Les MonumentalEs

Elisabeth Jacquet de la Guerre est la première compositrice française connue. Chose très rare pour l’époque, elle a eu l’opportunité de publier ses œuvres qui ont ainsi pu nous parvenir et la faire entrer dans la postérité. 

Son milieu familial la fait baigner dès le plus jeune âge dans la musique. Son père, lui-même issu d’une famille de musiciens reconnus, est facteur de clavecins et organiste à l'église Saint-Louis de Paris. Il est aussi professeur de musique et contribue à l’éducation de ses quatre enfants qui se lancent tous et toutes dans une carrière musicale. 

Claveciniste de talent, Elisabeth est présentée dès l'âge de cinq ans à Louis XIV qui, amateur de prodiges, se montre impressionné par la virtuosité de l’enfant. Adolescente, elle est attachée pendant trois ou quatre ans à la personne de Madame de Montespan pour le plaisir musical de la favorite du roi. 

Après son mariage à 19 ans avec Marin de la Guerre, lui-même musicien, Elisabeth est contrainte de rentrer à Paris. La capitale est certes le siège d’institutions musicales de renom mais se trouve loin de la cour. 

Elle n’abandonne pas pour autant sa carrière, à une époque où les femmes musiciennes sont pourtant souvent cantonnées à l’amateurisme. Bien au contraire, elle utilise à bon escient la renommée de la famille de son mari pour servir son propre destin. Elle accole son nom de famille prestigieux à celui de Marin, devient Elisabeth Jacquet de la Guerre, et renforce ses liens avec d’autres figures du monde musical, comme les Couperin. 

Claveciniste et improvisatrice virtuose, elle compose des pièces audacieuses et joue avec les conventions musicales de son époque. Elle marie ainsi avec brio et conviction les esthétiques française et italienne à une époque où le clivage est réel entre les deux influences. Elle écrit des suites, sonates et sonates en trio pour le clavecin, formes instrumentales venues d’Italie, mais aussi des opéras, opéras-ballets. Elle est l’une des premières à s’intéresser à la cantate, qu’elle soit profane ou religieuse. Elle touche à tous les genres musicaux. 

Bénéficiant de l’appui du roi Louis XIV, elle publie son premier recueil de pièces pour clavecin en 1687. La chose est rare à l’époque. Avant elle, seuls trois compositeurs ont eu l’honneur de publier des recueils et non de simples manuscrits. 

Ses tentatives ne sont pas toujours couronnées de succès. Sept ans plus tard, le 15 mars 1694, Elisabeth Jacquet de la Guerre présente sur la scène de l'Académie royale de musique sa tragédie lyrique Céphale et Procris. C'est le tout premier opéra composé par une femme à y être produit. N’ayant pas rencontré son public, le spectacle est retiré au bout de cinq représentations. 

La carrière d'Elisabeth souffre de la toute puissance posthume des disciples de Lully. Alors que la compositrice est séduite par les nouvelles formes de musiques italiennes, les lullistes tente d’en réduire l’influence. 

Suite à une série de décès, celui de son fils de dix ans, de son mari, de ses parents, de son frère, mais surtout suite à l’insuccès de son Céphale et Procris, sa production ralentit. Elle ne publie que rarement : deux recueils de pièces pour clavecins en 1704, de sonates pour violons et clavecins en 1707, ainsi qu’un Te Deum en 1721. La mort de Louis XIV marque le déclin de sa carrière de compositrice. 

Veuve, elle poursuit son activité durant vingt-cinq ans. Elle organise des concerts chez elle, donne des cours, est reconnue comme maîtresse de musique de Paris à une époque où les femmes pratiquant cette activité accèdent rarement à la renommée. Elle meurt à Paris en 1729 sans jamais avoir pu accéder à des titres et des charges officielles à la cour.

Marguerite Durand est une actrice, journaliste, politicienne et militante pour les droits des femmes. Née dans une famille bourgeoise, elle est d’abord actrice à la Comédie Française où elle joue des rôles de jeune femme ingénue.

Elle épouse ensuite Georges Laguerre, avocat et député boulangiste, dirigeant du journal La Presse. Elle se lance alors dans le journalisme et co-dirige La Presse. À la mort du général Boulanger en 1891, elle quitte son mari et les idées boulangistes.

C’est comme journaliste pour Le Figaro qu’elle découvre le féminisme. On l’envoie couvrir en avril 1896 le Congrès féministe international à Paris. Elle en ressort transformée et refuse d’écrire l’article à charge demandé par Le Figaro.

En 1897 elle fonde La Fronde, premier journal entièrement dirigé, écrit et conçu par des femmes. Longtemps quotidien puis hebdomadaire, il traite, en dehors des sujets concernant les femmes, toute l’actualité. Parmi ses illustres collaboratrices, on compte Jeanne Chauvin ou Alexandra David-Néel.

Parmi les combats relayés par le journal : le droit de vote des femmes, l’égalité des salaires, l’accès égalitaire aux professions et aux syndicats ou encore la lutte contre les dispositions du Code civil. Grâce aux combats du journal les femmes obtiennent le droit d’entrer à l’Assemblée, ce qui leur était auparavant interdit, mais aussi d'accéder au barreau.

En 1907 elle tente de lancer un Office du Travail féminin, puis crée le journal Les Nouvelles en 1909. Elle tente de se lancer en politique pour les élections législatives de 1910 mais sa candidature est rejetée. Elle retente sa chance en 1927 aux élections municipales, aux côtés des socialistes réformistes, sans succès.

Quoique pacifiste, elle engage les femmes à participer à l’effort de guerre en 1914, espérant que leurs efforts seraient récompensés à l’issue du conflit. C’est une amère déception. Les femmes n’obtiennent pas le droit de vote et le contrôle sur leurs corps s’alourdit en 1920 par l’interdiction de l’avortement et de la propagande en faveur de la contraception.

À la fin de sa vie, elle lègue toutes les archives sur le féminisme qu’elle possède. La bibliothèque qui les rassemble porte son nom à Paris.

Contrairement à nombre de femmes de son époque, dont l’apport a été effacé faute de disciples, le nom d’Émilie du Châtelet a été préservé. C’est d’abord  en tant que “femme de” qu’elle passe à la postérité puisqu’elle est pendant quinze ans la maîtresse de Voltaire. Son immense apport à la science de son époque a fait l’objet d’un temps d’oubli avant d’être redécouvert.

Plutôt que d’être envoyée au couvent, Émilie reste auprès de ses parents et reçoit la même éducation que ses frères en langues, en sciences, en musique et en sport. Elle excelle aussi bien en sciences, qu’en langue et en musique. Elle est mariée au Marquis du Châtelet à l’âge de 19 ans. Il est militaire et le couple ne se voit guère. Mais comprenant que l’intelligence de sa femme le dépasse, il la laisse libre de mener sa vie (on remercie les hommes féministes pour leur apport à la science).

