Pintoras, escultoras y diseñadoras

Fue conocida por sus retratos, paisajes y bodegones.

Nació en Melbourne, Victoria, Australia. Sus padres fueron Emma Wright y John S. Jenkins; su padre era de ascendencia escocesa. Fue la menor de seis hermanos y comenzó a estudiar arte seriamente a los 15 años.

Macky asistió a la Escuela de Arte de la Galería Nacional de Victoria (anteriormente Escuela de Pintura de la Galería Nacional), de 1900 a 1908 y expuso por primera vez su obra de 1907, Friendly Critics (actualmente en la NGV), junto con otras cuatro pinturas, en la Exposición Australiana de Obras de Mujeres. La pintura le valió la beca de viaje de la NGV, lo que le permitió estudiar en la Académie Julian de París durante 1909.

En 1912, Jenkins se casó con Eric Spencer Macky en Berkeley en California. Tuvieron dos hijos, entre ellos Donald Spencer Macky, quien también fue artista. En 1915, los Macky participaron en la Exposición Internacional Panamá-Pacífico, creando paneles decorativos para los pabellones de Australia y Nueva Zelanda.

Constance Jenkins Macky y su esposo fundaron la Escuela de Arte Spencer Macky en San Francisco en 1916. La primera sede de la escuela estaba en Post Street, cerca de Gough Street, en un edificio que albergaba a muchos otros artistas notables, entre ellos Leo Lentelli , Clark Hobart , William Claussen, Louise Mahoney, Florence Lundberg , Sigmund Beel y George Hyde.

La escuela era popular y se trasladó a un espacio más grande en el "Edificio de Artistas" en 535 Sacramento Street en San Francisco. En 1917, la Escuela de Arte Spencer Macky se fusionó con la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA; ahora conocida como el Instituto de Arte de San Francisco). Después de la fusión, continuó impartiendo clases en la CSFA.

Fue miembro de la Asociación de Arte de San Francisco y de la Sociedad de Mujeres Artistas de California.

Macky falleció en San Francisco. Está enterrada en el cementerio Sunset View en El Cerrito , California.

La obra de Macky forma parte de colecciones públicas, entre ellas la Galería Nacional de Victoria, la Biblioteca Nacional de Australia, y otras.

Le ponemos cara.

Era hija de Meaburn Talbot Tatham y Susan Clara Miers. Fue la cuarta de los cinco hijos de la familia Tatham y creció en Northcourt House, Abingdon, al sur de Inglaterra. En la familia, siempre la llamaron "Widdy".

En marzo de 1901, Agnes residió durante un tiempo en Eden Cottage.

Agnes estudió arte en la Escuela de Arte Byam Shaw. En la Escuela Byam Shaw, Agnes entabló amistad con Eleanor Fortescue Brickdale (1872-1945) , profesora de la escuela, cuya principal responsabilidad era la acuarela. Eleanor fue una reconocida acuarelista desde 1901, presente en exposiciones anuales, en el sector comercial y en la prensa ilustrada, y fue identificada como una prerrafaelita de la tercera ola.

Eleanor Fortescue Brickdale prestó especial ayuda a la Escuela Byam Shaw tras la inesperada muerte del propio Shaw en 1919, retomando algunas de sus antiguas tareas a pesar de sus enormes compromisos profesionales, que incluían vidrieras, pinturas, retablos, acuarelas y libros ilustrados.

A finales de la década de 1920, Fortescue-Brickdale solía visitar la casa de la familia Tatham, Northcourt House, cerca de Abingdon, y cuando en 1929 Agnes se instaló en Holland Park Road, cerca del estudio de Fortescue-Brickdale, su amistad se afianzó. Agnes vivió en Holland Park Road, Kensington, hasta 1939. Durante este periodo, fue huésped de pago en la casa de las hermanas Fortescue-Brickdale en Kensington.

Durante los años de la guerra, cuando Eleanor ya gozaba de mala salud, encontró refugio del caos de Londres en la casa de los Tatham, Northcourt House, cerca de Abingdon.

La perdurabilidad de la amistad entre Agnes Clara Tatham y Eleanor Fortescue Brickdale queda patente en el hecho de que Agnes poseyera el retrato de su maestra pintado en 1914 por otra miembro de su círculo artístico, ME (Dreda) Gray, y en el legado que Fortescue-Brickdale dejó a Agnes en su testamento: el caballete de artista, que una vez perteneció a Byam Shaw.

Agnes también estudió en la Escuela de Arte Vicat Cole y en las Escuelas de la Real Academia de las Artes (RA). En estas últimas, recibió varios premios artísticos y reconocimientos por sus pinturas.

