#qindie

Als Sting sich nach Jahren voller Eskapaden entschloss, wieder ein rockiges Album zu machen, wuchsen die Erwartungshaltungen gen Himmel. Endlich wieder Zerbrechlichkeit und Felder aus Gold! Und siehe da, die Vorabsingle „I Can’t Stop Thinking About You“ gefiel. Ein treibendes Gitarrenpicking, marschierendes Schlagzeug, hymnischer Refrain. Natürlich klingt sie nach The Police, was aber nicht überraschen sollte, immerhin war Sting dort Sänger und Bassist, aber das kann ja nicht jeder wissen.

Bei einem Veteranen wie Sting ist es unmöglich, ein neues Album nicht im Vergleich zum Lebenswerk zu hören, zumindest mir nicht. Ist „57th & 9th“ ein gutes Album? Ja, zweifelsohne, dennoch eines der schwächeren von Sting. Jazziges findet diesmal wenig bis kaum statt. Auch der Ethno tritt in die zweite Reihe. Betrachtet man das Cover, ein überraschend jung aussehender Sting in den Straßen von New York (?), den Bass geschultert, suggeriert das eine musikalische Heimkehr, welche tatsächlich stattfindet. Viel Triosound, gerade Grooves statt Schnörkel, rockige Gitarren und klassische Songstrukturen. Die Zutaten stimmen, doch schmeckt das Ergebnis zu meinem großen Bedauern etwas fad. Das liegt zum einen daran, das „I Can’t Stop Thinking About You“, der stärkste Song des Albums, selbiges eröffnet. Dieses Pulver wäre verschossen. Das anschließende „50,000 (NEW Version)“ beginnt mit vielversprechenden zwei Akkorden im epischen U2-Gewand, nimmt jedoch in der Strophe den Fuß vom Gas und endet in einem uninspirierten Fadeout. Wenigstens der Refrain ist groß. „Down, Down, Down“ und „One Fine Day (NEW Version)“, Sting at its best, eindringliche zeitlose Popsongs mit der eigenen, unverwechselbaren Handschrift. Wie sehr ersehne ich mir mehr davon. Die übrigen sechs Lieder ziehen jedoch recht unbeeindruckend an mir vorüber. „Pretty Young Soldiers“, eine Remineszenz an das eigene Frühwerk, startet mit einem sehr eigentümlichen Gitarrenriff, schunkelt sich danach zum Schluss, ohne Spuren zu hinterlassen. „Petrol Head“, fieser Rock mit unnötigen Soundspielerein, welche Modernität vorgaukeln sollen, die gar nicht nötig wäre. „Heading South On The Great North Road“, eine gefühlvolle Ballade mit akustischer Gitarre. „If You Can’t Love Me“ beginnt mit einem betörenden Gitarrenpicking. “If You Can’t Love Me This Way Then You Must Leave Me”, singt Sting eindringlich. So einfach, so wahr. Ein spannender, unterschwellig energetischer Song kurz vor der Explosion. Der Geist des Orients wird in „Inshallah“ heraufbeschworen. Dies gelingt Sting gut, ohne sich in Weltmusik Kitsch zu verrennen. „The Empty Chair“, ein ruhiger Schlusspunkt, wo mehr Aufregung gefragt gewesen wäre.

Manchmal habe ich den richtigen Riecher. So wusste ich bereits, dass Dev Hynes eines Tages Großes vollbringen würde, als er noch unter dem Pseudonym Lightspeed Champion Folkmusik spielte. Zweifelsohne, das war gute Folkmusik, aber die engen Grenzen dieses Genres schienen mir Hynes kreativem Potenzial nicht gerecht zu werden.

So kam es, wie ich es mir wünschte. Im Jahre 2011 ließ er Lightspeed Champion hinter sich und veröffentliche sein Debüt „Costal Groove“ unter dem Alias Blood Orange. Was sich damals lediglich andeutete, fand 2013 in „Cupid Deluxe“ seine Vollendung: Der Blood Orange-Sound war geboren. Man erkennt Hynes Handschrift auch in seinen Arbeiten als Produzent und Songschreiber für kommende Größen wie Sky Ferreira, Solange Knowles oder Samantha Urbani. R´n´B, Dancefloor, Pop und Wave in bisher nicht gehörter Eintracht.

