Leinwand frei!

Kürzlich spielte ich noch mit dem Gedanken einen Punkt meiner „Konzert-Wunsch-Liste“ abzuhaken und am 9. Oktober ein Konzert von Glen Hansard in der Johanneskirche in Düsseldorf zu besuchen. Heute steht fest, dass dieser Punkt meiner Liste niemals erfüllt werden wird. Nur 56 Jahre Leben waren dem irischen Singer-Songwriter oder auch letztem Barden (nach der Einschätzung des fachkundigen Tontechnikers Crosby Braverman in Parenthood) unserer Zeit vergönnt. Hansards nonchalanter Auftritt in besagter Dramedy-Serie ist ein Beispiel für die Authentizität wie Vielfalt seiner Arbeit und das erstaunliche Talent in all dem Trubel der Pop-Kultur und seiner im großen Ambitus schwingenden Popularitätswelle ganz auf dem Boden zu bleiben. Solche Phrasen werden nach dem Ende eines künstlerischen oder auch in der Öffentlichkeit stehenden Lebens zur Genüge breitgewalzt, aber dennoch müssen sie an dieser Stelle angemerkt werden. Anders lässt sich Glen Hansards Leben als Berufsmusiker nicht in Worte fassen. Das das Konzert planende New Fall Festival reagierte sofort auf die Todesmeldung und postete folgenden Beitrag im - ansonsten unbedingt zu meidenden Social Media Urgestein - Facebook:   

„Mit großer Bestürzung und tiefer Trauer haben wir vom plötzlichen Tod Glen Hansards erfahren. (…) Wer ihm begegnet ist, wird seine besondere Ausstrahlung nicht vergessen. Er hatte eine Präsenz, die einen Raum sofort erfüllte – auf der Bühne ebenso wie im persönlichen Gespräch. Mit Glen haben wir besonders gerne über gesellschaftliche Fragen gesprochen. Wir haben nicht nur seine Musik geliebt, sondern vor allem seine Haltung geschätzt. Er war ein Mensch, der seine Bekanntheit und seine Bühne nicht nur für sich selbst nutzte. Er sprach über Themen, die ihm wichtig waren, und bezog Position; auch dann, wenn diese unbequem war. Diese Aufrichtigkeit, sein Mitgefühl und sein wacher Blick auf die Welt haben uns tief beeindruckt. Beim diesjährigen New Fall Festival hätte er in der ausverkauften Johanneskirche gespielt. Dass wir Glen erneut [nach 2017] eingeladen haben, war auch für uns ein Herzensanliegen. Wir wollten ihn unbedingt wiedersehen, mit ihm sprechen und noch einmal einen dieser besonderen Abende mit ihm erleben. (…) Glen war ein außergewöhnlicher Musiker und Songwriter. Doch für uns war er weit mehr als das: ein warmherziger, aufrichtiger und zutiefst empathischer Mensch, der andere mit seiner Musik, seiner Haltung und seiner Persönlichkeit berührt hat. (...) Glen, danke für die gemeinsamen Momente. Danke für deine Musik, deine Haltung und deine Wärme. Danke, dass du unsere Herzen und die Herzen so vieler Menschen berührt hast. Euer New Fall Festival Team“ (Post vom 29. Juli)

Wie viele andere Menschen auch lernte ich die Musik des Gitarristen, Rockmusikers, Filmkomponisten und ehemaligen Straßenmusikers durch den Oscar-prämierten Low-Budget-Film Once vom einstigen Musikerkollegen John Carney kennen. Unter Rückgriffen auf das Leben seines Hauptdarstellers, Komponisten und Freundes Glen Hansard erzählt er eine wunderschöne Liebesgeschichte ohne falsche Happyend-Versprechen oder Kitsch, verortet im kalten Dublin. Im Mittelpunkt der Handlung steht klar die Musik als Ausdrucksmittel, Kommunikationsform und Verarbeitungsmodell von zwei sehr unterschiedlichen Trennungssituationen. Einprägsame Melodien, gefühlvolle aber poetisch wahre Texte, ein beherzter Gesang (der sich nicht viel um Technik oder Reinheit scherte), ein Changieren zwischen Zerbrechlichkeit und aus dem Leib gesungener Wut und – ganz entscheidend - ein vorrangig akustisches Instrumentarium bestimmen den Sound der Tracks für Once.

Ebenso lässt sich Hansards Schaffen zwischen feinem Songwriting als Solokünstler und purer Energie im Bandverband verorten. Hansard war mehr Epigone denn Visionär, aber dennoch ist sein Stil stets klar der seine gewesen und seine Stimme sofort als diese zu erkennen. Er lieh sich allenfalls Erzählmotive und ein musikalisches Erbe seiner geschätzten Vorgänger und fügte sie zu seinen eigenen Kompositionen zusammen. Angereichert mit einer erschütternden Direktheit und Tiefe, Melancholie und unerschütterlicher Hoffnung, Traurigkeit und Wut – eben allem was einem im Leben an Gefühlen begegnet. 

2026 war er den Frames schon weit (und lange) enteilt, zur Eigenmarke geworden und anders als Ed Sheeran nicht dem Pop-Ruhm verfallen. Das in Once und im Privatleben viele Jahre verbundene irisch-tschechische Duo Markéta Irglová und Glen Hansard, auch bekannt als The Swell Season, fand 2025 nach 16 Jahren für ein drittes Album wieder zusammen ins Studio und auf die Bühnen Europas. Doch die Momentaufnahme des Oscar-Wunders aus Dublin konnten sie nie wieder herstellen. Zwischen dem zweiten Swell Season-Album (2009) und der Reunion 2025 war Hansard aber keinesfalls tatenlos. Neben weitern Filmprojekten (darunter mit Can a song save your life? ein weiterer Musikfilm vom unermüdlichen John Carney).

Hier ein Blick auf die nackten Produktionszahlen einer viel zu kurzen Karriere:           

1992-2006: 6 Studioalben mit The Frames

mit The Swell Season:

2006: The Swell Season

2009: Strict Joy

2025: Forward

Als Solo-Künstler:

2012: Rhythm and Repose

2015: Didn’t he ramble (mit Brass Band)

2018: Between two shores

2019: This Wild Willing

2023: All that was east is west of me now

April 2026: Don’t Settle (1) – Transmission East

Juni 2026: Don’t Settle (2) – Transmissions West

Das letzte Werk wird nun ein zweiteiliges Live-Album bleiben, aufgenommen im Funkhaus Berlin vor 600 Fans und eine Reise durch das Wirken des Ausnahme-Musikers und zugleich dem Bewahrer einer Folk-Tradition, wie es sie wohl nicht mehr ewig als gelebte Praxis geben wird. Von Blasinstrumenten über Streichersets und das immer wieder wichtige Klavier erklingen reale Instrumente, ohne der Elektronik abzuschwören. Aber die Kraft liegt in den Songs, den Texten und Melodien, und Glen Hansards Persönlichkeit, nicht in Technik und Effekten. Was als Bestandsaufnahme geplant war, ist nun das musikalische Schlusskapitel eines eine große Lücke reißenden Musikers und Menschen geworden.  Die Veröffentlichung der Filmaufnahmen dieser „letzten“ Session wird das Trauern weiter aufrechterhalten.