Trabajaba principalmente con óleo y témpera, y sus pinturas se han expuesto ampliamente. Además de pintar, también trabajó como ilustradora en varios libros infantiles.

Hacia 1950 se mudó al número 77 de Bedford Gardens, en Kensington, donde vivió hasta 1970. Junto con Elsie Gledstanes y Alice Burton, abrió una nueva escuela de arte llamada Unique School for Children's Art en Londres.

Regresó a Northcourt House en 1970 y vivió allí hasta su muerte el 13 de septiembre de 1972.

Le ponemos cara. La joven Agnes, de Byam Shaw, 1915.

Nació en Stowford House en Bideford Strand, hija de Charles Kingsley Ackland, un conocido médico de Bideford, Devon.

Judith Ackland pasó toda su vida en Bideford, donde cursó sus estudios primarios y secundarios en la Escuela de Arte de Bideford, de la que han surgido muchos otros artistas e ilustradores talentosos y famosos.

Hay poca información sobre la época formativa de Judith o su paso por el Regent Street Polytechnic. Sabemos que se alojó en Londres durante sus estudios y que recibió clases de dibujo, ilustración, grabado y acuarela. Su estancia allí fue relativamente corta, ya que regresó a casa para cuidar a su hermana menor, Madeline, que se encontraba convaleciente y falleció poco después.

Estudió arte en la Escuela de Arte de Bideford y luego se trasladó al Regent Street Polytechnic (ahora parte de la Universidad de Westminster ) donde conoció a su compañera de estudios Mary Stella Edwards. Se enamoraron y se convirtieron en pareja de vida y utilizaron una pequeña cabaña, una antigua tienda de pescadores, que data de mediados del siglo XIX, en Bucks Mills como su estudio desde 1924 hasta la muerte de Ackland en 1971. La cabaña había sido alquilada inicialmente por la madre de Ackland en 1913; Ackland reemplazó a su madre como inquilina en 1938 y compró la cabaña en 1948.

Judith Ackland viajó en varias ocasiones con Mary Stella Edwards para realizar excursiones de dibujo y pintura, principalmente antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Ackland pintaba acuarelas, principalmente de la costa y el campo de los alrededores de Bideford, pero también viajaba y trabajaba extensamente.

Junto con Edwards, produjo dioramas; Ackland hizo todos los modelos (inventó un método llamado "Jackanda" para hacerlos), y Edwards pintó los fondos.

La ciudad de Windsor encargó estos dioramas para celebrar momentos importantes de su historia, incluyendo una pieza a gran escala que muestra escenas de las celebraciones del Jubileo de Oro de Jorge III en 1809 con figuras de la familia real cuyos retratos se basan en pinturas de la Colección Real. Los dioramas se encuentran ahora en el Museo Comunitario de Windsor.

Le ponemos cara.

Nació en Hampstead, hija de Robert Cromwell Edwards, un arquitecto.

Estudió arte en el Royal College of Art y en el Regent Street Polytechnic (ahora parte de la Universidad de Westminster ), donde conoció a su compañera de estudios Judith Ackland.

Se convirtieron en compañeras de vida y utilizaron una pequeña cabaña, una antigua tienda de pescadores, que data de mediados del siglo XIX, en Bucks Mills como su estudio desde 1924 hasta la muerte de Ackland en 1971.

Junto con Ackland, Edwards produjo dioramas, Ackland hizo todos los modelos (inventó un método llamado "Jackanda" para hacerlos), y Edwards pintó sus fondos. La ciudad de Windsor encargó estos dioramas para celebrar la historia de la ciudad, y ahora se encuentran en el Museo del Municipio de Windsor y Royal.

También fue poeta y publicó varios volúmenes a lo largo de su vida. Publicó su primer libro de poesía, Time and Chance, en 1926.

También publicó poesía entre 1962 y 1964 en Literary Criticism Teaching.

En 1968 publicó A Truce with Time y en 1978 Before and After, con poemas en memoria de su difunta compañera, Judith Ackland.

Eran dos mujeres del siglo pasado que se amaron durante décadas. Construyeron juntas una vida creativa y, desde finales de la década de 1940, también vivieron juntas.

Edwards también ilustró libros, principalmente infantiles, pintó o dibujó el frontispicio y diseñó las sobrecubiertas.

Además, diseñó —junto con Nina Hamnett , entre otros— un sobre para la revista literaria Coterie , en la que Sitwell, Huxley, Eliot y otros publicaron textos; los críticos consideraron que la portada recordaba demasiado a Beardsley.

Las portadas de libros que Edwards ilustró entre 1922 y 1938 incluyen ilustraciones para autores como Douglas Jerrold , la condesa Barcynska , Henryk Sienkiewicz y otros .