Émilie du Châtelet mène alors une vie libre où l’amour de l’étude se mêle à l’amour physique. Parmi ses amants, Voltaire a sur elle une influence décisive. L’écrivain, superstar controversée de son époque, la pousse à développer ses capacités. Émilie du Châtelet étudie tout ce qui lui passe sous la main. Elle entretient une correspondance avec les plus grands savants de l’époque : Maupertuis, Clairaut, Bernoulli ou Euler. Elle construit dans son château de Cirey un des rares laboratoires privés d'expérimentations scientifiques au sein duquel elle entreprend de démontrer les théories de Leibniz sur la “force vive” (l’énergie cinétique).

Les femmes sont alors interdites d’accès à l’Académie des Sciences en France. Mais les contributions y étant anonymes, elle tente sa chance au prix de l’Académie en 1737 sur le thème de “La nature du feu”. Elle ne gagne pas mais en raison de sa qualité, son mémoire est le premier écrit par une femme à être imprimé par l’Académie.

Galvanisée par son succès, elle entreprend un travail de passeuse de savoir en traduisant et commentant les travaux des savants Leibniz et Newton. En 1740, elle tire un livre des théories de Leibniz, les Institutions de physique. Son assistant, le fourbe mathématicien Samuel Koenig, tente de s’approprier ce livre salué par leurs pairs en faisant courir la rumeur qu’il le lui aurait dicté. Il en faut plus pour la désarçonner. Elle répond sèchement : “On me mande de Berlin qu’il y passe pour constant que Koenig me l’a dicté, je n’exige sur ce bruit aussi injurieux d’autre preuve de votre amitié que de dire la vérité[...] la seule chose dont j’ai à rougir, c’est d’avoir la plus petite obligation à un si malhonnête homme”.

Son livre est à l’origine de la première controverse scientifique entre un homme et une femme. Elle critique ouvertement les théories de Dortous de Mairan, secrétaire perpétuel de l’Académie des sciences, sur la “force vive”. Après une bataille farouche, la troisième éditions de son livre est assorti de ce commentaire mordant : “je ne suis pas secrétaire de l’Académie mais j’ai raison, et cela vaut tous les titres”. Bim. Aujourd’hui encore, son travail sur Leibniz fait référence.

Émilie du Châtelet est élue à l’Académie des Sciences de l’Institut de Bologne en 1746, là où une décennie plus tôt, la savante Laura Bassi avait été l’une des premières femmes admises comme professoresse à l’université.

Elle meurt des suites de l’accouchement, quelques jours après la naissance de son quatrième enfant. Le jour de sa mort elle signe le manuscrit de l’œuvre de sa vie, la traduction et commentaire du latin en français des Principia Mathematica d’Isaac Newton. Sentant sa fin proche et consciente de l’importance de ses travaux, elle fait enregistrer in extremis son manuscrit auprès de la bibliothèque royale.

Nelly Roussel est une journaliste, militante pour les droits des femmes et anti-nataliste  française. Elle l’une des premières à revendiquer le droit à la contraception. Elle entend redonner aux femmes  le contrôle de leur corps et veut les libérer des maux la maternité.

Rien ne la destinait à son existence de militante radicale. Issue d’une famille traditionnelle, elle est d’abord marquée par le christianisme social avant de se détourner de la religion, d’embrasser le combat dreyfusard aux côté de son mari, d’entrer à la Ligue des droits de l’Homme et de rejoindre les francs-maçons de la Grande Loge symbolique écossaise.

C’est dans les toutes premières années du siècle que son engagement féministe commence à prendre forme. Brillante oratrice, elle prend publiquement position pour une sexualité féminine libre, pour la maternité choisie et l’avortement, à une époque où cet acte est encore passible des Assises. Elle donne de nombreuses conférences et publie des articles sur le sujet, dans un pays préoccupé par la baisse de la natalité.

Ses opinions comme ses formules font scandale. Elle-même mère de famille, elle assène en 1911  :

« La maternité n’est noble que consciente ; et elle n’est douce que désirée. Accomplie par instinct ou subie par nécessité, elle n’est qu’une fonction animale, ou une épreuve douloureuse. Non ! le refus de l’épreuve maternelle n’est pas forcément égoïste. Mais son acceptation est souvent héroïque. Et l’héroïsme bête est souvent inutile »

Elle se bat contre un modèle idéalisé qui traverse le XIXe siècle français, celui de la femme traditionnelle, « l'éternel féminin ». Elle s’insurge contre la République qui appuie ce modèle et intitule l’un de ses livres L’éternelle sacrifiée.

Elle reste pacifiste pendant la Première Guerre mondiale, refusant le ralliement des féministes à l’Union sacrée et raillant les initiatives visant à promouvoir la natalité pendant le conflit. Proche des milieux anarchistes, elle doute néanmoins de la capacité de la révolution à améliorer véritablement le sort des femmes et conserve jusqu’à sa mort l’espoir de rassembler les luttes des femmes en un front uni, seul capable de faire évoluer la condition féminine.

Elle meurt de la tuberculose en 1922. Ses idées refluent avec l’apogée des politiques natalistes. Elle inspire beaucoup plus tard les combats de la deuxième vague du féminisme français dans les années 1970.

Scientifique mais aussi militante pour la paix, féministe et politique, Irène Joliot-Curie ne s’est « jamais enfermée dans les travaux scientifiques sans conserver le souci et la curiosité de la vie » comme elle le déclare en 1936 dans Le Journal de la Femme.

Issue d’une dynastie de chercheurs et de chercheuses, Irène baigne très tôt dans le monde du savoir. Elle est la fille de Pierre Curie et Marie Sklodowska Curie, tous deux récipiendaires du prix Nobel pour leur travaux sur la radioactivité. Son éducation est assurée par ses parents et leurs ami·es scientifiques. Elle ne s’inscrit au lycée que deux ans avant le bac.

Elle assiste Marie Curie pendant la Première Guerre mondiale. À l’aide des « Petites Curies », unités de radiologie mobile, elle forme des médecins à localiser les projectiles dans le corps des blessés. À l’issue du conflit, elle devient l’assistante de sa mère à l’Institut du Radium.

Elle soutient une thèse de physique en 1925 sur les rayons alpha du polonium. À l’instar du couple Pierre et Marie Curie, elle forme bientôt une équipe au service de la sciences avec Frédéric Jolliot, autre assistant de l’Institut.

Cheffe de travaux du laboratoire Curie, elle poursuit avec son mari des recherches sur la radioactivité. Grâce à leur travail, James Chadwick découvre le neutron. Les Joliot-Curie eux mettent en évidence en 1934 ce qu’on appelle la radioactivité artificielle, soit la possibilité de rendre radioactif un élément qui ne l’est pas. Pour ces travaux, le couple reçoit le prix Nobel de Chimie en 1935. Ils poursuivent ensuite leurs recherches sur les radioéléments.

