#juliopison

CINE Mi pie izquierdo (1989) Título original: My Left Foot País: Irlanda / Reino Unido Dirección: Jim Sheridan Guion: Shane Connaughton y Jim Sheridan, basado en la autobiografía de Christy Brown Género: Drama biográfico Reparto: Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Ray McAnally, Fiona Shaw, Hugh O'Conor Idioma: Doblada al Español

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RESEÑA EN EL CAFÉ Porque a veces el corazón escribe donde las manos no alcanzan.

Hay vidas que nacen torcidas —por el cuerpo, por el lugar, por la época—, y que sin embargo insisten en escribirse. La de Christy Brown es una de ellas. Mi pie izquierdo, dirigida por Jim Sheridan, no es sólo una biografía filmada: es un manifiesto visual sobre la potencia del lenguaje cuando nace desde los márgenes. Brown, paralizado por la parálisis cerebral, aprende a escribir con el único miembro que puede mover: su pie izquierdo. Pero lo que escribe no es solo poesía o pintura, sino una declaración de existencia contra la invisibilidad.

En un contexto donde la discapacidad era sinónimo de silencio y exclusión, y en una Irlanda aún marcada por la opresión de clase y el peso del catolicismo, la figura de Brown emerge como un cuerpo político. La cámara de Sheridan lo entiende: no lo embellece ni lo endulza. Daniel Day-Lewis le da vida con todas sus luces y sombras, construyendo un personaje incómodo, inteligente, rabioso, y por eso mismo profundamente humano.

La película también reivindica los afectos. La madre —heroína callada— es una figura revolucionaria en su ternura inquebrantable. El hogar, lejos de la imagen romántica, es campo de batalla y de resistencia.

Mi pie izquierdo nos recuerda que el arte puede comenzar con un trazo tembloroso, y que la voz más clara puede venir del cuerpo que menos se espera. En tiempos de discursos vacíos sobre “inclusión”, esta película ofrece algo mejor: escucha.

CINE Despertares (1990) Título original: Awakenings País: Estados Unidos Dirección: Penny Marshall Guion: Steven Zaillian (basado en el libro de Oliver Sacks) Género: Drama, biografía Reparto: Robin Williams, Robert De Niro, Julie Kavner, Penelope Ann Miller, Max von Sydow Idioma: Doblada al Español

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RESEÑA EN EL CAFÉ El instante como forma de eternidad.

Hay películas que no envejecen porque están hechas con la materia de la compasión. Despertares (1990) es una de ellas. En un tiempo en que la medicina parece avanzar a la par que se enfría, la historia del Dr. Sayer y Leonard Lowe nos recuerda que el verdadero acto clínico comienza cuando alguien mira al otro como un ser vivo, y no como un caso.

Robin Williams, en uno de sus papeles más sensibles, interpreta a un médico tan tímido como obstinado, que se atreve a ensayar un tratamiento experimental con pacientes “olvidados”, víctimas de una rara encefalitis que los dejó en estado catatónico durante décadas. Uno de ellos es Leonard Lowe, magistralmente encarnado por Robert De Niro, que despierta del letargo para experimentar —con la ternura de un niño y la lucidez de un sabio— un mundo que ya no es el suyo.

Pero Despertares no es un canto ingenuo al milagro médico. Es una elegía serena sobre los límites de la ciencia y la inevitabilidad de la pérdida. Penny Marshall filma con delicadeza, sin grandilocuencia, dejando que la emoción emerja de los gestos mínimos: una mano que se mueve, una mirada que vuelve, un baile robado al tiempo.

Lo que emerge del film es una ética del cuidado que resiste la tecnocracia: una reivindicación del tacto, del afecto, del tiempo compartido. Porque despertar, en esta historia, no es simplemente abrir los ojos, sino reconocerse en los ojos del otro.

Despertar, al final, es ese acto profundamente humano de atreverse a sentir, incluso cuando sabemos que el sueño regresará.

LIBRERÍA Patrick Modiano En el café de la juventud perdida

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RESEÑA EN EL CAFÉ En los márgenes de París: juventud, niebla y fantasmas.

En el corazón del París brumoso de Patrick Modiano, En el café de la juventud perdida es una novela breve pero profunda que gira en torno a una figura escurridiza: Louki, una joven que aparece y desaparece en el café Condé, punto de encuentro de escritores, estudiantes errantes y existencialistas sin gloria. Narrada desde múltiples voces —un estudiante, un detective, un escritor frustrado y la propia Louki—, la novela reconstruye una vida fragmentada, donde cada relato ilumina apenas un borde de su misterio.