Al morir su pareja se mudó a vivir con su familia en Staines. Falleció en 1989.

Mary Stella Edwards donó una colección de su propia obra y la de Ackland, que datan de 1913 y 1965, a la Galería de Arte y Museo Burton en Bideford. Otras obras de Ackland y Edwards se encuentran en el Museo Victoria y Alberto, el Museo de Londres, Amgueddfa Cymru – Museo de Gales y la Galería de Arte Abbot Hall en Kendal, Westmorland.

Le ponemos cara. El matrimonio de Boston (pareja lésbica) de Judith Ackland y Mary Stella Edwards.

Martha Caroline “Tupsy” Clement, de soltera, Jebe. Nació en Trondheim.

Era hija del mayor Hakon Jebe y su esposa Hedvig Klingenberg.

Tupsy Clement comenzó su formación artística formal en Noruega, donde estudió con el renombrado pintor realista Hans Heyerdahl en Oslo en 1896. Heyerdahl, una figura destacada del arte noruego, ya había reconocido su talento seis años antes con un retrato que le pintó en 1890, en el que la joven artista tenía 19 años y que ponía de manifiesto su temprana promesa en el retrato y el estudio de la figura humana.

Posteriormente, continuó su formación en Alemania, donde estudió con Christoph Roth en Múnich durante el invierno de 1897 y entre 1898 y 1899. Roth, un respetado profesor de la Academia de Múnich, hizo hincapié en la destreza técnica en el dibujo y la pintura, lo que ayudó a Clement a perfeccionar sus habilidades en composición y aplicación del color durante este período formativo.

Clement también estudió en el Atelier Delecluse de París durante cuatro meses en 1896, seguido de estudios adicionales en París y Roma entre 1897 y 1905. Esta exposición a las influencias impresionistas y postimpresionistas, así como a la herencia clásica italiana, amplió su repertorio estilístico, centrándose en el paisaje y la pintura de género. Estos periodos le proporcionaron una perspectiva europea diversa, que abarca tanto la etapa prematrimonial como la postmatrimonial tras su matrimonio.

Más tarde continuó su formación en Múnich (1898-1899), París e Italia. Allí conocería a su marido, el pintor danés, Gad Frederik Clement, con el que se casó en Roma en 1902.

Esta unión marcó un cambio fundamental, ya que Tupsy, una artista noruega formada en academias escandinavas y europeas, se trasladó de Italia a Dinamarca con su marido.

Ambos estaban en el famoso grupo de los pintores de Skangen, colonia artística que se estableció al norte de Jutlandia.

Entre sus cuadros, destacan los completados en Skagen donde pasó los veranos de 1908 a 1920, en compañía de otros pintores como Laurits Tuxen o Viggo Johansen, el famoso grupo de los pintores de Skagen.

Posteriormente se estableció en Dinamarca. Además de retratos, Tupsy pintó flores, exteriores y paisajes.

Su pintura Dos niñas jugando en la playa de Skagen perteneció al rey Christian X , quien pasaba sus veranos en Klitgaarden, en Skagen.

Muchas de sus obras muestran la influencia de su esposo, pero su representación de la luz solar en sus paisajes también parece estar inspirada en Theodor Philipsen.

A partir de 1920, la pareja pasó la mayor parte de sus veranos en Italia.

Clement participó varias veces en la Exposición de Otoño , en 1896, 1899, 1900, 1906 y 1909. También participó en la Exposición de Otoño de Copenhague en 1907 y 1909.

GF Clement falleció en Copenhague en 1933, dejando a Tupsy viuda durante los 26 años restantes de su vida, hasta su propia muerte en 1959. Durante este período de viudez, Tupsy continuó su trabajo artístico independiente, aunque las consecuencias inmediatas de la muerte de su esposo redirigieron su enfoque hacia paisajes personales y retratos sin la dinámica de asociación previa.

Murió en Copenhague.

Sus obras se conservan en colecciones como el Museo de Skagen, el Museo de Arte de Trondheim y el Museo Munch, y existe un creciente interés académico en las artistas noruego-danesas de la escuela de Skagen, lo que contribuye a una reevaluación gradual de sus contribuciones.

Le ponemos cara, en este cuadro de su marido, junto a sus dos hijas, Bitten, nacida en 1912 y Lillemor, nacida en 1909.

Según otras fuentes el matrimonio no tuvo hijos 🤷🏻‍♀️ seguramente se refiere a hijos varones.

Y aquí, sola. Retratada también por su marido.

Fue una artista e investigadora costumbrista dedicada ya a retratar, ya recuperar el conocimiento de las culturas quechuas chuquisaqueñas.