Proche de la SFIO puis du Parti communiste, Irène Joliot-Curie est engagée politiquement. Elle soutient l’égalité entre les femmes et les hommes, l’émancipation économique des femmes et le droit de vote. Lorsqu’on lui demande si le chemin qu’elle a choisi n’est pas trop dur pour une femme, elle répond :

« Nullement. Je crois que les aptitudes scientifiques d’un homme et d’une femme sont exactement les mêmes. [...] On estime parfois que le résultat des travaux d’une femme est moindre, mais c’est que toutes ne comprennent pas qu’elles doivent y consacrer autant de temps. Une femme de science doit renoncer aux obligations mondaines [...] Pour ma part, je considère la science comme l’intérêt primordial de ma vie ».

De fait, quand elle ne peut pas s’occuper de ses enfants, c’est son mari qui s’en charge.

Pour le prestige de son nom mais aussi pour garder une forme d’indépendance, Irène a décidé d’accoler le nom Curie à celui de son mari. À la suite de leur succès dans le monde de la science, ils deviennent les « Joliot-Curie », Frédéric étant appelé du même nom que sa femme.

Irène Joliot-Curie entre dans le gouvernement du Front Populaire de Léon Blum en tant que sous-secrétaire d’État à la Recherche scientifique, poste qu’elle occupe brièvement entre juin et septembre 1936. Elle fait partie des trois premières femmes françaises membres de gouvernement alors que le droit de vote n’est toujours pas acquis.

Malade de la tuberculose, elle alterne périodes d’activité et de repos forcé. Elle a le temps de promouvoir une politique ambitieuse de soutien à la recherche qui passe par l’augmentation du budget consacré à ce domaine, des salaires des chercheurs et la mise en place de mesures d’égalité salariales entre normaliens et normaliennes. Elle quitte le gouvernement pour retourner à ses recherches et en opposition à la décision de la France de ne pas intervenir dans la guerre d’Espagne.

En 1937, elle est nommée maîtresse de conférence en remplacement de son mari nommé au Collège de France, puis professeur sans chaire à la faculté des Sciences de Paris. Sa carrière n’a jamais reflété l’étendue de ses accomplissements scientifiques. Elle est par exemple refusée quatre fois à l’Académie des Sciences.

Elle s’insurge contre les accords de Munich et défend les scientifiques juifs. Après la guerre, elle milite au sein de mouvements pacifistes et contre le nucléaire à des fins militaires. Elle devient directrice de l’Institut du Radium puis participe à la création du Commissariat à l’énergie atomique qu’elle dirige pendant six ans.

Elle participe aussi dans ses dernières années à la création de l’ancêtre de l’université d’Orsay. Elle meurt en 1958 d’une leucémie contractée à la suite de son exposition à la radioactivité. Des obsèques nationales sont organisées en son honneur.

Madeleine Pelletier est une militante socialiste et féministe d’avant-garde. Elle est la première femme médecin diplômée de psychiatrie.

Elle est reçue comme interne en psychiatrie des hôpitaux de Paris en 1902. Pour y arriver, cette « rescapée sociale », ainsi que la qualifie l'historienne Christine Bard, a dû batailler. Elle grandit dans la misère, mal aimée par une mère marchande de légumes. Elle s’échappe du morne quotidien familial en se plongeant dans sa bibliothèque de quartier et, dès ses treize ans, se rapproche de groupes anarchiste et féministe.

Elle passe le bac en candidate libre et l’obtient à 22 ans, avec mention très bien. Elle entre alors en médecine dans une promotion qui compte 129 femmes pour 4000 étudiant·es. Elle choisit la psychiatrie. Or on refuse à toute personne ne jouissant pas de ses droits civiques d’être interne dans cette spécialité. Les femmes, n’ayant pas le droit de vote, sont donc exclues.

Elle fait campagne pour changer les règles, avec le soutien de journaux féministes comme La Fronde et obtient gain de cause en 1904. Première interne féminine en psychiatrie à l’hôpital Saint-Anne, elle entretient avec ses collègues des relations difficiles. Le fait qu’elle soit une femme dérange, de même que son allure, qu’elle veut volontairement masculine. En effet, en portant les cheveux courts et des habits d’homme, Madeleine Pelletier transgresse les normes féminines qui, selon elle, enferment les femmes dans le besoin de plaire. « Je ne m’habillerai pas en asservie [...] mon costume dit à l’homme : je suis ton égale », lance-t-elle.

En parallèle de ses études de médecine et de son intérêt pour l’anthropologie, Madeleine Pelletier est initiée à la franc-maçonnerie qu’elle tente, non sans mal, d’ouvrir davantage aux femmes. Elle milite pour le suffrage des femmes en s’inspirant des méthodes des suffragettes britanniques puis adhère au Parti socialiste qui se montre favorable à ce combat.

Elle créé un journal, La suffragiste, et écrit des centaines d’articles, des essais, des romans et des pièces de théâtre. Elle défend des positions insurrectionnelles, dénonce l’assujettissement des femmes par le mariage ou encore le droit à l’avortement et à la contraception. Elle n’hésite pas à pratiquer des avortements illégaux au sein de son cabinet médical. Elle tente d’associer le féminisme à un grand mouvement d’émancipation totale, politique, économique et sociale, mais est confrontée aux contradictions entre féminisme et socialisme.

Antimilitariste, elle est profondément déçue par l’adhésion de ses amis socialistes à l’Union sacrée pendant la guerre. À la fin du conflit, elle poursuit son engagement en faveur de l’éducation du prolétariat et de l’émancipation des femmes. Séduite un temps par la Révolution d’octobre, elle fait un voyage en Russie et se montre très critique du régime, des conditions de vie de la population et de la place réservée aux femmes. Elle milite au sein du Parti communiste qu’elle quitte en 1934 pour prendre ses distances avec les partis politiques.

En 1935, elle est victime d’une attaque qui la laisse hémiplégique. Accusée d’avoir pratiqué des avortements, elle est placée dans un asile en 1939. Elle meurt six mois après son arrivée. Sa tombe située à l’asile a été détruite dans les années 1960. Depuis 2011 une plaque commémorative en son honneur orne le 80-82 rue de Gergovie, dans le 14e arrondissement.

Née en Afrique du Sud sous le nom de Zenzile Makeba Qgwahu Nguvama, Miriam Makeba a fait de la musique une arme au service du panafricanisme, des droits civiques, de la justice et de l’égalité partout dans le monde. 

Elle passe les six premiers mois de sa vie en prison avec sa mère, arrêtée pour avoir fabriqué de la bière pour faire vivre sa famille. Zenzile devient très tôt orpheline de père et doit faire des ménages pour aider sa mère. Son talent pour le chant est repéré dès le collège. 

Zenzila devient Miriam Makeba et chante pour plusieurs groupes, les Cuban Brothers, les Manhattan Brothers et un groupe entièrement composé de femmes, les Skylarks. C'est en Afrique du Sud en 1956 qu'elle enregistre la première version d’une une parade amoureuse, chanson « Pata Pata » (« Un petit rien »), destinée à une importante postérité. 