Bei der großen öffentlichen Trauerfeier spielten seine einstigen Bandkollegen in Dublin gemeinsam mit seiner Swell Season-Partnerin Irglová und Eddie Vedder. Bono war auch unter den Gästen. Ein weiterer Beleg für die Popularität und deren geringe Auswirkung auf die musikalischen Entscheidungen (von außen betrachtet zumindest). Ähnlich wie bei verstorbenen Rock-Ikonen der Vergangenheit erwies man Hansard am 4. August eine große Erinnerungsstunde voller Prominenz und echt scheinendem Bedauern wie Unglauben über den plötzlichen Verlust. In den Statements fällt auf, das Musiker und Mensch gleichermaßen bedacht und erinnert werden. Das Team des New Fall Festivals ist da ein repräsentatives Beispiel für den Tonfall und Stil des Erinnerns im Moment des Schocks.

Glen Hansard hat die Konzertbühne viel zu früh verlassen - und Unfälle hinterlassen immer einen besonders bitteren Beigeschmack des unverschuldeten Unglücks. Doch seine Stimme wird zumindest auf Tonträgern, Filmbildern und in Erinnerungen vieler Fans, Freunde und seiner Familie bleiben. Viele seiner Texte würden sich hier zum Ausklang des Textes eignen. Doch angesichts des tragischen Endes sollen hier die Worte aus Say it to me now (Once-Soundtrack) zu lesen sein:

Regisseur Daniel Roher hat es 2023 mit dem Gewinn eines Oscars für seinen Dokumentarfilm über Nawalny in den Fokus der breiten Öffentlichkeit geschafft. The Piano Tuner ist sein erster Langspielfilm und das Interesse ist nun sicher entschieden größer – und der Druck damit auch. Hinzu kommt das seine Besetzung äußerst prominent ist. Neben den Altmeistern Dustin Hoffmann (als uriger Klavierstimmer Harry Horowitz), Jean Reno (als unnahbarer Komponist Marius Maissner) und einem Gastauftritt von Herbie Hancock als er selbst tritt Leo Woodall als Hauptdarsteller auf. In einem mittlerweile beinahe typischen Karriereverlauf hat eine erfolgreiche Netflix-Serie den entscheidenden Anstoß zu seiner derzeitig zunehmenden Prominenz gegeben. Als Niki White überzeugt er in einer komplexen und wechselhaften Rolle. Einerseits ist er musikalisch betrachtet hochbegabt, andererseits leidet er unter Hyperakusis (einer krankhaften Hellhörigkeit) und kann daher trotz eines absoluten Gehörs nicht mehr Klavier spielen – ein schmerzlicher Verlust für das einstige Wunderkind. Zudem ist er dadurch isoliert von der Gesellschaft, nicht nur durch die dicken Kopfhörer, sein Schutzschild vor unerwarteten Geräuschen. Harry Horowitz hat ihn trotz all dieser Schwierigkeiten als Klavierstimmer-Lehrling angenommen und preist seine Fähigkeiten gegenüber allen Kunden wie Zufallsbegegnungen lautstark an. Er übernimmt eine Aufgabe die sonst keiner erfüllt und ist Vater, Ausbilder und bester Freund in einer Person.   

Zu Beginn des Films begleitet der Zuschauer das gut eingespielte Paar bei der Arbeit. Das junge Naturtalent stimmt teure Flügel in exklusiv wirkenden New Yorker Wohnungen, während sein Ausbilder sich in einem Sessel fläzt und amüsante bis ernsthafte Kommentare von sich gibt. Manchem Kunden muss erklärt werden, dass Klavierstimmer keine Installateure sind, anderen warum ein nie gespielter Flügel auch regelmäßig gestimmt werden muss. Vom einstigen Ruhm unter den Musikern zehrend hat das Unternehmen viele Aufträge – der Inhaber dennoch wenig Geld. Nachdem er eben noch seinen Schützling dazu zwingt eine junge Kompositionsstudentin die Tasche nach Hause zu tragen liegt er wenig später mit immensen Schulden über 36 000 Dollar bei der Krankenversicherung im Krankenhaus. Um seiner Wahlfamilie zu helfen, geht Niki nun doch den Deal mit dem zufällig beim Stimmen eines Flügels angetroffenen Kriminellen Uri ein und übernimmt von nun an das Tresor knacken für seine Verbrecherbande.

Eine Zeit lang hat er das Beste aus beiden Welten: eine aufblühende Beziehung, die Möglichkeit die Schulden Harrys zu begleichen und große Anerkennung durch die etwas unbeholfen wirkende Bande. Mit dem Tod Harrys beginnt alles zu kippen. Zum letzten Coup wird er mithilfe einer Tröte gezwungen und dann durch die dortige Geräuschkulisse gefoltert. Dabei wusste er den Code für das Konto eigentlich und hätte sich die Qual erleichtern können. Zum Abschlusskonzert der Freundin kommt er zu spät und wird enttarnt, weil die von ihm weitergeschenkte Uhr vom Komponisten Meissner als bei ihm gestohlenes Erinnerungsstück wiedererkannt wird. Die versprochene Wiederbeschaffung des Gegenstücks endet in einer fatalen Verletzung und der annähernden Taubheit.

Die letzten zwanzig Minuten dieses Films sind äußerst anrührend sowie beinahe lautlos - wenn auch nicht durchgängig glaubwürdig, gerade die Enttarnung als Tresorknacker scheint doch etwas konstruiert. Die gestohlene „Holocaust“-Uhr bekommt Meissner abschließend persönlich vom lädierten Niki vorbeigebracht. Nach seinem Freispruch wagt er die Konfrontation mit seiner Ex-Freundin, nun Assistentin des Komponisten – wie von ihr erträumt. Schlusspunkt des Films ist Nikis erstes Klavierkonzert seit der Kindheit – und die von Tränen begleitete Erkenntnis Ruthies, dass er mit seiner wohl schmerzhaftesten Beleidigung ihr gegenüber Recht hatte: er ist so talentiert, wie sie es auch mit jahrzehntelanger Übung nie sein wird. Ihre Tränen können aber auch anders gelesen werden. Niki hat seine (scheinbar) größte Gabe und zugleich Last verloren – und dafür wieder die Möglichkeit Musik zu machen. Der Preis dafür scheint aber doch entschieden zu hoch zu sein.