Sin embargo, a pesar de haber dominado ambos ámbitos, actualmente es excluida de la historia oficial de esa población.

Nació en Sucre. Doña Fifina, como la recuerdan en Sucre, fue una mujer particular. Jamás se casó ni tuvo hijos.

Se hizo valer por sí misma,distinguiéndose porque su talento y su inquietud por el arte y por la cultura le permitieron salir de espacios íntimos y cotidianos designados a las mujeres para incursionar en espacios no cotidianos que en ese tiempo pertenecían al entorno masculino, como la investigación de la fiesta. Sus registros etnográficos, porque, sus pinturas y hasta su personalidad rebasaron las construcciones de género establecidas en la sociedad chuquisaqueña del siglo pasado.

Ella fue una mujer que contradijo el orden de lo femenino. Su obra permanece casi en el anonimato.

Las memorias construidas en torno a esta talentosa y valiente mujer se recuerdan solamente entre sus amistades, pues ni siquiera tuvo una extensa familia –lo que explica que haya muerto en un asilo– que se encargara de preservar y de difundir su legado.

Joséfina Reynolds nació y murío en la ciudad de Sucre (Bolivia). Su familia

cendía de los insignes poetas María Josefa Mujía y Gregorio Reynolds Ipiña.

Tanto ella como su hermaná Isabel admiraba mucho a María Josefa, lapoeta ciega. Por eso Isabel donó parte de su casona, ubicada en la calle Grau, al Instituto Boliviano de la Ceguera, que hasta hoy funciona en el mismo lugar.

Al igual que Mujía, ambas hermanas permanecieron solteras y vivieron juntas hasta la muerte de Isabel.

Más que la poesía, a Joséfina le interesaba el mundo indígena. Por eso lo retrató y lo investigó, llegando a publicar varios artículos y dos libros: Semblanza

de una vida en la oscuridad(Reynolds, 1990), obra que aborda e ilustra tradiciones y leyendas chuquisaqueñas, recopiladas por el tradicionista ciego Benigno Rivera; yChe'llque mayu, mito y tradición (Reynolds, 2009), en el que describe el culto a la Virgen petrea venerada en la hacienda de Chellquemayu, en Arabate, provincia Oropeza delpartemento de Chuquisaca.

Joséfina también fue pintora, ceramista, maestra de dibujo y de pintura, secretaría de la Normal de Maestros de Sucre y socia de un anticuario.

Hablaba perfectamente el quechua. Se interesó por la investigación cultural, habiendo por ello escrito notas de prensa, artículos en revistas y los dos libros citados, además de realizar algunos sonomontajes y programas de televisión.

Casi toda su obra fue producida en Chuquisaca.

Josefina comenzó a estudiar en la escuela del Ateneo de Bellas Artes cuando era joven, debido a que su tía Rosa Ipiña Mujía fue colaboradora de ese espacio.

En 1945, Joséfina continuó sus estudios en la Universidad Tomás Frías de la ciudad de Potosí, junto al maestro Teófilo Loaiza, llegando a obtener un primer premio en esta Academia de Bellas Artes.

Reynolds está catalogada como indigenista, aunque en el periodo prerrevolucionario, cuando inició su carrera artística, más que el discurso indigenista, en el arte estuvo en boga el telurismo, que plantea la determinación cultural del paisaje.

Joséfina fue profesora de pintura en la Escuela devArtes Plásticas “Zacarías Benavides” dependiente de la Universidad San Francisco Xavier. También trabajó como profesora particular e incluso dio clases a los adultos mayores durante su estadía en el Hogar Mercedes. Ella dedicó su vida más a la enseñanza de la pintura que a ser pintora.

En la actualidad la mayoría de las pinturas de Josefina se conservan en colecciones privadas.

Le ponemos cara.

Nació en San Juan, Argentina.

De padre chileno y madre argentina, fue criada entre ambos países. Estudió Humanidades y francés en la Universidad de Chile en Santiago.

En 1946 ingresó a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile donde fue alumna de Pablo Burchard, Jorge Caballero, Israel Roa y Alfredo Aliaga. Se graduó en 1952.

Recibió lecciones de pintura en forma particular del artista Pedro Reszka hasta el año 1962. En la Escuela de Artes Aplicadas tuvo por maestros a José Perotti y Marcos Bontá.

Fue miembro del Taller Artes Visuales TAV.

En 1966 fue Segunda Medalla en Grabado, Segundo Salón Oficial, Sociedad de Artistas de Valparaíso, Chile.

En 1974 recibió la Mención Honrosa en Grabado, Salón Facultad de Bellas Artes del Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile.

Falleció en Santiago.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Estudió en la Académie Julian de París a principios del siglo XX.