Elle joue dans Come Back, Africa l’année suivante. Tourné clandestinement, le film s’attaque à l’apartheid, mis en place en 1948 par les Afrikaners, et aux nouvelles formes de fascisme. Elle débute sa carrière à l'international avec des concerts partout en Afrique, grâce à la comédie musicale King Kong racontant la vie d’un boxeur. 

Elle est invitée en Europe où Come Back, Africa est primé à la Mostra de Venise. Elle part aux États-Unis où elle rencontre Harry Belafonte qui lui fait enregistrer son premier album solo, Miriam Makeba, en 1960. Elle réenregistre « Pata Pata » qui devient le premier méga tube mondial africain. 

Elle est présente à l'anniversaire de J. F. Kennedy aux côtés de Marylin Monroe. Mais alors qu’elle parcourt le pays sa mère meurt en Afrique du Sud. Son passeport est périmé et l'ambassade lui refuse son renouvellement pour qu'elle puisse assister aux obsèques. Elle est déchue de sa nationalité sud-africaine après un discours donné devant les Nations Unies contre le système ségrégationniste en cours dans son pays. Le président guinéen marxiste Ahmed Sékou Touré, allié et admirateur de Makeba, lui procure un passeport diplomatique. 

Son album The World of Miriam Makeba, sorti en 1963, se classe dans le Billboard 200 et An evening with Harry Belafonte and Miriam Makeba en 1965 est récompensé par un Grammy Award du meilleur disque folk. 

La décennie 1960 est celle des indépendances et Miriam Makeba parcourt le continent pour les célébrer. Elle se lie à cette époque avec de nombreux militants des droits civiques, tels Martin Luther King ou les Black Panthers, et se sert de sa notoriété pour intervenir régulièrement à la tribune de l’ONU et dénoncer l'Apartheid. Son mariage avec le militant Stokely Carmichael lui attire les foudres des autorités américaines. Ses concerts et ses contrats sont annulés. Son visa n'est pas renouvelé et Miriam Makeba doit une nouvelle fois partir en exil en 1968. Le couple part vivre en Guinée jusqu'à sa séparation, en 1973. 

Elle participe aux plus grands festivals d'Afrique, de l'Algérie au Nigéria en passant par le festival Zaïre 74 où se réunissent stars africaines et américaines. Miriam Makeba chante en xhosa, la langue de son père, en anglais, en portugais, en arabe, en hébreux, en zoulou, en tswana ou en français. Elle incarne l'unité et la défense des cultures africaines au niveau mondial. Son style est inclassable tant elle mélange le jazz, le folk ou la musique traditionnelle. Son influence est manifeste. Elle est souvent reprise, notamment par Nina Simone, devenue son amie, qui interprète sa chanson « West Wind ». 

Elle vit un temps en Belgique, reçoit la citoyenneté honoraire de dix pays avant d’être à nouveau accueillie en Afrique du Sud par Nelson Mandela dans les années 1990. Sa notoriété est alors sur le déclin. Miriam Makeba avait survécu à un cancer du sein à 17 ans. Elle meurt à l'issue d'un ultime combat en 2008. Elle est alors invitée à chanter à un concert en soutien à l'écrivain anti-mafia Roberto Saviano. Alors que le public réclame un rappel, elle s’effondre en coulisse d'une crise cardiaque. Elle laisse derrière elle 32 albums, 11 compilations et 28 singles.

Marie-Denise Lemoine, appelée Nisa par ses proches, naît à Paris, près du Palais-Royal. Elle grandit dans une famille d’artistes : ses sœurs aînées, Marie-Elisabeth et Marie-Victoire sont portraitistes, sa cousine Jeanne-Elisabeth Chaudet également. Elle évolue donc dans un environnement familial favorable à la créativité féminine. En 1794, elle épouse Michel-Jean-Maximilien Villers, étudiant en architecture. 

Dans le milieu artistique bouillonnant de l’après Révolution, il est difficile pour une femme, mais pas impossible, de gagner sa vie comme peintresse. Sous conditions : le portrait est autorisé, moins la peinture de genre et notamment d’histoire. Représentant parfois des modèles héroïques nus (ce qui est donc parfaitement inconvenant) cette forme artistique reste, comme sous l’Ancien Régime, davantage l’apanage de peintres masculins. Ce qui ne freine en rien les femmes artistes, particulièrement désireuses de sortir de la sphère familiale afin d’échapper au rôle restreint que leur a imposé l’idéologie révolutionnaire. 

Marie-Denise Villers bénéficie du soutien et des conseils de François Gérard et du tout-puissant Jacques-Louis David, qui s’est illustré politiquement et artistiquement sous la Révolution française. Mais si elle fréquente leurs ateliers, c’est en tant qu’élève surdouée du peintre Anne-Louis Girodet, grand rival de David, que Marie-Denise Villers expose pour la première fois au Salon de Paris en 1799. Il semblerait que sa peinture, vivement appréciée, lui ait même assuré un prix, sans qu’il soit certain cependant que ce dernier lui ait été versé. 

Lors des Salons où elle expose jusqu’en 1802, Marie-Denise Villers est encensée pour ses œuvres : Étude d’une jeune femme assise sur une fenêtre, ou encore Un enfant dans son berceau, entraîné par les eaux de l’inondation du mois de Nivôse an X. Cependant, comme sa sœur Marie-Victoire Lemoine, elle n’expose plus sous l’Empire. À la chute de Bonaparte, Marie-Denise Villers réapparaît, exposant lors du Salon de 1814 un Portrait de la duchesse d’Angoulême. Il est possible d’envisager que son retrait de la scène artistique publique ait été due à des considérations politiques, même s’il peut se constater une relative disparition des artistes féminins des Salons impériaux, à l’exception notable de Constance Charpentier. De façon assez mystérieuse, alors que son retour est célébré, Marie-Denise Villers se retire à nouveau. À sa mort en 1821, l’inventaire de ses biens n’indique ni atelier, ni matériel de peinture. 

Sa notoriété de son vivant est vite oubliée jusqu’au début du XXe siècle. Certaines de ses œuvres sont attribuées à d’autres : Charpentier, Girodet, David. C’est notamment le cas de son œuvre la plus notable, Jeune femme dessinant, attribué à David jusqu’en 1996. Aujourd’hui exposé au Metropolitan Museum of Art à New York, il est parfois considéré comme un autoportrait. 

Il s’agit plus probablement d’un portrait de Marie-Joséphine-Charlotte du Val d'Ognes, exposé en 1802. Dans ce tableau en trompe l’œil qui montre sa grande maîtrise des codes néo-classiques, « son étude de femme » illustre à nouveau une femme en activité, à nouveau près d’une fenêtre, et non assise à ne rien faire. La composition illustre un affranchissement de l’art du portrait tendant vers la peinture de genre, et annonce la peinture romantique.