Rohers Drehbuch hat einige Schwächen, welche aber verschmerzbar sind und von einer tollen Gesamtinszenierung, einer gekonnten Darstellungsleistung wie einer beeindruckendem Tonabmischung ausgeglichen wird. Doch vier große Logiklücken sollen hier erwähnt sein:

Die horrenden Bareinzahlungen auf das Konto Harrys bei der Krankenkasse werden von der entgegennehmenden Beamtin überhaupt nicht hinterfragt. Bareinzahlungen über 10 000 Dollar dürften aber eher unüblich sein.

Die Naivität Nikis in der Einschätzung von Uris Diebstählen und sein Gutglaube gegenüber der unprofessionell auftretenden Truppe. Diese zeigt sich schon wenn er sie erstmals beim Einbruch überrascht und ihnen den Tresor nur knackt um wieder an seine Arbeit gehen zu können. Er behebt nur eine akustische Störquelle und nimmt die unglaubwürdigen Antworten der drei Security-Leute einfach hin. 

Die Enttarnung durch die Konfrontation mit dem Bestohlenen Komponisten mit einer von ihm gestohlenen Armbanduhr am Handgelenk der Freundin (und das sie dennoch zur Assistentin wird). Natürlich eignet sich dieser Erzählmoment zur Beschleunigung und zum Einstieg in einen Showdown in der Handlung. Aber unwahrscheinlich ist dieses Auffliegen in jedem Fall.

Das große Abschlusskonzert, nachdem er viele Jahre kein Klavier mehr richtig gespielt haben soll. Natürlich kann Niki heimlich gespielt haben und in seinem Zimmer steht auch offen sichtbar eine Gitarre – aber das wird im Film nie gezeigt. Vielleicht hat er mit der plötzlichen Reduktion seiner Hörkulisse wieder begonnen zu spielen – aber auch das ist nicht zu sehen. Er lehnt es wiederholt vehement ab etwas zu spielen, was aufgrund seiner Hypersensibilität auch glaubwürdig ist. Und nach so langer Zeit wären seine Finger kaum in der Lage physisch ein solches Konzert aus dem Stehgreif zu geben. Musik machen auf einem solchen Niveau ist körperliche Arbeit, eine sportliche Leistung und Training ist dafür nun mal unabdingbar.

Insgesamt lässt sich der kurzweilige Film auch anhand dieser „Mängelliste“ als Kombination aus dem Roman Für Polina von Tarkis Würger und dem Film Babydriver beschreiben.

Ein erzählendes Drama welches sich kurz zur Romanze und letztlich zum Einbruchsthriller entwickelt um als nostalgischer Musikfilm und Tragikomödie auszuklingen. In dieser Kombination mag man inhaltliche Unentschlossenheit oder gekonnte narrative Schnitttechnik sehen, in jedem Fall vermag er an vielen Stellen zu überraschen und zu berühren. Leo Woodall lässt einige wenige, aber prägnante Sätze fallen, welche es leicht machen sich in ihn hineinzuversetzen. Ein schön erträumtes Element ist die Unbestechlichkeit Nikis, welcher gar nichts von dem Geld für sich nimmt und die akustische Folter beim letzten Coup erträgt, obwohl er die Kombination für das Bitcoin-Konto kennt und dies gar nicht müsste. Nicht einmal die Million, welche er von besagtem Konto zuvor bereits abgehoben und Harrys Frau im Klavier versteckt hat, nimmt er für sich. In kapitalistischen Zeiten ist ein solcher Charakter beinahe anachronistisch bis märchenhaft. Von Diebstählen zu sprechen ist hier schwierig, da er es tatsächlich nicht zur eigenen Bereicherung tut. Er ist dann charakterlich doch näher an Robin Hood als an Jan Marsalek.   

Großartig an der Inszenierung ist die auditive Umsetzung von Nikis feiner akustischer Wahrnehmung wie der Überforderung in lauten Kulissen. Am Anfang wirken die großen Kopfhörer wie Dekoration doch im Laufe des Films wird ihre Notwendigkeit immer deutlicher. Sie isolieren ihn von seiner Umwelt und nicht alle Kunden (oder auch Menschen) haben Verständnis dafür. Insgesamt ist die Tonabmischung hier sehr gelungen. Der Ton macht es dem Zuschauer möglich mit dem Protagonisten mitleiden zu können und trägt entscheidend zur Spannung bei.

Die klassische Musik und die Liebe zum Musizieren ist ein weiterer Pfeiler, welcher bei der Reparatur von Ruthies Flügel besonders deutlich wird. Die meisten Flügel die er repariere und stimme würden niemals gespielt, auf diesen hier käme es an, meint der zwischen zwei Aufträgen schnell helfende Klavierstimmer Niki zu seiner späteren Freundin. Ein toller Satz, welcher ein Problem der Musik in der modernen Zeit pointiert auf den Punkt bringt: Vermögende Menschen haben die Mittel sich als Statussymbol einen schicken Flügel neben den Porsche zu stellen – aber reale Musiker, deren Liebe zur Musik beinahe zwingend zu sein scheint leben ein entschieden bescheideneres bis prekäres Leben. Anerkennung der Gesellschaft und Förderung durch die Politik wird an vielen Stellen zurückgefahren und die Musik einfach als existent hingenommen. Ihr gesellschaftlicher Wert ist aber auch außerhalb von populären Massenevents und Stadionkonzerten groß. Die klassische Musik ist derzeit nicht mehr so elitär wie sie einmal war. Doch das wird vielen wohl erst auffallen, wenn sie gar nicht mehr live zu hören ist. 

Andererseits differenziert Roher den Blick auf arm und reich, wenn eben doch einer der Bestohlenen etwas von großem persönlichen Wert im Tresor aufbewahrt – anders als Uri es seinem persönlichen Tresorknacker verkauft. Und dieser gibt auch die Uhr zurück – nachdem er den Hörkanal Nikis schwer geschädigt hat. Reichtum wird weder verteufelt noch verherrlicht und diese Ambivalenz stärkt die Geschichte.

