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Lamb dei Brockhampton è la cosa più pura che c'è

Explorando el juego como una propuesta creativa en su obra, Barrada combina seriedad e irreverencia para crear trabajos que desafían y provocan al espectador. Esta aproximación singular destaca su habilidad para estimular reflexiones profundas a través de una estética envolvente y multifacética.

Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones óticas o trampantojos. El espectador de una obra de Op-art debe participar activamente, ya sea moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos. Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador (¡a no ser que el espectador se emocione con eso, que de todo hay…!). Busca más bien una actitud activa por parte del observador, o más bien sólo de su ojo. El Op-art se basaba en la percepción del espectador, que es en realidad el único y verdadero creador de la obra.

Híbrido entre la escultura y la arquitectura, el Land Art surge del arte conceptual y el minimal para crear un arte de la naturaleza en la naturaleza, generado a partir de ella, con sus materiales (rocas, gravillas, tierra, ramas, arena… incluso el viento o las mareas…) y su ubicación en entornos naturales. El paisaje, por tanto, es un concepto fundamental. Los artistas del Land Art coincidieron con el nacimiento de una conciencia ecologista y la desaprobación por la irresponsabilidad y los excesos del capitalismo. En ese sentido la comercialización del Land Art es compleja, aunque todo se puede vender, claro. Por lo general, es un arte que debe permanecer donde está, y llegado el momento, erosionarse o transformarse como todo en la naturaleza. Incluso desaparecer. Por ello, documentar el proceso fue muy importante en esta corriente. Fotos, videos, mapas o dibujos de la obra suelen ser tan importantes como la obra en sí. El Land Art se basa en la alteración del paisaje y la unión de este con el ser humano. Sirve para establecer una relación y sobre todo una reflexión en lo que pintamos en este mundo y lo dañinos o beneficiosos que podemos ser para él.

El término apareció por primera vez en 1920. Gabo habla en su Manifiesto Realista de «el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica», por lo tanto quiere hacer «formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real». El arte cinético es pues una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos «exteriores» como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

No pobre por ser de mala calidad en sí, sino por el empleo de materiales muy básicos, incluso efímeros, como trapos, periódicos, paja, ramas o piedras. Por supuesto, no fueron los primeros en usar materiales humildes, pero quizás sí los primeros en usarlos intencionadamente tras la crisis económica que sufrió Italia tras el fugaz boom que siguió a la II Guerra Mundial. Eso surge como un rechazo al consumismo de la civilización moderna. Sabían que la industrialización y la mercantilización iban a joder el arte. Y no se equivocaron. Uniendo su tradición milenaria con el consumo de masas, combinaron pasado y presente y fusionaron técnicas y soportes considerando pintura, escultura, collage, instalación y performance como la misma cosa. Arte y vida se dan la mano, como en la mayoría de movimientos artísticos contemporáneos.

Es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico, sin una formación académica. Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos. Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites. El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural, reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo autárquico de las producciones.

La exposición, con cerca de 1000 piezas entre obras de arte y materiales educativos, está articulada en cuatro secciones: Un museo sintético del arte moderno, que ofrece una especie de museo síntesis del siglo xx; La infancia de los artistas, con una selección de los materiales pedagógicos que en el xix representaron nuevos modos de educar; La educación como juego y el arte moderno, que compara manuales de dibujo, monografías y juegos educativos con obras seleccionadas de entre las principales corrientes y figuras del arte, la arquitectura y el diseño del siglo xx; y, por último, La educación y el arte como juego, que da cuenta del modo en el que ha sido pagada la deuda que el artista (pero también el activista social, el pedagogo, el diseñador y el arquitecto) del xx adquirió con la infancia, el dibujo y la educación entendidos como un juego desde el XIX.