Expuso su obra en Vilna y Varsovia y fue miembro de la Sociedad para el Fomento de las Bellas Artes de Varsovia desde 1925.

Su estilo artístico se caracterizó por imágenes románticas de mujeres en pasteles y acuarelas, con líneas fluidas y colores sutiles, influenciadas por el Art Nouveau y Franciszek Żmurko.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Nació en Cracovia. Hija de Wawrzyniec Bujański que era industrial y comerciante (dueño de un estanco) y de Zofia Emma.

Fue una de las primeras estudiantes de la Academia de Bellas Artes de Cracovia.

Asistió a los Cursos Superiores para Mujeres de Adrian Baraniecki en Cracovia. Tomó clases de pintura y dibujo en Múnich (1915-1916) y con el profesor Hoffmann en Viena.

En Múnich conoció al pintor Roman Kochanowski , quien le dio consejos y la introdujo en el círculo de Stanisław Przybyszewski.

En 1919 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, donde estudió durante cuatro semestres en el taller del profesor Teodor Axentowicz.

Su esposo fue Antoni Feill, con quien se casó antes de ingresar a la Academia de Cracovia. Sin embargo, nunca decidió tener hijos.

Realizó viajes artísticos a París, Praga, Dresde, Budapest e Italia.

Fue miembro de la Asociación de Artistas Visuales Polacos (desde 1935).

En 1944, los alemanes incendiaron su casa en el distrito de Rasiki de Wola Zręczycka, donde vivía con su esposo. Su obra artística, creada antes de la guerra, sobrevivió, preservada por los descendientes de la familia Feill.

Después de la Segunda Guerra Mundial, trabajó como profesora contratada en el Centro Estatal de Cultura Visual de Cracovia, y más tarde fue empleada por la Cooperativa ZPAP de Cracovia. Durante la guerra, trabajó con Halina Miączyńska en el Café de Artistas de Cracovia. Desde 1955, vivió con su esposo en Zakopane .

Pintó paisajes, bodegones y flores, principalmente acuarelas. También creó obras al óleo. Realizó grabados, artes aplicadas y dibujos. Expuso en Cracovia, Katowice, Breslavia y Poznań .

Murió sin hijos a causa de un cáncer. Fue enterrada en el cementerio de Rakowicki en Cracovia.

En Wola Zręczycka se encuentra la casa señorial Feill , donde se puede ver la exposición permanente "Stefania Feill. Patrimonio revivido".

Le ponemos cara.

Pintora de retratos y paisajes, principalmente en acuarela.

Nació en Stourbridge, Worcestershire. Fradgley expuso en St. Ives tras mudarse allí en 1923 desde Burford, en Oxfordshire.

Se mudó de Burford (Oxford) a St Ives en 1923, y vivió en el número 7 de Albany Terrace.

Parece ser que abandonó la ciudad en 1931. Las direcciones que figuraban para sus exposiciones durante los años siguientes eran varios hoteles del país, y luego Southampton en 1936. Finalmente, se estableció en Chilbolton, Hampshire, en 1938.

Se estableció en Chilbolton, Hampshire, en 1938, donde vivió hasta su muerte en 1942

Lee nació en 1884 en Lahore , que entonces formaba parte de la India. Su padre, John Bridges Lee, era abogado en los Tribunales Superiores de Calcuta , Allahabad y Lahore, y su madre era artista. Su madre falleció cuando ella tenía siete años y fue enviada a estudiar a Inglaterra; su padre tuvo entonces problemas económicos que la obligaron a dejar la escuela a los 15 años. Comenzó a ganarse la vida pintando, copiando obras de grandes maestros en marfil para tapas de tabaqueras, y estudiaba por las noches en la Escuela de Arte de Lambeth .

Lee se casó con el ingeniero y arquitecto Sir Philip Sidney Stott (1858-1937) el 2 de enero de 1936, y a partir de entonces fue Lady Stott. Continuó manteniendo un estudio en Londres después de su matrimonio.

Los retratos de Lee de dignatarios cívicos y de otra índole se conservan en varias colecciones públicas. Su Henry Tyler cuelga en el Royal London Hospital for Integrated Medicine , sucesor del London Homeopathic Hospital del que fue benefactor, mientras que su obra descrita como Charles Leonard Arnold (1885–1969), inventor del enchufe de seguridad de tres pines, presidente y fundador de MK Electric Ltd se conserva en la Universidad de Bristol , donada por la nieta del retratado. En 1972 donó una colección de sus miniaturas y obras de tamaño natural al Nuneaton Museum & Art Gallery .