Nach den Erfahrungen in den ersten heftigen Hitzewoche stellt sich schon vorab für die Zukunft die Frage wie man solche Tage des nur langsam ratternden Verstandes verbringen kann – idealerweise sinnstiftend und erfüllt. In dieser ersten europäischen Hitzewoche konnte man hitzigen Debatten beim Bachmann-Wettbewerb folgen oder (wenn man denn die FIFA tatsächlich unterstützen will und die Veranstalter Infantino wie Trump in ihrem Tun bestätigen möchte) die Gruppenphase der Fußball-WM verfolgen. Besonders zu bewundern sind bei beiden Veranstaltungen die Zuschauer. In der Sonne schwitzend lesen die Zaungäste des Wettbewerbes konzentriert die vorgetragenen Texte mit während die Teilnehmer im gut gekühlten Lesesaal auftreten. Für die kommenden Tage bietet sich alternativ die Tour de France oder die Finals an – alles sehr erfrischend, wenn man im abgedunkelten Wohnzimmer sitzend am Mittag fernsehen kann. Ideal wären derzeit Schwimmwettbewerbe, aber die Weltcuppläne werden nun einmal (noch) nicht an den neuen Normaltemperaturen orientiert aufgestellt. Ob in diesem Jahr alle Etappen der traditionsreichen Frankreichrundfahrt wie geplant gefahren werden und wie hoch die Temperaturen im sich stetig erhitzenden Frankreich noch steigen werden ist nicht abschließend geklärt. In jedem Fall stehen die Fahrer klimatisch vor anderen Herausforderungen als noch vor einigen Jahren. Die diversen Deutschen Meisterschaften während der Finals erwartet ähnliches. Die Sportler brauchen hier kluge Veranstalter und sportliche Leiter, welche deren sportlichen Ehrgeiz abbremsen, wenn die körperlich Gefährdung zu groß wird.

Die andere Möglichkeit in solchen Zeiten ist sich geistig zu betätigen, also zu lesen, Musik zu hören oder Filme zu schauen. Die Festivalsaison ächzt ebenso wie die Sportwelt unter Temperaturen um die 40 Grad. Dennoch erscheinen auch diesen Sommer viele neue Alben. Unter den prominentesten Musikern hierbei sind die Altmeister aus England: The Rolling Stones mit einem vermutlich letzten Studioalbum, Jack White mit der neuesten nostalgischen Rock-Platte Frozen Charlotte, die Veteranen des Britpop: The Strokes mit ihrer neuen Studioproduktion Reality Awaits und Muse, die britischen Großmeister des Stadion-Rocks oder Giganto-Pop, ganz wie man möchte. Leider konnte der hier schreibende arme Muse-Fan das Album noch nicht hören – die vorbestellte CD und MC stecken noch in der Zustellung fest. Leider gehört Great Britain, die Wiege des Pop, nicht mehr zur EU und daher erwartet man hier mit Spannung den zu löhnenden Preis für Lagerung und Zoll. All diese Musik lässt sich streamen und digital hören – oder aber ganz analog auf einem Speichergerät erwerben. Die Foo Foghters spielten am 1. Juli eine Shpw in Berlin, The Cure bieten in diesen Tagen gleich drei Konzerte auf der Parkbühne Wuhlheide in Berlin, Muse kommt im Herbst für drei Konzerte nach Deutschland, die Babyshambles im Dezember nach Luxembourg. An vielen Orten in Europa werden Open-Air-Konzerte geplant, und gerade Seekonzerte dürften aufgrund natürlicher Kühlungsmomente für das Publikum interessant sein. Doch auch hier führt die immer schwierigere Planbarkeit der Sommer-Events zu zunehmenden Aufgaben von lange gewachsenen Festivals, da dort die Unsicherheiten angesichts horrender Aufwendungen im Voraus zu groß sind. Die Kulturförderung wiederum fokussiert sich zusehends auf die großen „Flaggschiff-Projekte“ und lässt die reiche alternative oder selbstorganisierte kleine Szene in allen Sparten ein wenig bis stark hängen. Allen Festivalbesuchern in diesem Jahr aber dennoch viel Spaß bei allen stattfindenden Veranstaltungen.      

Literarisch bieten sich für die nun angestoßene Sommerferienzeit viele Möglichkeiten. Naturgemäß erscheinen viele Neuerscheinungen und die Urlaubszeit bietet zudem die Möglichkeit lange geplante Leseprojekte in die Tat umzusetzen. Das muss kein Mammutprojekt wie die Lektüre von Prousts Auf der Suche nach der verlorenen Zeit sein (welches auch in Abschnitten lesbar ist) und kann auch ein kurzweiliger und schlicht weniger umfangreicher Stoff sein. Natürlich bietet es sich derzeit an Homers Odyssee in Angriff zu nehmen, um gut vorbereitet in Christopher Nolans Interpretation im Kino zu sitzen. Lesend kann der realen Hitze entweder mit imaginärer Kühle oder aber mit auch mit imaginärer Hitze begegnet werden. In Dystopien werden Szenarien gezeichnet, welche unsere derzeitig erschreckenden 40 Grad wie einen Vorgeschmack wirken lassen – und dieser ist es auch nach Ansicht vieler Klima-Experten. Die Science-Fiction-Literatur ist diesbezüglich gedanklich schon weit gekommen, die imaginierten Zukünfte rücken immer näher an unsere Gegenwart – und dieses bedrohliche Gefühl sollte eher zur Lektüre anregen als davon abzuschrecken. Doch fernab davon kann auch kühlende Unterhaltung neben der dystopischen Konfrontation stehen.  

Zur Abkühlung gibt es (in jedem Jahr erneut) diverse Krimis, welche im kalten Norden spielen oder auch (ebenso regelmäßig erscheinend) diverse Coming of Age-Klassiker deren Hauptspielort das nostalgisch verklärte Schwimmbad ist. Das diese gerade in kleinen Dörfern zusehends aussterben stärkt diese Nostalgie, lässt das starke wie hartnäckige Motiv der jugendlichen Freiheit aber keinesfalls schwinden. Passende Titel hierzu wären Der große Sommer von Ewald Arenz, Das Summen unter der Haut von Stephan Lohse, Call me by your name von André Aciman (sowie die Verfilmung vom perfektionistisch ästhetisch arbeitenden Filmemachers Luca Guadagnino), die Ripley-Reihe von Patricia Highsmith (sowie die gelungene Verfilmung des Auftaktbandes) Rattensommer von Juliane Pickel oder auch der Dauerbestseller 22 Bahnen von Caroline Wahl. Eine zweite Untergattung in der Belletristik, welche besonders geeignet zur ideellen Abkühlung sind, sind Inselromane. Seit Robinson Crusoe (Daniel Defoe) und Zwei Jahre Ferien (Jules Verne) ist dieses Ideal von Eskapismus und Rückkehr zur Natur ein lebendiges Thema. Der Mare Verlag hat sich ganz auf das Thema Meer spezialisiert. Seit 1997 erscheint die Zeitschrift eines Schweizer Meeresbiologen, seit 1999 veröffentlicht dieser auch Romane und Anthologien zu maritimen Geschichten. Der Reclam-Verlag verlegt seit einigen Jahren auffallend bunte UB-Titel, welche ebenfalls einen maritimen Bezug haben. Darunter sind Werke von den Abenteuerautoren Hermann Melville, Jack London und Jules Verne. Über letzteren gibt es ein sehr schöne, wenn auch etwas didaktisch angelegte Graphic Novel aus dem Knesebeck-Verlag, welche zu jeder Jahreszeit empfehlenswert ist.