Jane Misme fait partie, avec Marguerite Durand ou Séverine, de cette génération des femmes journalistes et militantes féministes du tournant du XXe siècle.

C’est après son mariage avec un architecte, Louis Misme, que Jane Maurice, native de la Drôme, gagne Paris en 1893. Elle commence à écrire pour Le Figaro et Le Matin. Elle se lie d’amitié avec la féministe suffragiste Jeanne Schmahl et devient secrétaire de son organisation naissante, « L’association Avant-Courrière ». L’objectif est alors de faire passer deux lois, l’une pour le droit des femmes à témoigner et une autre pour que les femmes puissent contrôler leur revenus. Elles obtiennent gain de cause en 1907.  

À l’époque les femmes ne sont présentes dans aucun cercle de pouvoir, il faut pouvoir se faire entendre. En 1911, Jane Misme écrit ainsi avec ironie « Quand un homme parle et parle bien pour l’émancipation des femmes, sa voix équivaut à celle de cinq femmes qui parleraient aussi bien ».

Elle rejoint en 1897 le quotidien La Fronde, fondé par Marguerite Durand, comme critique de théâtre. Ce journal entièrement composée de femmes connaît des difficultés financières et cesse de paraître en 1905. Pour Jane Misme, il faut créer un nouvel organe de presse pour faire avancer les idées féministes. Elle se lie avec Mathilde Méliot et lance La Française en 1906. C’est à ce moment-là la plus importante parution traitant des questions relatives aux femmes.

Jane Misme prône un féminisme pragmatique et réformiste. Le journal défend les idées féministes mais adopte un ton modéré et revendique sa neutralité. Les débats politiques ou religieux n’y ont pas leur place. Ce parti-pris, adopté aussi bien dans la publication que dans les activités qui lui sont associées, conférences, cours ou pièces de théâtre, lui attire la sympathie de la bourgeoisie. Pour la chercheuse en sciences politiques Sandrine Lévêque :

« Tout se passe comme si, pour cette bourgeoise – c’est-à-dire femme et bourgeoise – faire du journalisme (sur le tard) était un moyen détourné et acceptable de faire de la politique, en défendant des enjeux moins radicaux, dans des registres d’action moins confrontatifs et finalement considérés comme plus féminins. »

En parallèle, Jane Misme travaille toujours à l’obtention du droit de vote par les femmes françaises. Elle réclame un droit de vote gradué, qui accorderait d’abord aux femmes la possibilité de voter aux municipales. Elle est secrétaire générale de l’Union Française pour le suffrage des femmes en 1909, mais doit céder sa place à Cécile Brunschvicg à la suite d’une lutte interne sur la ligne politique de l’union. Cette dernière, plus radicale que Misme, arrive à fédérer plus de monde autour d’elle.

Jane Misme ne soutient pas les méthodes radicales des suffragettes britanniques. Pour elle, les Françaises devraient être « des suffragistes, pas des suffragettes ». Elle co-fonde le Congrès permanent du féminisme international en 1908 dont elle devient la vice-présidente. Cette organisation organise chaque mois des conférences réunissant des féministes du monde entier. Elle également membre du Conseil national des femmes françaises (CNFF).

Pendant la guerre de 1914-1918, elle interrompt la parution de La Française et se joint à l’Union sacrée. Elle lutte également contre l’alcoolisme. La paix revenue, elle collabore au journal L’Oeuvre. Sa santé se dégrade et La Française, qu’elle porte à bout de bras avec une secrétaire, devient mensuel. Elle doit renoncer à diriger la parution en 1924. Elle ne cesse pas toute activité pour autant et aide Cécile Brunschvicg à organiser en 1929 les États Généraux du féminisme.

Elle s’éteint en 1935. La Française quant à elle, devenue organe du CNFF, cesse de paraître à l’aube de la Seconde Guerre mondiale.

Louise Merzeau, spécialiste des sciences de l’information et de la communication, analyse la notion de mémoire à l’ère du monde virtuel et réfléchit à l’espace numérique comme un Bien commun de l’Humanité. 

Louise Merzeau est une des figures du courant de la médiologie, qui théorise les rapports entre la technique et la culture, notamment à l’ère du numérique. La théorie moderne médiologique, véhiculée par Régis Debray depuis les années 1990, analyse en quoi les effets des technologies nouvelles, leur apprentissage et leurs codes peuvent avoir un impact sur nos croyances immatérielles, religieuses ou spirituelles. 

Merzeau théorise le concept d’« hypersphère », dans le prolongement de la théorie des médiasphères pour qualifier les évolutions sociotechniques et l’hybridation des pratiques numériques. Travaillant sur la notion de traçabilité et de culture numérique, elle questionne la notion même de mémoire, invoquant une révolution anthropologique qui mène l’usager à laisser une trace même lorsqu’il ne le souhaite pas, après des millénaires où l’action de lutter contre l’oubli s’avérait la résultante d’un effort permanent. 

Analysant les enjeux sur les modifications cognitives permises par les différents usages numériques, Louise Merzeau théorise l’émergence d’une digital literacy, et d’un savoir-lire-et-écrire en ligne. Questionnant la transformation des usages numériques, elle va même jusqu’à réfléchir à la notion de négation du concept de plagiat sur le web, puisque les savoirs, du fait de l’action de copier-coller, créeraient en soi une dissonance cognitive révélatrice d’un nouvel usage et savoir. 

Engagée dans le mouvement des Biens Communs, qui cherche à promouvoir l’idée qu’un ensemble de ressources peut être partagé à l’ensemble de l’Humanité, comme l’eau ou l’air, elle soutient l’idée d’un espace numérique où le savoir est partagé entre tous. Engagée auprès de l’association Savoirscom1, elle soutient une valorisation des biens communs dans les politiques publiques d’accès à l'information, et la modification des formes de gouvernance associées. 

Elle publie en 2001 Mémoire et médias, avec Thomas Weber, en passionnée de l’image, en 2004 un livre de photographie recueillant des entretiens avec Jean Baudrillard, et en 2015 un ouvrage collectif consacré à l’encyclopédie participative Wikipédia, site pour lequel elle est très active. Elle en devient membre du conseil scientifique en 2015, puis membre du conseil d’administration en 2017. 

On connaît très peu de d'éléments de la vie de Solitude, les traces de son existence sont en effet rares et discordantes. Elle est néanmoins devenue le symbole de toutes les femmes qui ont lutté contre la servitude aux Caraïbes, notamment en Guadeloupe où se serait déroulée sa trop courte vie.

Solitude serait née vers 1780. Fille d’une esclave noire et d’un colon blanc, elle est classée dans la catégorie des “mulâtresses” et devient esclave à son tour. La Guadeloupe est alors colonie française depuis 1635. L’île voit prospérer le commerce de plantes tropicales comme la canne à sucre. L’économie, basée sur le commerce triangulaire et la servitude, a un grand besoin d’esclaves. Avant la Révolution Française, 84% de la population de la Guadeloupe est servile.