Lee fue miembro de pleno derecho de la Royal Miniature Society y su Retrato de mi padre se exhibe en la Colección de Diplomas de la sociedad. También expuso en la Walker Art Gallery de Liverpool y con la Society of Women Artists y la Society of Miniaturists, en la Royal Academy , la Royal Scottish Academy y en el Salón de París , donde recibió una Mención Honorífica en 1950. Entre los retratados se encontraban Sir Jeremiah Colman, Lord Burnham , Lord Cornwallis y el conde Manvers .

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Baker nació en el distrito de St Pancras de Londres, hija de Sarah Jane Rudman y Joseph Baker, un trabajador de almacén y posteriormente fabricante de ropa, quienes juntos tuvieron nueve hijos. 

 Se educó en el Queen's College y luego estudió en la St John's Wood Art School antes de ingresar a las Royal Academy Schools.

 Allí, Baker ganó un premio de artes gráficas y una medalla de plata por composición en color. 

Durante su carrera, Baker pintó retratos al óleo y acuarelas, y también creó bodegones, paisajes y piezas decorativas.

 Entre 1916 y 1947, expuso regularmente obras en la Royal Academy de Londres. Entre 1917 y 1969, Baker expuso un total de 103 obras con la Society of Women Artists y fue elegida miembro de la sociedad en 1931. También expuso obras en Liverpool, Estocolmo y Nueva York.

 Baker vivió en Londres durante toda su vida, en Tavistock Square , luego en Finchley y finalmente en Barnet . 

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Dahlia Déa Rossas nació en Vila do Pinheiro, casualmente el mismo año que la Semana de Arte Moderno de São Paulo, durante un período de reflexión sobre el sufragio femenino y la igualdad de género (BARBOSA, 2020). Hija de Dahlia Vieira Rossas y Joaquim Rossas Filho, sus padres se mudaron entre Ceará y Pará, algo común a principios del siglo XX. Siendo la menor de los hijos del matrimonio Rossas, Dahlia tuvo acceso al mundo del arte desde muy temprana edad, probablemente debido a la preocupación de sus padres por su educación. Se movía en los círculos artísticos de las décadas de 1930 y 1940 en Belém, y su nombre aparecía en la mayoría de los catálogos y entradas de los Salones Oficiales.

Siendo la menor de los hijos del matrimonio Rossas, Dahlia tuvo acceso al mundo del arte desde muy temprana edad, probablemente debido a la preocupación de sus padres por su educación. Se movía en los círculos artísticos de las décadas de 1930 y 1940 en Belém, y su nombre aparece en la mayoría de los catálogos y entradas de los Salones Oficiales.

En 1938, a los 16 años, participó en la Exposición del Quincuagésimo Aniversario de la Abolición en el salón principal de la Biblioteca Pública y Archivo de Pará. Ese año, otras pintoras también expusieron su obra, como Antonieta Santos Feio, Annita Teixeira y Laura Acatauassú Nunes. En los años siguientes, otras artistas se reunieron en salones de arte: Alba Maranhão (1er Salón), Ester Martins da Costa (1er Salón), Evalda Xavier Falcão (1er Salón), Beatriz Monteiro (1er Salón), Julia Azulai (1er Salón), Marina Proença (1er Salón), Maria de Lourdes AcatauassúNunes (1er y 2do Salones), Ruth Lisboa Alves de Sousa (3er Salón), Helena Jesus Lambert (3er Salón) Salón), Maria Nazaré Figueiredo (3º Salón), Graciema Cruzeiro (3º Salón), Anne Marie Ursule Guidi (5º Salón), Celma Maria de Almeida (5º Salón), Ana Nogueira Ferraz (5º Salón), Irene Teixeira de Azevedo (5º y 8º Salones), Carmen Sousa (participó en el 1º, 2º, 3º, 5º y 8º Salones), Lidia Nelson (8º Salón), Maria lucía Feio Marques (1.º, 3.º y 8.º Salón) y Beatriz Santos (8.º Salón). Sin embargo, fuentes ajenas a los catálogos no ofrecen información sobre la trayectoria profesional de estas mujeres, con la excepción de Antonieta Santos Feio y Carmen Sousa.

Entre las pintoras y escultoras que expusieron su obra, Dahlia Déa fue la más mencionada en los catálogos. Presentó sus trabajos, incluyendo retratos, bodegones y paisajes, en los Salones Oficiales de Bellas Artes entre 1940 y 1947. A pesar de la reiterada mención de su nombre en trabajos académicos, existen pocas fuentes disponibles sobre su trayectoria y vida personal. Por lo tanto, es necesario redoblar los esfuerzos para que los investigadores puedan superar las numerosas lagunas en las colecciones sobre mujeres relegadas a un papel secundario en la historia. La omisión de fuentes sobre artistas mujeres es crucial para comprender las dificultades de la investigación de género en la historia del arte .