Die gewählten Spielorte sind häufig eher an den harten Küsten von Irland, an der Nordsee oder in der Bretagne zu finden und die Helden sind häufig die letzten Verbliebenen einer einst großen Dorfgemeinde. In Dörte Hansens Zur See wird die Sprache der Insel zu einem zentralen Thema. Die verschiedenen Protagonistin scheinen an ihre Heimat gekettet, unentrinnbar an diese wenigen Wege und Felder gebunden zu sein. Die passende cineastische Begleitung zu diesem für Sprachwissenschaftler, Kopfreisende und Trauminsulaner interessanten Roman ist The Banshees of Inisherin, ein tieftrauriger aber über alle Maßen beeindruckender Film mit Colin Farrell und Brendan Gleeson. Passende Co-Lektüren wären Ein klarer Tag von Carys Davies, Sweetland von Michael Crummey oder der weniger bekannte Erlebnistext Die Aran-Inseln vom europäischen Autoren John M. Synge, verlegt in einer sehr schönen Ausgabe des auf unbekannte Klassiker spezialisierten Manesse-Verlages. Ein klarer Tag erzählt von der Konfrontation der „modernen Zivilisation“ mit der ungebremsten Insel-Natur und einer unerwarteten Freundschaft. Sweetland geht von einer ähnlichen Situation aus, um eine andere Konsequenz zu ziehen. Die Aran-Inseln wiederum ist eine Reportage des Versuchs über Sprache und gemeinsame Zeit in eine isolierte Gemeinschaft aufgenommen zu werden – ohne kolonialistisch aufzutreten.

Das Meer ist gerade in Zeiten der globalen Fluchtbewegungen ein unwegsamer Begleiter und von nie zu unterschätzender Macht wie Eigenständigkeit, eine Markierung der Grenze der menschlichen Einflussnahme aus sein Leben und seine Umgebung. Diese Demut muss jeden Tag aufs Neue erkämpft werden. Nicht ohne Grund hat beim Booker Prize Träger Paul Lynch in Der letzte Prophet das Meer das letzte Wort, nachdem im schon 2019 erschienen Vorgängerroman zwei Menschen Schiffbruch erleiden und in ihrem Schiff auf dem Meer umhertreiben. Er ist im Anschluss an Hermann Melville (Moby Dick) und Herbert Clyde Lewis (Gentleman über Bord) zu lesen. Der letzte Insel-Tipp an dieser Stelle soll Mitternachtsschwimmer von der irischen Autorin Roisin Maguire sein. In meisterhafter Weise und mit pointierter Sprachökonomie beschreibt und erfasst die Autorin eine Dorfgemeinschaft an der Küste in einer beeindruckenden Personentiefe. Abgesehen von einer etwas unnötig romantischen Szene gegen Ende des Romans ist dieser Text im besten Sinne dramatisch und tiefgängig – und seine Hauptfigur ist das Meer, fraglos.  Auch Reiseromane sind natürlich prädestiniert für die Sommer-Leseliste.    

Aktuellere Titel aus der Belletristik werden mittlerweile auffallend häufig vor dem Hintergrund einer extremen Hitze erzählt. Neue Titel dieses Sommergenres sind etwa Restsommer von Kea von Garnier und Ultramarin vonAnn-Kristin Kumm oder Unterwasserblau von Petra Hucke. In Andreas Eschbachs aktuellem Roman Ins fahle Herz des Sommers leben die wenigen verbliebenen Europäer vorwiegend in der Nacht. Tagsüber sind die Temperaturen so hoch, dass die Fahrradreifen während der immer weiter wegführenden Vorratssuche auch bei Nacht anfangen zu schmelzen. Inmitten dieser Apokalypse trifft der Protagonist auf eine Fremde, welcher die Hitze nichts auszumachen, beinahe für diese optimiert zu sein scheint. Auf wenigen Seiten entwickelt er eine erschreckend nahe wirkende Dystopie des ausgedienten Modells Mensch. Dadurch das es sich hierbei nicht um Zukunftsimagination, sondern eine beinahe gegenwärtig spielende Erzählung handelt wirft der Wissenschafts-Spannung beherrschende Autor einen direkten Blick auf einen drohenden Kipppunkt der Gesellschaft. Auch hier ließe sich wieder die Brücke zu Nolans Odyssee schlagen, in welcher Odysseus sein Trauma mit dem Erblicken des Untergangs einer Zivilisation und einer Negation der Menschlichkeit im trojanischen Krieg begründet (um anschließend in einem Akt der brutalen Unmenschlichkeit einen ganzen Raum voller Gegner im Alleingang umzubringen – aber diese Diskrepanz ist an anderer Stelle zu hinterfragen). Ein Gegenmodell wäre der Roman Hinter den Mauern der Ozean von Anne Reinecke. Die Autorin entwirft eine Dystopie, in welcher die Menschen sich mit dicken Mauern vor den Meeresfluten retten, diese bedrohen den geschrumpften Lebensraum von allen Seiten und die Menschen suchen nach Sinn und Schuld hinter diesen Geschehnissen. Ein eigener, aber auch besonderer Roman – insbesondere für Berlin-Kenner aber auch für alle Kopfreisenden.

Mehr in der Realität verankerte Sommergeschichten müssen keine romantischen Abenteuer oder Coming of Age-Texte sein – sie können auch literarische Kleinode und philosophisch anregende Geschichten sein. Das soll die anderen Genres nicht abqualifizieren, auch sie haben ihre Vorzüge und es gibt Momente, in welchen das Heranwachsen eines Jugendlichen leichter zu lesen ist als die komplexe Gedankenwelt eines Romans mit tiefer greifenden Gehalten. Der Mittelweg wird von Sofia Montrone in Der Tag war schön und ich denke an dich (Originaltitel: Nymph) beschritten:

„Der Tag ist grau und leuchtend, ihr Vater spricht schon wieder von Holzpferden.“ (I, S. 11) „Nach einem Todesfall läuft die Zeit rückwärts. Alles dreht sich um das, was geschehen ist. Es ist geschehen. Was danach kommt ist nur ein Faden, der in die Vergangeheit zurückführt. Der Tod ist eine Frage des Standpunktes, er ist wie der Zeiger einer Sonnenuhr, der die Zeit zwingt, um ihn zu kreisen.“ (II, S. 110)

Hier wird eine italienisch gefärbte Sommergeschichte erzählt – scheinbar. Denn die Erzählung gliedert sich in ein davor (I) und ein danach (II). Davor verbringt die Erzählerin einen für sie typischen Sommer im Hotel der Familie in Italien. Ihr Vater ist Intellektueller und Alkoholiker, welcher zusehends die Kontrolle über sich verliert. Doch in ruhigen, nüchternen Momenten erzählt er seiner Tochter von den Abenteuern des Odysseus. Danach sucht sie in dieser Geschichte nach einer Zukunft für sich selbst und findet ihren mühevollen Weg in eine solche, sie entflieht den Fängen der Vergangenheit. Die Leerstelle, der Verlust des Vaters wird bewusst ausgelassen, um die Differenz zwischen davor und danach deutlicher zu machen. Und dieser Schachzug mag einfach sein, ist aber äußerst effektiv.   

