verdad.  No obstante, al año siguiente, el impenitentemente travieso Milo volvería a las andadas con WWW otra de sus historias eróticas light, que además adolece de un defecto terrible, la necesidad imperiosa de estar a la moda. Wanda, Wilma y Wendy son tres voluptuosas jóvenes que tienen un show erótico en tiempo real por internet. Pero sus ex novios psicóticos intentarán hacerles la vida imposible. Luego vendrían dos obras de cierta valía, El Asno de Oro, adaptación del libro clásico de Apuleyo, y Revolución. Ya entrados en el siglo XXI, una colaboración entre Manara y el guionista chileno Alejandro Jodorowsky se convierte en éxito en ventas a ambos lados del Atlántico. Los Borgia, una saga que en cuatro tomos cuenta, a la exagerada manera de Jodorowsky y sin demasiado rigor histórico, los esplendores y miserias de la famila Borgia durante el renacimiento. Ya con una edad avanzada y siendo su trabajo extremadamente popular, Manara, incansable, parece no tener intención de dejar de dibujar historietas.