Los salones de arte y las exposiciones colectivas celebradas en todo Brasil constituían la principal oportunidad para que los artistas exhibieran sus obras. Aun con la gran cantidad de mujeres que se incorporaron al ámbito artístico, la permanencia de sus nombres entre las obras recordadas es secundaria. Por lo tanto, es necesario investigar la vida de esta mujer, quien fue tan prominente en un período relativamente reciente de la historia del arte en Belém. Los documentos disponibles a los que tuve acceso se refieren al nombre de su padre y a las partidas de nacimiento de sus hermanos. En consecuencia, la bibliografía centrada en el mundo artístico representado por mujeres constituye la base para comprender la falta de fuentes sobre su trayectoria, en un intento por responder preguntas sobre la invisibilización de las mujeres en el mundo del arte.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Nació en la Rua dos Oleiros, en la parroquia y municipio de Tomar. Era hija única del terrateniente y agricultor Diniz de Mello e Castro Esteves de Brito, natural de la parroquia y municipio de Figueiró dos Vinhos , y de Maria Adelinda Delgado Campeão, ama de casa, natural de la parroquia y municipio de Tomar, descendiente de una familia de nobleza rural originaria de Alpedrinha y se instaló en Tomar.

Se casó el 16 de agosto de 1937, en la capilla de Quinta das Avessadas, en Tomar, propiedad de su familia, con el cirujano gastroenterólogo Guilherme Pinto Rodrigues da Costa (Alvellos), natural de Porto (parroquia de Cedofeita ), hijo del vizconde de Alvellos . Guilherme Pinto Rodrigues da Costa falleció en 1964, en la parroquia de Santa Isabel, en Lisboa.

Fue una pintora portuguesa del siglo XX cuya obra se inscribe dentro de la corriente estética del naturalismo.

Fue discípula de José Malhoa desde 1921 hasta la muerte del pintor. La obra de María de Lourdes destaca por sus pinturas de género, paisajes y retratos, así como por su uso de la técnica del pastel.

Nuno Saldanha escribe que « es precisamente en el género donde se encarna la esencia de la originalidad de la pintura de María de Lourdes, a pesar de que, como hemos visto, algunos críticos no la comprendieron en su momento.

A través de su propia visión, en la expresión de las poses características de su entorno social, aristocrático y rural, en constantes representaciones de la vida cotidiana, la pintura se convierte en una especie de “diario visual” de su mundo femenino, de emociones, confidencias y relaciones sociales que, en cierto modo, resulta particularmente innovadora en el panorama de la pintura portuguesa del siglo XX » .

Murió en Santa Isabel, Lisboa.

El 10 de junio de 1991, se le otorgó el rango de Comendadora de la Orden del Príncipe Enrique el Navegante.

El Ayuntamiento de Tomar honró a la pintora nombrando una avenida en su honor, mientras que el Ayuntamiento de Lisboa nombró una calle en su honor.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Nació en Châtillon-sur-Seine. Lucie Jeanne "Marguerite" Cornillac era hija de un banquero; su madre regentaba un salón de belleza en Lyon.

Marguerite Cornillac, conocida como Maleck, fue pintora y alumna de Jean Scohy , François Vernay y Pierre Puvis de Chavannes , al igual que Jacques Martin (pintor) .

En 1885, expuso en el Salón de Lyon. En 1888, se sintió muy decepcionada al descubrir que uno de sus cuadros seleccionados no había sido expuesto.

Decidió mudarse a París. Animada por Puvis de Chavanes, quien había visto un Cristo monumental pintado en 1889, perseveró en la pintura decorativa de gran formato.

En el Salón del Campo de Marte expuso una gran composición que fue adquirida en 1891 para decorar el anfiteatro Laprade de la facultad de medicina (actualmente Universidad Lyon 2 ).

Diseñó siete grandes paneles decorativos que ilustran escenas de la historia municipal de Lyon, para la Sala del Consejo en el Ayuntamiento de Lyon (1901-1908).

Ayuntamiento de Lyon - Salón del Consejo - La libertad trae los derechos humanos (Marguerite Cornillac)

Creó obras para varias iglesias de la región de Ardèche.

Fue amiga de Marius Mermillon y Pierre Bonnard .

Fue una de las modelos favoritas de Auguste Renoir . Entre sus clientes figuraban Jeanne Bourgeois, conocida como Mistinguett , y el Moulin Rouge.

En 1905, se casó con el pintor Albert André . La pareja, que vivía en el Boulevard Rochechouart, recibía a compositores, críticos de arte y pintores, como Claude Monet y Camille Pissarro o George Besson .