„Sein Tod hat ihr die größte Gewissheit ihrer Jugend genommen – dass sie eines Tages eine andere Person sein wird. Dass die anstehenden Veränderungen enorm und bedeutungsvoll sind. Diese Verheißungen bieten Leo keinen Trost mehr. Die Zukunft gähnt ihr so bedrohlich entgegen wie eine dunkle Höhle.“ (II - S. 134)  

„Der Tag war schön, und ich dachte an dich. Das wird sie später schreiben. Wann immer ich etwas Schönes sehe, wünsche ich mir, du wärst hier und könntest es ebenfalls sehen. Ich könnte dir meine Augen leihen. Stattdessen werde ich lernen, die Dinge zu beschreiben.“ (Schluss - S. 270)

Und dieses am Ende des Textes formulierte Ziel erreicht die Roman-Debütantin Sofia Montrone in mitreißender und unsentimentaler Weise. Sprachlich wie inhaltlich ist dieser Roman keinesfalls leicht – aber die Übersetzung von Eva Bonné lässt kunstvoll diesen Anschein erwecken. Neben der dramatischen Geschichte wird auch die Schönheit der – unter einer Hitzewelle ächzenden - Gegend in der Sprache lebendig, in der Vorstellung bildhaft klar. Die Parallelen zu André Acimans poetischer Ode an einen Sommer in einer Traumlandschaft in Italien sind hier rein ästhetisch, die Ideen wie der Stil beider Schreibenden sind gänzlich eigen. Zudem macht sich Aciman um zu große Hitze kaum Gedanken, sein Roman ist in einer anderen Zeit entstanden und speist sich aus der Erinnerung an entschieden kühlere Sommer. Aber sein Werk spielt in einem geeinten Europa und alle Romane haben eine große poetische und philosophische Kraft, voller Wissenschaft und Menschlichkeit. Diese Qualitäten sind auch Montrone zuzurechnen -   

An dieser Stelle sollen zwei in nahezu allen Betrachtungsaspekten kaum bis nicht vergleichbaren Produktionen im Fokus stehen: das fiktive Beziehungsdrama The Drama – Alles auf Anfang und das nach langen Streitigkeiten und späten Änderungen nun einsichtbare (wie sehr erfolgreich in den Kinos gestartete) Biopic über den „King of Pop“ mit dem knappen Titel Michael. Ein Bindeglied ist der Star-Faktor, die Beschäftigung mit der Bedeutung von Wahrheit und das Medium Film – weiter reicht die Verwandtschaft nicht. Was die beiden Filme allerdings sinnbildlich aufzeigen, ist der fließende Übergang zwischen Realität und Fiktion. Während das „schwarzhumorige“ Beziehungsdrama mit Robert Pattinson und Zendaya klar der Fiktion zuzuordnen ist (ohne eine zufällige Koinzidenz von reellen menschlichen Abgründen und der Fantasie von Drehbuchautoren ausschließen zu wollen) steht das Biopic ebenso wie seine verwandten Formen - die schriftliche (Auto-)Biografie und die per defitionem der Objektivität verpflichtete Form der Künstlerdokumentation - an der Schwelle zwischen Fakt und Fiktion.

Im Falle von Michael haben die Differenzen zwischen den verschiedenen Wahrnehmungsrealitäten von Beobachtern, der Familie und der interessierten Öffentlichkeit sich in einer öffentlichen Debatte gezeigt, welche schon im Zuge des erfolgreichen Biopics über Freddie Mercury und Queen in entsprechender Form debattiert worden ist. Lange stand das Projekt als Mythos im Raum, nach Produktionsstart war das Team dahinter unstetig, der Veröffentlichungstermin rückte immer weiter in die Ferne und zuletzt wurde nach Forderungen der Jackson-Familie und damit einem Teil des Produktionsteams das Material neu geschnitten – ergo einige Szenen wieder herausgezogen. Dieser Vorgang war auch bei Bohemian Rhapsody zu beobachten, allerdings wollten da die (ebenfalls in die Produktion eingebundenen) Weggefährten Mercurys sich selbst als brave Ehemänner skizziert sehen und nicht in die Darstellung der vorrangig porträtierten Gestalt eingreifen. Kritische Momente sind damit auf dem Schnitttisch noch reduziert, das Bild des großen Künstlers aber umstrittenen Menschen abgeflacht und zur Legende geglättet worden. Jacksons Gesangstalent wird zudem in einen spirituellen Zusammenhang gerückt und die Narration läuft damit Gefahr, die menschlichen Verfehlungen entschuldbar machen zu wollen, indem seiner Kunst eine existentielle Bedeutung für die Menschheit zugerechnet wird. In solchen Momenten ist die Trennung von Kunst und Künstler besonders wichtig und unumgänglich, um diese Widersprüche im Wesen eines Menschen zeigen zu können. Nicht, um die menschlichen Schwächen von der Kunst zu entkoppeln, sondern sie in der angemessenen Verbindung zu sehen.

An Biopics wird an dieser Stelle nicht die Anforderung der absoluten Faktentreue und Authentizität gestellt, aber idealerweise fangen sie den Geist der zentralen Figuren und/oder ihrer Wirkungszeit ein und liegen dabei mit Daten und Abfolgen möglichst nahe an den belegbaren Fakten – oder aber sie ändern eine Grundprämisse ganz offen und zeigen damit durch Fiktionalisierung, Verfremdung oder Spiegelung Aspekte des realen Lebens auf. Eine reine Legendenpräsentation ist nur ein Fanservice und zudem auch Realitätsverzerrung, da leider die Hollywood-Interpretation der Biografie auf Dauer die wissenschaftliche Auseinandersetzung in der Breitenwahrnehmung des Publikums überstrahlen wird. Popkultur ist in dieser Hinsicht entschieden mächtiger als der akademische Mikrokosmos – insbesondere im Bereich der Kunst (und dazu gehört auch die Kinematographie und Filmwissenschaft.)