Durant la Révolution, l’île est agitée par des troubles et des émeutes. Solitude rejoint un groupe d’esclaves en fuite. En 1794, la Convention abolit l’esclavage dans les colonies. La prise du pouvoir par Napoléon Bonaparte sonne le glas de cette ambition et l’esclavage est rétabli en 1802. Napoléon envoie alors 3500 hommes pour faire appliquer cette décision.

Solitude, alors enceinte, rejoint Louis Delgrès qui mène la résistance contre les troupes napoléoniennes. Surpassé·es en nombre, les insurgé·es sentent venir la défaite. Louis Delgrès se suicide à l’explosif avec de nombreux rebelles, par fidélité au mot d’ordre “vivre libre ou mourir”.

La répression de la révolte est sanglante. Solitude qui partait rejoindre une autre poche de résistance est faite prisonnière vers le 23 mai lors de la prise du camp de Palerme à Dolé. Elle est condamnée au supplice. On attend qu’elle accouche pour mettre en pratique sa peine le 29 novembre 1802.

L’histoire de Solitude a inspiré de nombreux récits. Elle incarne aujourd'hui l'insurrection guadeloupéenne de 1802.

« Prolétaires de tous les pays, unissez-vous ! ». Certes, la phrase n’est pas d’elle, mais ses fondements se trouvent dans l’Union ouvrière de Flora Tristan. Figure méconnue du socialisme, cette féministe théorise en 1843 l’union universelle contre l’asservissement des femmes et des prolétaires.

Née de l’union d’un riche aristocrate péruvien et d’une française peu fortunée, Flora Tristan passe de l’opulence à la misère à la mort de son père. La jeune femme, ouvrière de dix-sept ans,  est contrainte au mariage avec le graveur André Chazal : « ma mère m'obligea d'épouser un homme que je ne pouvais ni aimer ni même estimer. À cette union je dois tous mes maux », estime-t-elle.

De fait, ce mariage avec un mari violent est un désastre. Flora Tristan parvient à s’enfuir, enceinte de son troisième enfant. Elle tente d’échapper à son époux en adoptant un temps une identité d’emprunt. Après dix ans de bataille judiciaire, son mari lui tire dessus en 1838. Elle survit, mais une des balles lui transperce le poumon et la rend poitrinaire. La justice accepte la séparation de corps, son bourreau voit sa peine de bagne commuée du fait de « circonstances atténuantes ».

Entre-temps, Flora Tristan voyage et tente de parfaire sa formation intellectuelle et politique. De Paris, elle part en Angleterre puis au Pérou, où elle tente d’obtenir un peu de l’héritage paternel. Bien que rejetée par cette famille lointaine, elle reçoit une somme qui lui permet d’accéder à l’indépendance financière. Elle a en outre l’occasion durant le voyage d’observer les conditions de vie des ouvriers et les conséquences de la colonisation.

Dans l’important Pérégrinations d’une paria, elle livre ses observations sur la société post coloniale péruvienne. L’ouvrage est un succès littéraire. Il se veut émancipateur, son propre destin de femme malmenée par la société patriarcale y transparaît. Elle y dénonce les violences conjugales et défend le rétablissement du divorce en faisant un parallèle entre différents types d’oppression :

« La servitude est abolie, dira-t-on, dans l’Europe civilisée, on n’y tient plus, il est vrai, marché d’esclaves sur la place publique. Mais dans les pays les plus avancés, il n’en est pas un ou les classes les plus nombreuses n’aient à souffrir l’oppression légale : les paysans en Russie, les juifs à Rome, les matelots en Angleterre, les femmes partout. »

De retour à Paris, elle publie aussi Nécessité de faire un bon accueil aux femmes étrangères, qui défend la création d’espaces d’accueil pour les femmes seules.

Flora Tristan fréquente les milieux socialistes et littéraires, publie dans de nombreuses revues, interpelle les militants, défend ardemment les causes qui lui tiennent à coeur et poursuit son activité d’enquêtrice sociale. Elle s’engage particulièrement dans la lutte pour les droits des prolétaires et la justice sociale. Influencée par le fouriérisme, elle se réclame du socialisme utopique révolutionnaire.

Flora Tristan s’adresse directement aux ouvriers, par le biais de brochures qu’elle s’efforce elle-même de diffuser, telle l’Union ouvrière qui appelle le peuple des usines à s’organiser pour faire basculer le rapport de force. Dans sa réflexion sur l’exploitation des travailleurs, elle rappelle néanmoins que les ouvriers, aussi dominés soient-ils, disposent sur les femmes d’un indéniable pouvoir d’asservissement dont il leur faut prendre conscience :

« L’homme le plus opprimé peut opprimer un être, qui est sa femme. Elle est le prolétaire du prolétaire même ».

Tristan s’oppose farouchement à ceux qui s’approprient ses idées. Elle se lance en 1844 dans un tour de France pour atteindre et politiser directement les ouvriers et ouvrières et pour dresser un tableau de leur condition. Elle se démène pour trouver des soutiens à cette entreprise. La police, fort méfiante, la suit dans ses pérégrinations. Le journal qu’elle tient est un important témoignage de la vie de celles et ceux qu’elle rencontre. La fatigue de l’itinérance et ses difficultés respiratoires ont cependant raison d’elle et du réseau de solidarité qu’elle avait commencé à tisser. Flora Tristan meurt de la fièvre typhoïde à Bordeaux, à 41 ans.

L’idée d’union contre l’asservissement et les nombreux militants et militantes dont elle a permis la formation font de Flora Tristan une militante incontournable du XIXe dont l’action et la pensée annoncent et orientent la révolution de 1848. Sa réflexion a un écho international. Un temps gommée, l’influence de la théoricienne et activiste n’est véritablement redécouverte qu’au XXe siècle.

« Si je pouvais transférer par écrit la hardiesse et le charme séduisant avec lesquels cette grande chanteuse se produit, il faudrait les qualités d'Ulysse pour résister aux tentations d'une telle sirène » 

Le compositeur Nicolò Fontei ne tarit pas d’éloges à l’égard de Barbara Strozzi. Dans la Venise du XVIIe, la jeune femme anime la très en vue Accademia degli Unisoni, salon d’artistes et d’intellectuels créé par son père. L’opéra, né en 1600 à Florence, vient de faire son apparition dans la cité des doges. Le climat est particulièrement propice à l’épanouissement de talents musicaux. 

On connaît mal la vie de Barbara Strozzi. Elle est la fille adoptive, et sans doute fille illégitime, du poète et auteur de livrets d’opéra Giulio Strozzi et de sa servante Isabella Garzoni. Elle a quatre enfants mais ne s’est jamais mariée. On connaît depuis peu la date de sa mort. 