Maleck contrató a Jacqueline Bretegnier, una joven nacida en 1904 en Belfort, para que confeccionara el vestuario teatral. Jacqueline acabaría trabajando con la pareja durante treinta años, convirtiéndose en la musa de Albert André y su hija adoptiva.

Murió en París.

Le ponemos cara. Retrato realizado por Jacques Martin en 1904.

En estos cuadros de Albert André no se si la modelo es Marguerite o Jacqueline Bretegnier.

Nació en Mendrisio. Valeria era hija de Dr. Carlo Pasta, consejero nacional e impulsor, entre otros proyectos, del ferrocarril y la hostelería en Monte Generoso. Su tío era Bernardino Pasta, un renombrado pintor perteneciente al círculo del Induno.

Asistió a la Academia de Brera. Durante sus estudios, Valeria demostró una notable dedicación, obteniendo premios y reconocimientos, y continuó su formación bajo la tutela de Sebastiano De Albertis y Bartolomeo Giuliano.

Fue una de las pocas pintoras del cantón de Ticino. Su obra era escasa y, además, solía permanecer en el ámbito familiar. Por este motivo, también, a menudo caen en el olvido.

Valeria, entre cuyos maestros figuraban Bartolomeo Giuliano y Sebastiano De Albertis, fue una de las pocas jóvenes que asistieron a la Academia de Brera en Milán. Allí recibió premios y reconocimientos, mientras que en su país, la Gazzetta ticinese la elogiaba como una "excelente joven artista", recordando una pintura alegórica que creó para el Carnaval de Mendrisio.

Sin embargo, su matrimonio con un alto cargo del ejército italiano , Enrico Morelli, y el nacimiento de su hijo Valerio relegaron y frenaron sus ambiciones, confinándola al ámbito doméstico, el único considerado apropiado para una mujer de su posición.

Su actividad se ciñó al ámbito doméstico, impidiéndole participar en exposiciones o vender sus obras.

El estudio de la figura humana y el retrato constituyen el eje central de su trabajo, ajenos a los géneros del paisaje y la naturaleza muerta floral, que normalmente eran las preferencias del mundo femenino.

Valeria Pasta Morelli también experimentó con otros campos de la creatividad artística, como la pintura sobre cerámica

Murió en Milán.

Le ponemos cara.

Nació en Praga, en lo que hoy es la República Checa. Estudió en Praga en la Escuela de Dibujo de Emil Reynièr en 1892. Continuó sus estudios en Dresde, Alemania y luego en la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde uno de sus maestros fue Maximilian Dasio.

Utilizó el seudónimo de A. Holanová. Estudió de forma privada con Karel Javůrek, en la Real Escuela General de Dibujo de Praga con Emil Reynier y tomó cursos con Gustave Courtois. En 1891 fue a París para estudiar en la Académie Colarossi.

Emingerová empezó ganándose la vida como profesora de dibujo. Luego comenzó a vender los retratos que hacía (principalmente en pastel) de miembros de la clase alta en Austria-Hungría, Bohemia, Alemania, Moravia, Polonia y Rusia.

Emingerová también realizó numerosos grabados, así como algunas esculturas.

Murió el 4 de agosto de 1943 en Praga. Una de sus hermanas, Kateřina Emingerová, fue también una destacada música y escritora.

Su obra se caracterizó por la técnica del pastel, especialmente en sus inicios. Formó parte de la generación fundadora del arte gráfico checo moderno. Se dedicó al retrato, en particular de mujeres de la nobleza, artistas, músicos, escritores y niños. También participó activamente en causas sociales y su obra incluyó pequeños paisajes que reflejaban las tendencias contemporáneas, como el impresionismo y el art nouveau.

Helena Emingerová vivió en varios países europeos, entre ellos Bohemia, Polonia, Austria, Hungría, Francia, Alemania y Rusia. Sus retratos eran muy apreciados por su sensibilidad y por capturar los sentimientos más profundos de las personas retratadas. Además de su obra pictórica, también ilustró proverbios y refranes nacionales, así como libros de texto y otros libros.

Helena Emingerová fue miembro de varias asociaciones artísticas, entre ellas la Asociación de Artistas Plásticos de Mánes, la Unión de Artistas Plásticos, la Asociación Hollar de Artistas Gráficos Checos y el Círculo de Artistas Plásticos. Su obra forma parte de diversas colecciones, como el Memorial Nacional de Literatura, y en 2022, parte de su legado fue subastado por la casa de subastas OriginalArte de Praga.

Falleció el 4 de agosto de 1943 en Praga.

Le ponemos cara con su Autorretrato.