Louki es una fugitiva del tiempo: de su familia, de su matrimonio, de sí misma. Su historia, más que contada, es evocada entre sombras y recuerdos que se desvanecen. Modiano no ofrece certezas, sino atmósferas: su prosa es bruma, su París es un mapa de calles que conducen a lo inasible. Más que una trama, hay una sensación: la juventud como una estación perdida, una ciudad a la que se llega tarde.

Lejos del realismo, la novela tiene algo de fantasma proustiano: una memoria fragmentada que se escapa en cada intento por fijarla. El lector se convierte en detective de lo ausente, en testigo de una pérdida que nunca se puede nombrar del todo.

"Porque hay presencias que solo comprendemos del todo cuando ya son ausencia, y hay cafés donde uno nunca termina de irse del todo."

DISCOTECA (Blues) Blues from my way home LP Selección Café jcp 2023-05-08

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01- The Shadow- Blues Cousins 02- When I Leave Here- Robben Ford 03- Three O'clock Blues- BB king & Eric Clapton 04- Tin Pan Alley- Stevie Ray Vaughan 05- Rather Go Blind- Meena Cryle 06- Mustang Sally- The Commitments 07- Yer Blues- The Dirty Mac (John Lennon,Eric Clapton, Keith Richards & Mitch Mitchell) 08- Marry You- BB King & Eric Clapton 09- Steel Away- Paul Gilbert,Nuno Bettencourt, Steve Hackett 10- Changing Neighborhoods- Anson Funderburgh & The Rockets With Sam Myers 11- Misty Blue- Etha James 12- On The Blues- Freddie 13- Sway- The Rolling Stones 14- Coming After Me- JW Jones 15- You Can't Beat The House- Mark Knofler 16- One Step At A Time- Johnny Winter 17- Sleeping In The Ground- Robert Cray 18- Alabama Woman blues- Eric Clapton 19- A Man Needs His Loving- Anson Funderburgh & The Rockets

RESEÑA EN EL CAFÉ Acordes que lloran, caminos que abrazan: el hogar secreto del blues.

Blues from My Way Home no es una simple compilación: es un refugio emocional. Cada canción de esta selección LP del Café jcp condensa una historia, un quiebre, un reencuentro. Desde la desgarrada confesión de “Rather Go Blind” hasta la complicidad íntima de BB King y Clapton, pasando por la crudeza de Stevie Ray Vaughan y la elegancia de Robben Ford además de otros grandes del género el álbum conjura el espíritu más auténtico del blues.

No hay aquí una búsqueda de virtuosismo vacío, sino una entrega total a la emoción, al sonido como eco de la experiencia. El blues no se toca: se vive. Y en esta selección se vive con intensidad, con respeto por el legado y con apertura a lo inesperado.

Una carta de amor al blues, al dolor transformado en música y al acto íntimo de volver —una y otra vez— a casa.

CINE Lawrence de Arabia (1962) Título original: Lawrence of Arabia País: Reino Unido Dirección: David Lean Guion: Robert Bolt y Michael Wilson, basado en los escritos de T. E. Lawrence Género: Bélico, épico, histórico, biográfico Reparto: Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Omar Sharif, Jack Hawkins, José Ferrer, Anthony Quayle, Claude Rains Idioma: Inglés con subtítulos en Español

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RESEÑA EN EL CAFÉ El desierto como espejo: apuntes sobre Lawrence de Arabia.

Lawrence de Arabia no es solo una epopeya fílmica, es una travesía íntima hacia el abismo del yo. David Lean retrata la figura de T. E. Lawrence no como héroe victorioso, sino como hombre escindido, atrapado entre su fascinación por la causa árabe y su pertenencia al engranaje imperial británico. Peter O’Toole, en una actuación que se mueve entre la exaltación y el derrumbe, encarna a un personaje tan sediento de gloria como vulnerable al desengaño.

El desierto no es decorado: es alma, espejo y prueba. A través de él, Lawrence se engrandece y se desvanece. Sus conquistas militares, filmadas con una belleza casi mística, se vuelven pasos hacia una soledad que ya no tiene retorno. La política lo traiciona, su identidad se fragmenta, su mito lo consume.

La cinta, aunque rodada con la monumentalidad del cine épico, es profundamente trágica. Lean nos muestra el precio del idealismo cuando se mezcla con el orgullo, y del poder cuando se disfraza de salvación. No es la historia de un héroe triunfante, sino de un hombre que, al querer ser leyenda, perdió su rostro.

"Al final, Lawrence no conquistó el desierto: fue el desierto el que conquistó su alma."

CONCIERTOS (Italia) Adriano Celentano Rock Economy Arena Di Verona Live (2012)

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RESEÑA EN EL CAFÉ “Cuando el rock se convierte en plegaria: Celentano canta al borde del abismo”.