Fernes Stimmgewirr, ein verstimmtes Piano, souliger Chorgesang, eine feministische Kampfansage, schon sind wir mittendrin in „Freetown Sound“, dem dritten und bis dato besten Blood Orange-Album. Hynes als den neuen Prince zu bezeichnen ist natürlich völliger Unsinn. Wieso auch? Der Hautfarbe wegen? Aber bitte! Und Multiinstrumentalisten gibt es viele. Wo Prince als Musiker, Tänzer und Performer ein Genie war, dem alles scheinbar leicht von der Hand ging, höre ich bei Hynes, wie hart er arbeitet, um an sein Ziel zu gelangen. Seine bemühten Tanzeinlagen, manchmal an der Grenze zur Peinlichkeit, sind auswendig gelernte Choreografien, die nicht im Entferntesten etwas mit der Art Tanz zu tun haben, wie Prince ihn beherrschte. Doch macht all dies Hynes Kunst keineswegs schlechter.

Im Gegenteil, vielleicht ist es gerade das, was ihren Charme ausmacht. Der Funke – bei allem Respekt – Dilettantismus, der seine Produktion vom R´n´B–Einheitsbrei unterscheidet, den ich täglich im Radio abwürge. Schwulstig, Urban, ganz viel Brooklyn. „Freetown Sound“ ist ein luftiges, aufgeräumtes Album voll subtiler Erotik und bezaubernd gehauchter Melodien, trotz der schweren Themen, welche in den siebzehn Tracks behandelt werden. Gender, Konflikte zwischen den Religionen, Rassismus, Sexismus. Wie es soweit kommen konnte, obwohl Ferris Bueller der Welt bereits 1986 erklärte, das „Ismen“ nicht gut sind, wird mir ein ewiges Rätsel bleiben, aber gut. Klavier und Streicher als Rahmen, in dem dezente Funkgitarren, jazzige Bläser und rumpelige Drumcomputer wunderbar koexistieren. Das weckt selbstverständlich Assoziationen an die Achtziger, weil große Popmusik immer ein wenig nach den Achtzigern klingt. Die Ästhetik dieses Jahrzehnts transportiert Blood Orange, was sicher kein Zufall ist, auch visuell. Wer es etwas moderner braucht, auch die großen Daft Punk scheinen Hynes nicht völlig unbeeindruckt gelassen zu haben. Vielleicht schöpfen aber auch beide Projekte nur aus denselben Quellen.

Ryley Walker - Golden Sings That Have Been Sung

2016 ist ein Jahr, indem ich wiederholt von mir selbst überrascht werde. So verschwende ich derzeit mit Begeisterung meine Zeit mit der Serie „Gilmore Girls“. Das hat sicher damit zu tun, dass es aktuell nicht die besondere Frau in meinem Leben gibt. Wie sonst ist es zu erklären, das ich Abend für Abend Lorelai Gilmores hochfrequentes Geplapper ertrage? Mein Speicher muss leer sein.

Aus der gleichen Richtung stammt vermutlich die Freude an Lichterketten, mit denen ich meine Wohnung schmücke, wie auch eine tiefe Sehnsucht nach dörflichem Leben inkl. neugierigen Nachbarn, Klatsch und Tratsch und Mittagessen in Luke’s Diner. Überschaubarkeit ist an dieser Stelle das Stichwort. All das mag den Nährboden bereitet haben, auf den Ryley Walker fiel und keimte, als ich zufällig das Video zu „The Roundabout“ sah, der Single aus seinem vierten Album „Golden Sings That Have Been Sung“. Auch da, Kleinstadtleben, Freunde, Freude, Feuerwerk. Vielleicht auch Lichterketten, ich muss noch mal genau hinsehen. Vierzig Minuten Sixties-Hippiegedudel, vom Cover Artwork bis zum Songwriting schonungslos Retro. Dass mich das begeistert, eine Überraschung. Kompositionen wie hypnotische Endlosschleifen, eingespielt mit allen im bekannten Universum existierenden akustischen Saiteninstrumenten.

Arc Iris – Moon Saloon

Beginnen wir mit Namedropping, bis der Erste kotzt: Arc Iris wurde im Jahr 2012 als Soloprojekt der ehemaligen The Low Anthem-Musikerin Jocie Adams ins Leben gerufen, erblühte im Folgenden mit Zach Tenorio Miller (Keyboards), Ray Belli (Schlagzeug) und zahlreichen Gästen zur Band. „Moon Saloon“, ihr zweites Album, wurde von David Wrench (FKA Twigs) gemischt. Wer gekotzt? Erster! Auf zur Musik.

Eine Menge ist los im “Moon Saloon”. Es wird getrötet, gegeigt, Banjo und Pedal Steel finden ihren Platz ebenso wie Cello und Electronics aller Couleur. Zentraler Dreh – und Angelpunkt in den zehn Liedern ist zweifelsohne Jocie Adams Stimme mit ihrem gebrochenen Timbre, den verspielt ausufernden Melodiebögen, den überbordenden Chören und dem naiv anmutenden Charme. Eine Verwandte im Geiste mag Harfengöttin Joanna Newsom sein. In der Summe erinnert „Moon Saloon“ mit seiner ätherischen Orchestralität in mancher Passage an die Anfänge der Sneaker Pimps oder The Sugarcubes mit Sängerin Björk.