Parce qu’il n’a sans doute pas les moyens de la doter, Giulio soigne l’éducation de sa fille. Ainsi pourra-t-elle subvenir elle-même à ses besoins. Enfant, elle est élève du célèbre compositeur Franscesco Cavalli. Son père use de son influence pour servir la notoriété de sa fille en la faisant chanter dans les salons où son charisme et ses dons pour la musique sont remarqués. 

En 1644, à 25 ans, elle met en musique des textes de son père. Ce premier opus est un recueil de madrigaux, pièces vocales très en vogue à l’époque. Cantatrice de talent, Barbara Strozzi interprète également ses compositions avec virtuosité. Elle y parle principalement d’amour et de passion. Elle se compare dès son premier recueil à Sappho, autre chantre des émois du coeur. Dans « L’amante segreto » elle répète le mot « je veux mourir », « Voglio morire », « la petite mort » étant un euphémisme pour parler de l’orgasme. 

Son influence chez les Unisoni et sa carrière de chanteuse font d’elle l’objet de rumeurs. Sa moralité est mise en cause. Mais rien ne permet d’affirmer qu’elle ait été la courtisane parfois dépeinte, malgré les paroles parfois osées de ses chants et ses quatre enfants nés hors mariage. 

Pour ne plus laisser de place aux commérages, elle a sans doute refusé, malgré son immense talent, d’être chanteuse d’opéra. On cherche pourtant des femmes dans toute l’Italie pour faire briller ce tout nouvel art. Elle se cantonne aux concerts privés. 

Sa carrière de cantatrice contrariée ne l’empêche pas de faire briller ses talents de compositrice. Elle est une des très rares femmes du siècle à faire publier ses compositions. Entre 1644 et 1677, elle publie huit volumes d’airs chantés, principalement arias et cantates, parfois dédiés à de puissants mécènes. Sa production fait de Barbara Strozzi, hommes et femmes confondu·es, celle qui publie le plus à Venise pendant son siècle.

Jeanne Cordova a été une pionnière dans la lutte pour les droits des lesbiennes, en particulier dans les années 1970.

Née en Allemagne, elle a grandi en Californie dans une famille très catholique d'origine mexicaine et irlandaise. Elle a passé toute son enfance dans des écoles dirigées par des religieuses. Elle s'interroge sur sa foi et fait son coming-out, ce qui amène ses parents à la renier pendant plusieurs années.

En 1972, elle obtient un diplôme de protection sociale à UCLA. Elle devient la responsable de la section locale de la première organisation de visibilité et de défense des droits des lesbiennes aux États-Unis, Daughters of Bilitis. L'organisation a publié un bulletin d'information qui, sous la direction de Cordova, est devenu The Lesbian Tide, le plus grand journal de la communauté lesbienne dans les années 1970. La publication contribue à donner la parole à des femmes souvent invisibilisées par les hommes dans les luttes LGBT.

En même temps, elle a dirigé la communauté militante de Los Angeles et a contribué à l'organisation de quatre conférences, dont la West Coast Lesbian Conference en 1971 et la première National Lesbian Conference en 1973 à l'université de Californie. Son travail l'a conduite à être élue déléguée à un événement majeur dans la lutte pour les droits des femmes : la Conférence nationale des femmes de 1977, au cours de laquelle elle a mené une campagne énergique en faveur de l'action positive pour les lesbiennes.

Sur le terrain, elle fait campagne contre un projet de loi destiné à purger du système d’éducation les profs gays et lesbiennes. Dans les années 1980, elle multiplie les initiatives politiques. Elle participe notamment à la formation d’un groupe gay et lesbien au sein du Parti démocrate et crée des pages jaunes pour les professionnel.les gay et lesbiennes avant de partir s’installer au Mexique y explorer ses racines.

Ella Fitzgerald est, avec Billie Holiday et Nina Simone, une des plus grandes chanteuses de l’histoire du jazz. Elle est particulièrement encensée pour ses capacités vocales et ses talents d’improvisation. 

Avec la mort de sa mère s’ouvre une période tumultueuse pour l’adolescente Ella Jane Fitzgerald. Déscolarisée, elle se retrouve en maison de correction. En 1934, Ella décide de participer à un concours de jeunes talents à l'Apollo Theatre de Harlem. À l’époque, c’est la danse qui l’intéresse. La qualité du numéro qui précède son apparition la décourage et, sur un coup de tête, elle décide de chanter. La spontanéité avec laquelle elle interprète Judy et l’enthousiasme avec lequel le public accueille sa chanson donne le coup d’envoi de sa carrière. Elle est repérée par un musicien de jazz qui la met en relation avec l’industrie musicale new-yorkaise. 

Elle rejoint bientôt le Chick Webb Orchestra qui, à la mort de son fondateur, devient le Ella Fitzgerald and her famous Orchestra. Depuis sa reprise d’une chanson pour enfants A-Ticket, A-Tasket, succès radiophonique, Lady Ella est en effet devenue incontournable. Les ventes de ses disques s’envolent, elle chante avec des partenaires prestigieux. 

Les décennies suivantes ne font que confirmer la réussite de la chanteuse. La voix d’Ella Fitzgerald au timbre si particulier, son amplitude de trois octaves et sa parfaite maîtrise vocale lui permettent de chanter blues, gospel, jazz ou swing. Elle renouvelle son style au fil des années, passe d’un genre à l’autre avec facilité et se taille une réputation de chanteuse de génie qui lui vient notamment de ses incroyables capacités d’improvisation en scat. 

Dès les années 1940, la grande dame du jazz se lance dans une carrière solo. En 1946, c’est le début d’une fameuse collaboration avec Louis Armstrong. Les deux légendes du jazz reprennent notamment le standard Cheek to Cheek. 

Le producteur Norman Granz est l’un de ses fidèles soutiens. Il monte pour pour elle deux labels qui lui sont dédiés, veille à ce qu’elle reçoive un salaire égal à celui de n’importe quel artiste américain et que les places vendues pour ses concerts ne distinguent pas les spectateurs colored/white (blancs/de couleur). 

Les décennies suivantes voient la consécration d’Ella Fitzgerald sur la scène internationale. Passée du swing au bebop, elle recommence à chanter dans un style purement jazz. Sur huit albums consécutifs, et pour le plus grand plaisir d’un public conquis, elle chante Cole Porter ou Duke Ellington. 

Infatigable, elle multiplie les apparitions à la télévision et au cinéma, enchaîne les concerts, tourne en Europe, réalise des improvisations légendaires dans les festivals, reçoit treize Grammy Awards, chante à Las Vegas avec Frank Sinatra, devant Ronald Reagan à la Maison Blanche, reçoit l’ordre de Commandeur des Arts et des Lettres en France et la National Medal of Arts américaine. 

Après un dernier concert au Carnegie Hall en 1991, elle met fin à sa carrière, atteinte de diabète, usée physiquement et vocalement. Elle tire le rideau en 1996 sur une existence trépidante où la musique est jusqu'au bout restée l’élément central. Elle reste aujourd’hui connue pour son talent mais également pour son activisme en faveur des droits civiques des Noirs américains.