Con Rock Economy (2012), Adriano Celentano no regresó para complacer la nostalgia, sino para interrumpirla. Desde la Arena de Verona, transformada en templo civil, el viejo rockero ofreció un espectáculo que fue más sermón que recital, más advertencia que celebración. En un mundo saturado de entretenimiento vacío, Celentano apostó por un espectáculo que denunciaba el colapso económico, la crisis ecológica y la pérdida de sentido.

Entre canciones míticas —como Svalutation o Il ragazzo della via Gluck— y monólogos intensos sobre el capitalismo, la pobreza y el alma herida de Italia, el show se convirtió en una misa laica televisada. La presencia de Gianni Morandi aportó ternura y contraste, pero fue Celentano, con su voz áspera y su andar pausado, quien encarnó la figura del profeta moderno.

Más que música, lo que vibraba era una conciencia despierta. La Arena no fue solo un escenario: fue símbolo de una civilización que mira al abismo mientras baila. El cuerpo de Celentano, su edad, su fragilidad y su potencia, reforzaban el mensaje: el tiempo se agota, y no podemos seguir cantando como si nada.

Rock Economy no fue solo un concierto: fue un acto de resistencia estética. Un gesto profético en un medio, la televisión, que rara vez se permite el temblor de la verdad. Porque a veces, en medio del ruido y del espectáculo, solo una voz que tiembla al cantar puede decirnos la verdad que nadie quiere oír.

CINE La mejor oferta (2013) Título original: La migliore offerta País: Italia Dirección: Giuseppe Tornatore Guion: Giuseppe Tornatore Género: Drama, misterio, romance Reparto: Geoffrey Rush, Sylvia Hoeks, Jim Sturgess, Donald Sutherland Idioma: Doblada al Español

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RESEÑA EN EL CAFÉ El arte del engaño y la soledad en clave barroca.

En La mejor oferta, Giuseppe Tornatore entrelaza misterio, arte y afecto en una historia elegante y perturbadora. Geoffrey Rush encarna a Virgil Oldman, un reputado tasador de arte obsesionado con la perfección y la soledad. Su rutina se ve alterada cuando Claire, una joven heredera que dice sufrir agorafobia, le encarga evaluar una colección de antigüedades en una villa casi abandonada.

Lo que comienza como un encargo profesional deviene en un vínculo extraño, sostenido en la distancia, los silencios y una tensión creciente. Virgil, experto en distinguir obras auténticas de falsificaciones, cae sin darse cuenta en una trama donde las emociones, como los cuadros, también pueden engañar.

Tornatore construye un relato visualmente exquisito, con ecos de Hitchcock y una sensibilidad barroca. La música de Ennio Morricone acentúa el misterio y la melancolía. El film interroga el valor de lo auténtico: en el arte, en el amor, en la identidad. ¿Qué vemos cuando miramos? ¿Cuánto de lo que sentimos es real?

La mejor oferta es también una reflexión sobre la fragilidad del juicio humano y la vulnerabilidad del deseo. Su escena final, con Virgil esperando solo en un café rodeado de relojes antiguos, deja una imagen imborrable: la del tiempo como única verdad posible en un mundo de apariencias.

LIBRERÍA Jane Austen Mansfield Park

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RESEÑA EN EL CAFÉ La virtud en sombras: Mansfield Park y la subversión desde el silencio.

De todas las heroínas de Jane Austen, Fanny Price es la menos celebrada. No brilla por ingenio ni encanto; observa desde los márgenes, callada, constante. Y es desde ese silencio que Mansfield Park despliega una crítica tan contenida como implacable. Publicada en 1814, la novela parece defender el orden y la virtud, pero bajo su superficie se agitan tensiones: clase, deseo, apariencia, hipocresía.

Fanny, criada por sus parientes ricos, no actúa, no seduce, no transgrede. Pero tampoco cede. Cuando los jóvenes deciden representar una obra teatral cargada de erotismo y transgresión, ella se niega. No por moralismo hueco, sino por lucidez: intuye el desorden disfrazado de juego. Su resistencia es modesta, pero firme. En una sociedad que premia el brillo, Fanny encarna la profundidad invisible.

Austen no idealiza ni ridiculiza a Fanny. La presenta como un espejo incómodo, que refleja lo que los demás prefieren ignorar. En su aparente pasividad hay un gesto radical: no representar nada que no sea auténtico. Su triunfo final —el matrimonio con Edmund— no es romántico, sino simbólico: sobrevive sin ceder, sin actuar, sin ser lo que no es.

Mansfield Park no es la novela más amable de Austen, pero sí quizá la más subversiva. Su crítica al patriarcado, a la esclavitud silenciada y al teatro social de la época se filtra en lo doméstico, en lo no dicho. En tiempos de exaltación del yo y del espectáculo, la negativa de Fanny a actuar cobra una resonancia inesperada. Su poder está en el no.

Julio César Pisón Café Mientras Tanto

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