In Zeiten der Zerrüttung der Bedeutung und Mächtigkeit objektiv messbarer Fakten sind solche Verschiebungen nicht einfach abzutun. Bei Musiker-Biopics wiederum ist sicher auch der Umgang mit der Musik entscheidend und ganz besonders die Frage, ob diese im Film praktiziert oder Playback abgespielt wird. Denn auch dies ist ein Aspekt der „Realitätsdarstellung“ und die Basis der Glaubwürdigkeit des Films sowie der dort dargestellten Figuren. Und damit gelangt man schon zum zweiten Problem des Biopics über Michael Jackson. Die Original-Tonspuren sind die Grundlage des Films, welcher sich daher ab einem gewissen Punkt wie ein langes Musikvideo anfühlt. Es wird sich gar nicht erst darum bemüht die Illusion aufrecht zu erhalten, dass die Musik von den Darstellern ausgeführt wird. Die Jacksons verbeugen sich am Ende schon während das Stück weiterläuft. Tänzerisch weiß Michael Jacksons Neffe in die gut dokumentierten Fußstapfen seines Onkels zu treten, aber es sieht immer nach einem Playbackauftritt aus. Als Musikvideo ist diese Kompilation mitreißend und die Musik bleibt nach wie vor überragend gut, aber eine gewisse Distanz zu der Produktion ist nicht zu überwinden. 

Im Bob Dylan-Biopic aus dem letzten Jahr findet sich hier ein akkurates Gegenbeispiel. Timothee Chalamet gibt sein Bestes dem großen Dylan zu ähneln, aber letztlich überzeugt diese Darstellung nicht wegen Äußerlichkeiten, sondern aufgrund der musikalischen wie zeitgeistlichen Akkuratesse und der Tiefe der voll ausgespielten Songs. Dass es sich hier um eine Lesart des Musikers handelt und faktenbasierte Wahrheit nicht das Ziel des Narrativs ist, wird nie in Frage gestellt. In Michael wiederum wird die Erfolgsgeschichte eines großen Kindes erzählt. Ein Kind, welches aus dem Armenviertel in den Reichtum katapultiert wird, vom Vater zum Erfolg gezwungen und damit in die Isolation getrieben wird sowie eine beinahe krankhafte Sehnsucht nach der Unberührtheit der Kindheit und dem „Neverland“ Peter Pans entwickelt. Ein Zoo ersetzt die Freunde und der krankhafte Ehrgeiz und Perfektionismus in der musikalischen Arbeit ist die Krönung der Arbeit des Vaters, welcher einen perfekten Superstar erschaffen hat. Sein „von Gott gegebenes“ Talent macht ihn zu einem einmaligen Phänomen, weswegen „er nie sein wird, wie alle anderen“ und das Licht in ihm muss (wie das in jedem Einzelnen) nach draußen getragen werden. Diese an Zeilen aus Rudolph, the red nosed reindeer gemahnende Philosophie verleiht „Michael“ einen spirituellen Nimbus – während er sich aus Selbstzweifeln die Nase schmälern lässt.  Daher geht man auch nach Verbrennungen dritten Grades am Hinterkopf inklusive massiver Nervenschäden sofort wieder auf Tour, denn die geschenkte zweite Chance zeigt ja die Verpflichtung dieses Licht mit anderen zu teilen.

Die problematische Beziehung des Vaters zu seiner Familie – also die Ausbeutung der minderjährigen Söhne als Kapitalanlage und der Verkauf dieses Missbrauchs als sozialen Aufstieg gipfelt in unfreiwillig komischen Versuchen des erwachsenen Michael Jackson von der Familie loszukommen. Im Film gelingt ihm das nur in der Sicherheit des Scheinwerferlichts auf der Bühne, alle vorherigen Ablösungsschritte werden vom Label und dem (heimlich engagierten) eigenen Manager übernommen. Und natürlich beschränkt sich der Konflikt auf Michael und den Vater, während seine (vermutlich weniger talentierten) Brüder nie im Streit mit Joe gezeigt werden und er diesen am Ende seinen Dank ausspricht für die langen zwanzig Jahre. Andererseits wird deren Mitwirkung an den ersten Demos zu Off the Wall nicht thematisiert. Die übrigen Jacksons sind stets bereit breit grinsend und in perfekt abgestimmter Choreografie ans Mikro zu treten, nur das Genie Michael macht mit Widerworten und Müdigkeit Probleme. Die Karriere Janet Jacksons bleibt gänzlich unerwähnt, trotz ihrer erfolgreichen Solokarriere.

All diese Aspekte zeigen, dass Michael die Erwartungen an ein gelungenes Biopic an keiner Stelle erfüllt – aber ein erstklassiges Musikvideo zu einer stereotypen Starkarriere liefert. Falls der angekündigte zweite Teil folgt, wird es schwieriger werden diese saubere Karriere weiter zu zeichnen, da nach 1988 und der Tour mit dem ersten ganz freien Alben Thriller und Bad durchwachsene Jahre und viele Skandale folgen. Vorwürfe des Kindesmissbrauches, zunehmende Exzentrik, der Aufbau der Farm Neverland, Bilder in Oxidationskammern und eine starke Schmerzmittelabhängigkeit sind hier nur die Begleiterscheinungen einer abnehmenden Prominenz. Der „King of Pop“ blieb ein Phänomen – aber ein berüchtigtes und zunehmend umstrittenes. Wie hier die Glorifizierung fortgeführt werden soll, wäre sicher spannend zu beobachten.

Abschließend lässt sich also vermerken das auch hier eine Fiktion betrieben wird: die fiktive Biographie eines Musikgottes, dessen Talent alles um ihn herum rechtfertigt. Die „Wahrheit“ über Michael Jackson lässt sich schwer ermitteln – auch 15 Jahre nach seinem Tod. Es bleiben seine Songs und ein Superstar-Image der Sonderklasse welches die Nachzeichnung des Menschen hinter dem Image beinahe unerheblich machen. Damit kommen wir an dieser Stelle zu glasklarer Fiktion – welche in der Konklusion mehr Wahrheit und Wahrhaftigkeit in seiner erfundenen Geschichte aufweist als das Nachfilmen eines real gewesenen Lebens im Rampenlicht.        

