#chezkit

Virginie Descamps à une démarche instinctive, un rapport physique et primaire aux matériaux choisis. Elle observe des éléments aléatoires inspirants : l’artiste s’en amuse et se joue de leurs aspects, comme dans la série d’aquarelles Les encombrants.

Virginie produit des pièces qui sont le fruit d’(in)digestions visuelles, qu’elle cuisine ensuite dans ses fourneaux avec un amour inconditionnel pour le décalage. Ses sculptures prennent forme à travers une succession de collages tridimensionnels, où elle s’active à saisir les états de la matière et à jouer de leur instantanéité. S’installe alors le principe du « je t’aime. moi non plus ». Une tension et un équilibre précaire se construisent par l’élaboration du face à face séduisant-repoussant, attirant-dérangeant. Ce n’est pas une opposition frontale mais une ambivalence.

La série Spit sont des sculptures aux apparences mobiles, modulables et mouvantes, composées de textiles rembourrés tendus contre de fragiles parois. L’artiste parvient à donner une autonomie à ses formes molles qui prennent alors le statut de Structures. Le plaisir de l’artiste réside dans l’idée d’élever au rang de sculptures des matériaux pauvres, voire triviaux.

On ne peut s’empêcher de faire le parallèle avec Coline Cuni et c’est bien normal. Les deux jeunes femmes ont étudié ensemble aux Beaux Arts de Nantes et ont co-réalisé plusieurs pièces. On retiendra particulièrement la Potence et le Trébuchet qui rassemblent avec brio les atouts majeurs de ces deux artistes.

Aujourd’hui, le travail de Virginie se complexifie à travers la pratique de la céramique qui s’intensifie ces derniers mois. Dans cette dynamique, elle réalisera un Post-diplôme céramique de la Haute Ecole d’Art et de Design à Genève à partir de septembre 2015. Ces premiers travaux révèlent une maitrise de la forme et de la matière, où la mollesse et le ridicule restent présents malgré l’usage d’une matière noble et exigeante. Présentée pour « i r r e d u x », cette énorme boule d’ennui de l’écolier collant son Chewing-gum sous la table, illustre avec vigueur son esprit de dérision.

Coline Cuni souhaite provoquer un désir et une sensualité face à son travail. Ce sont des éléments qui l’interrogent et la fascinent. Elle cherche une prise de risque où tout peut basculer, dans une expérience où la découverte des matériaux prend sens. Les problématiques de l’artiste sont liées à celles de la peinture, du geste et de la matière. La peinture est souvent le souvenir de notre première émotion artistique. Ce qui intéresse principalement Coline, ce sont les questions de la couleur comme Matisse ou Franz West ont pu y répondre, ou encore de la « forme fertile inépuisable » telle que Viallat l’a mise à l’épreuve.

Ces aspirations formelles et esthétiques se traduisent dans ses sculptures par le jeu de contraires, entre mollesse et rigidité autoritaire. L’artiste souhaite créer une ambivalence, induire un doute. Afin de parvenir à cet effet, chaque étape de son travail implique deux notions, elles aussi contradictoires. Coline collecte quotidiennement des matériaux dont elle va s’entourer afin de s’en imprégner. La spontanéité va ensuite s’allier au temps et laisser place à l’expérimentation, à la confrontation des matières. L’artiste observe alors les interactions qui s’opèrent entre elles afin d’extraire la poésie de leur complexité, et de trouver le souffle qui leur redonnera vie.

Dans l’espace, les sculptures adoptent une posture fière malgré une fragilité tangible. Leur apparence souvent massive révèle un rapport sensible au défi de l’espace. C’est une préoccupation que l’on peut retrouver dans le travail de Jessica Stockholder, Phyllida Barlow, Katharina Grosse. Ces vanités interrogent inconditionnellement, autant l’artiste que le spectateur, sur l’usage de notre corps face aux réalités virtuelles qui nous absorbent. Enfin, les titres nous ramènent avec fraîcheur et humour à la simplicité.

Léa Bénétou étudie notre environnement, plus précisément notre habitat. Son regard se pose sur les architectures qui composent nos déambulations, notre quotidien. S’organisent des répertoires de formes qui deviennent la source de petites éditions DoItYourself de qualité. Chaque projet est une suite de réalisations. Nous suivons alors les pistes de l’artiste qui étudie dans ses dessins les structures et squelettes, de nos foyers, de nos infrastructures. Des récurrences peuvent ainsi établir de nouvelles normes plastiques : le choix des matériaux place les problématiques de l’artiste et révèle avec humour une démarche plastique soucieuse de l’expérimentation et de l’observation.

L’étude d’une structure, quelle qu’elle soit, demande une analyse des étapes qui formeront ses caractéristiques. Au delà de l’architecture, une part de psychologie environnementale se dresse dans ses installations. Ces dessins et carnets sont des indices formels de réflexions, leur mise en espace dévoile les interrelations de l’individu et de son environnement. Ce parallèle entre les étapes de construction et de transformation d’un milieu et de ses habitants sont des questionnements liés à l’urbanisme apparus dès les années 50 avec la reconstruction massive des logements après-guerre. Arrivent massivement zones pavillonnaires, tours et barres. Se pose la question de l’espace vital, des éléments qui le constituent et forgent nos comportements. Léa Bénétou met en exergue l’impact de ces constructions modernes — ces ensembles bâtis devenus notre cadre naturel — sur notre perception spatiale et temporelle.

Le travail de Léa Bénétou est représenté par la galerie des petits carreaux qui lui consacrera un solo show à la prochaine foire internationale Art Paris au Grand Palais, du 26 au 29 mars 2015.