Louise Dumont naît dans une famille d’artistes, sculpteurs et peintres reconnus. À une époque où l’école est réservée aux garçons, l’éducation des filles se fait à la maison et le contenu des savoirs est à la discrétion des parents. Heureusement, Louise bénéficie d’un environnement particulièrement favorable qui a permis l’éclosion chez elle d’une grande compositrice romantique. Sa marraine Anne Soria, constatant chez elle d’étonnantes dispositions pour la musique, la prend sous son aile et lui enseigne le piano. 

Elle suit rapidement les cours de grands professeurs. À quinze ans, elle entre au Conservatoire et prend les cours d’harmonie et de composition du célèbre compositeur Antonin Reicha. Il est le professeur de Liszt, Gounod et Berlioz.

Dans la très libre communauté d’artistes dans laquelle elle vit, on organise régulièrement des concerts entre musicien·nes. Elle y rencontre celui qui devient son mari, le flûtiste et éditeur de musique marseillais Aristide Farrenc. 

Aristide est un grand admirateur du talent de sa femme. Il devient son impresario, publie ses premières œuvres et encourage la jeune femme, alors timide et impressionnable. Louise Farrenc est l’une des rares femmes de son siècle à travailler principalement la musique instrumentale. L’époque est plutôt à l’opéra, musique vocale, genre auquel se consacre par exemple Louise Bertin. 

Les premières années professionnelles de Louise Farrenc sont dédiées aux compositions pour piano. Puis à partir des années 1830, elle s’essaye à l’écriture plus complexe pour des formations de musique de chambre. Elle compose des symphonies, des sonates, de la musique de chambre et des ouvertures. 

Son travail est comparé aux meilleures minutes des symphonies de Haydn et Mozart. Schumann admire notamment ses Variations sur un air russe opus 17 pour piano. Louise est saluée par le public. Rares sont alors les compositrices qui reçoivent un accueil aussi favorable. On qualifie sa rigueur musicale de « toute masculine ». 

C’est en donnant des cours de piano à la duchesse d’Orléans en 1842 qu’elle commence sa carrière de professoresse de piano pour filles. Plus tard la même année, elle est nommée au Conservatoire de musique de Paris. C’est la première femme à ce poste depuis la pianiste Hélène de Montgeroult en 1795, année de la création du conservatoire. 

Après dix ans passés au sein de l’institution, elle s’étonne du fait que des hommes, arrivés plus récemment qu’elle, soient davantage payés. Consciente de sa valeur et malgré sa timidité, elle ose demander des comptes : « J’ose espérer monsieur le directeur, que vous voudrez bien fixer mes honoraires au même taux que ceux de ces messieurs, car mettant de côté tout profit d’intérêt, si je ne recevais pas comme eux cet encouragement, on pourrait croire que je n’ai pas mis tout le zèle et l’assiduité nécessaire pour bien remplir la tâche qui m'était imposée ». 

Elle obtient gain de cause après des mois de combat. Son salaire augmente alors à la même vitesse que celui des autres. Fort heureusement, puisqu'elle est celle qui assure les revenus du foyer. En effet, passionné d’histoire de la musique, Aristide se lance dans la recherche pour publier une anthologie d’œuvres pour piano et ferme sa florissante entreprise d’édition. 

À l’époque, le mot compositrice ne figure pas dans le dictionnaire de l’Académie Française. On emploie alors plus volontiers l’alambiqué « femme compositeur ». C’est en hommage à Louise Farrenc que le musicologue Adrien de La Fage écrit en 1847 : « Vous permettez [aux femmes], messieurs les académiciens, d'être bonnes lectrices, vous trouvez également bon qu'elles soient habiles accompagnatrices, et si pour bien des choses vous entriez en lices avec elles vous convenez que dans le nombre vous pourriez rencontrer de dangereuses compétitrices; pourquoi donc ne leur laissez-vous pas la liberté d'être compositrices? Et de quel droit vous étonneriez-vous qu'elles fussent autrices excellentes, de même que plusieurs sont actrices sublimes? ».  Ce beau plaidoyer pour une langue inclusive n’aboutit pas. Ce n’est qu’au XXe siècle que « compositrice » est définitivement adopté. 

Louise Farrenc reste à son poste pendant trente ans. Elle est la seule femme de son siècle à occuper une telle fonction au Conservatoire.  Comme beaucoup de compositrices, elle est oubliée et négligée à sa mort. Son œuvre a fait l’objet d’une toute récente redécouverte.

Nombre d’ouvrages indiquent encore qu’un trio de scientifiques masculins, Watson, Crick et Wilkins, aurait révélé la structure en double-hélice de l’ADN. La vérité est tout autre. C’est Rosalind Franklin qui produit les données décisives qui valent à ses pairs masculins le prix Nobel en 1962.

Rosalind Franklin intègre Cambridge en 1938. Aux dires de sa famille, elle est « d’une intelligence inquiétante pour une fille ». Parlant couramment le français et le latin, elle étudie la chimie durant la Seconde Guerre mondiale, soutient sa thèse en 1945 et commence une carrière de chercheuse entre la France et l’Angleterre.

Au King’s College, elle travaille sur la chimie du charbon et du graphite, objet de sa thèse. C’est sous sa direction qu’est réalisé le célèbre « cliché 51 », une image de l’ADN produite par diffraction des rayons X qui montre une structure à double hélice. Par précaution, elle ne souhaite pas diffuser immédiatement ses résultats, et se contente de noter dans ses carnets la forme en hélice et les recherches à poursuivre.

Maurice Wilkins, l’un de ses collaborateurs du département, qui a accès à ses recherches, montre le cliché à deux autres scientifiques de Cambridge, James Watson et Francis Crick. Les données issues du travail de Rosalind Franklin apportent des éléments déterminants qui permettent de prouver les hypothèses des chercheurs. Elles sont alors utilisées à son insu et publiées. Des trois articles, parus en 1953 dans la revue Nature, qui discutent de la découverte, un seul est signé par Franklin.

Concentrée sur ses travaux ultérieurs et ses découvertes sur la structure des virus, elle ne réalise pas qu’elle a été spoliée. La scientifique meurt en 1958 d’un cancer des ovaires, à l’âge de 38 ans. Wilkins, Watson et Crick reçoivent le Nobel en 1962 pour la découverte de la structure de l’ADN.

Contre l’avis de Wilkins et Crick, Maurice Wilson publie La Double hélice, ouvrage dans lequel il brosse un portrait à charge de Rosalind Franklin. Il y minimise son apport et la dépeint en virago, en « sorcière », « perdante », incapable du génie scientifique que certains lui prêtent. L’argumentaire déclenche une polémique, c’est la correspondance de Franklin qui fait éclater la vérité.

Rosalind Franklin incarne depuis l’effet Matilda, théorisé par l’historienne Margaret Rossiter, qui décrit le phénomène récurrent de minimisation ou de déni qui caractérise les contributions des femmes à la science.