„Kaleidoscope“, Opener und erste Single, von einem Trip-Hop Schlagzeug getragen, von Streichern und Chören emporgehoben, von Adams Gesang gekrönt. „Kingdome Come“ schließt sich an, kommt verspielter daher, perkussiv arrangiert. Adams hier mit Tendenz zum Kinderstar, in einem Lied, das sich erst beim zweiten Hören in die Karten schauen lässt. „Paint The Sun“ startet mit starkem Piano und reinem Bandsound, Adams schwebt über der Szene wie eine junge Kate Bush. „Pretending“ bezaubert mit seiner musicalesquen Überladenheit und zaubert ein Judy Garland-Gefühl in die Magengegend. Hinter dem Regenbogen hat es wundervolle Bläser und ein verflixt charmantes Banjo. „She Arose“ und „Lilly“, zwei wundervoll herzerwärmende Stücke Musik mit reduzierten Instrumentierungen, frischen Sounds zwischen klassisch und nie zuvor gehört und dem Mut zur Verspieltheit, welcher den Komposition nicht im Wege steht, im Gegenteil, ihnen sogar zugutekommt. Die übrigen vier Lieder mögen meine Aufmerksamkeit nicht bei sich behalten, aber es ist heute auch wirklich warm und meine Konzentrationsfähigkeit nicht die Beste.

Spannende neue Band: Privatier.

EPs besprechen wir bei Crazewire eigentlich nur, wenn sie uns durch Besonderheiten in Ohr und Auge springen und in der Lage sind, unsere Aufmerksamkeit über ihre kurze Spielzeit hinaus zu fesseln. Die Gründe dafür könnten unterschiedlicher kaum sein. Auf simpelste Art gewinnt man unser Herz sicherlich mit guten Songs. Manches fasziniert uns durch ausgeprägte Eigenständigkeit, die wir in hohem Maß für popkulturell relevant, vielleicht sogar richtungsweisend, halten. Anderes wiederum lässt uns dermaßen ratlos zurück, dass wir unsere Verwirrung mit der Welt teilen müssen, um sie zu verarbeiten.

Da ist es wie mit einem Verkehrsunfall. Du weißt, es ist verwerflich, doch Du kannst den Blick nicht abwenden. Letzteres ist dennoch kein Todesurteil. Es gibt zahllose Songs, die sich über jenen schrägen Umweg Zutritt zu meinem Herzen verschafften und dort für immer blieben. Und von alldem ein wenig und noch etwas mehr, das ist die Musik von Privatier.

Vier Herren aus Köln musizieren in der Schnittmenge aus Bo Diddley und Joy Division. Sänger Sven Blüchel sieht im besten Sinne aus wie ein progressiver Dorfpfarrer und trägt mit leierndem Timbre Texte zwischen Dada und Minimal-Poesie vor, welche an die Anfänge der Hamburger Schule denken lassen, an große Bands wie Kolossale Jugend, Die Erde oder Cpt. Kirk. Mit Letzteren hat Privatier auch die Neigung zum perkussiven Spiel gemein. Da wird der Schlagzeugbreak, wie in „Belmondo“, auch mal zum tragenden Rhythmus erhoben. Es swingt und jazzt im ausgebrannten Klub jenseits der Bahngleise, wo sich jeden Montag die verarmte Boheme mit Rotwein aus Tetrapacks bewusstlos trinkt.

Das Gitarrenspiel ist auf den zweiten Blick vielschichtig. Mut zur Lücke und/oder sphärische Echo-Sounds, Akzent statt Klangteppich, mutwillig trashige Soli und jede Menge Akkord. Der Kitt, welcher das Privatier Universum zusammenhält, ist eine Laissez-faire Attitüde und eine schwer definierbare Verweigerungshaltung, die zwischen den Noten spürbar wird. Ich kann es nicht belegen, glaube aber, wir können Privatier alle mal am Arsch lecken. „Auch wenn ihr nicht in die Kirche geht, Gott ist King Kong und King Kong lebt“, singt Blücher in „Pastor KingKong“. Ist das jetzt großes Kino oder die Sehnsucht nach dem kalkulierten Tabubruch durch das Verletzen religiöser Gefühle? Wer letzterer Variante den Vorzug gibt, der könnte Privatier als Pennälerstreich abtun. Wer sich jedoch Zeit nimmt für das größere Ganze, der erlebt eine herrlich verschrobene Band in den ersten Stunden ihrer eigenen Schöpfung. Selten plagten mit seltsamere Ohrwürmer.