The Drama ist gewissermaßen eine Blackbox, da das Plakat wie der Titel eine andere Geschichte erwarten lassen als man zu sehen bekommt. Zendaya und Robert Pattinson sind da in Hochzeitskleid und Anzug zu sehen und die Vermutung liegt nahe, dass das Drama am großen Tag eintritt – wie in so vielen platten Liebeskomödien. Aber weit gefehlt. Das hier thematisierte Drama ist von grundlegendem wie philosophisch interessantem Ausmaß und lässt grundsätzliche Fragen darüber aufkommen, wie gut Menschen sich gegenseitig kennen können, wo Taten beginnen und wo Vorstellung und Realität ihre Grenzen haben. Ein vergleichbares Filmdrama der Vergangenheit ist mit Der Gott des Gemetzels eine ebenso Star-besetzte Theaterstück-Adaption nach Yasmin Reza. Auch hier werden allgemeine Fragen des menschlichen Miteinanders, der Schuld wie Verantwortlichkeit von Kindern für ihre Taten in pointierten Dialogen und emotionalen Ausbrüchen eingefangen. Neben der Kammerspiel-Anlage, der Starbesetzung und der thematischen Verwandtschaft ist auch die Filmsprache dieser beiden – zeitlich weit auseinander liegenden - Produktionen vergleichbar, das dramatische Geschehen ähnlich drastisch wie letztlich doch scheinbar ohne Auswirkung auf die gegenwärtige Realität. Doch zurück zu Das Drama. Alles auf Anfang (im Original schlichter und treffender nur The Drama). 

Der Filmeinstieg ist für sehr kurze Zeit beinahe kitschig: Ein junges verliebtes Paar feilt an seinen Liebesbekenntnissen für die anstehende Hochzeit und lässt sich die Entwürfe von den Trauzeugen kommentieren. Während Charlie (Robert Pattinson) ein ausführliches Dokument am PC vorliest scheint seine Verlobte Emma (Zendaya) noch weniger entschieden, welche Themen für sie überhaupt noch übrigbleiben. Sie will nichts doppelt erwähnen und Charlie nichts auslassen.  Das scheinbar perfekte Paar beginnt das erste Treffen mit dem Trick alles wieder auf Anfang zu setzen. Dieses Lebensmotto gerät aber im Laufe des Films klar an seine Grenzen. Es folgen das erste Date, gemeinsame Lebensmomente und nun am Wochenende wird Hochzeit gefeiert. Ihre erarbeiteten Reden lassen aber unterschwellig schon erkennen, dass gewisse Lücken und Unsicherheiten dennoch bestehen. Beim Probeessen mit den Trauzeugen beantwortet die angehende Braut die Frage nach dem schlimmsten, was sie je getan hat mit etwas, was sie nicht getan aber abschließend geplant hatte. (Ihre Antwort soll hier zwecks Spannungserhalt ausgespart bleiben.) Die Enthüllung, das „Drama“, lässt ihren Verlobten die Beziehung und alles, was er über die empathische, schöne und ehrliche Emma weiß, vollkommen in Frage stellen.

Dreh- und Angelpunkt des Filmdramas ist die authentische Stimmung zwischen Zendaya und dem zehn Jahre älteren Robert Pattinson sowie die Kargheit der Inszenierung, visuell und auditiv. Die Musik von Daniel Pemberton ist dezent eingesetzt, die einfallenden Scheppergeräusche haben in diesem Kontext eine ganz andere Wirkung als im großen Science-Fiction-Abenteuer Der Astronaut – obwohl auch dort eine Beziehung im Mittelpunkt der Inszenierung steht und die Geräusche als Brechungen der Stille des unendlichen Weltalls vergleichbar mit Verschiebungen der Stimmung in der Stille des Versuchs wieder „auf Anfang“ umzustellen. The Drama bietet tiefgängige Unterhaltung und eröffnet wichtige Fragen über das menschliche Zusammenleben und die Grenzen des gemeinsamen Raumes einer Beziehung. Wie weit darf die Privatsphäre da reichen und muss jedes Geheimnis an den Partner weitergegeben werden? Die labormäßige Figurenanlage entwickelt eine erstaunliche Dichte und authentische Glaubwürdigkeit, auch durch das emotionale Spiel der beiden Hauptdarsteller. Damit erzählt die Produktion in kleinen Gesten ein großes Drama und eine vom wahrhaftigen Fragen getragene Fiktion, deren Wahrheit letztlich größer zu sein scheint als die des Biopics über den realen Musiker. Und diese große Kraft liegt der Fiktion inne, egal ob in gedruckter, gedachter, erzählter oder visuell aufgenommener Form. Die Fiktion entspringt der wahren Lebenserfahrung und die Imagination wird aus diesen Erfahrungen gespeist, unterbewusst wie ganz direkt. Der Prozess vom Eindruck zur kreativen Verarbeitung ist derjenige, welcher in Interviews mit Künstlern immer wieder aufgegriffen wird und deren Antworten im Laufe von Lesereisen und Filmpräsentationsrallyes leider zu Phrasen verkommen. Dabei sind sie – neben der Bedeutung des Werks für den kreativen Pool des Zuschauers/Zuhörers/Besuchers – der spannendste Aspekt an diesen Werken.

„Sie wünschte, sie könnte Noten lesen. Dann hätte sie die Melodie summen oder wenigstens verstehen können, warum diese Phrase so bedeutsam war, so originell oder innovativ – oder so flüchtig und in Gefahr vergessen zu werden –, dass sie sofort notiert werden musste. Aber sie konnte keine Noten lesen, und so blieb diese Hinterlassenschaft, was sie war: etwas aus einer fernen Vergangenheit, das sie nie ganz verstehen würde.“ (Die Geschichte des Klangs, S. 104)

Nun ist die Verfilmung der titelgebenden Kurzgeschichte der Publikation im Hanser Verlag auch im Kino zu erleben. Paul Mescal und Josh O’Connor schlüpfen in die Rollen der hoffnungslos liebenden Musikstudenten und Liedersammler David und Lionel. Beide treten in diesem Rahmen auch als Sänger auf und sind damit Teil des wichtigsten Teiles der Geschichte – der Musik und deren Speicherfunktion, gerade wenn es um Folkmusik geht, wie sie auf dem einsamen Land in den Weiten der USA gepflegt wurden (und hoffentlich nach wie vor wird). Oliver Hermanus filmt die Geschichte beinahe Natur-dokumentarisch, lässt den Bildern wie Dialogen viel Zeit und der Stille viel Platz – um die akustischen Gesänge stärker wirken zu lassen. Für die Musik zeichnet sich Oliver Coates verantwortlich und zeichnet sich dabei besonders mit Sparsamkeit in Instrumentierung und Inszenierung aus. Dies entspricht der Erzählweise seines Regisseurs, welcher aus Homophobie, Kriegstrauma und Trauer kein Drama macht. Die wortkarge Beziehung der beiden jungen Männer basiert auf ihrem gemeinsamen Musizieren und nicht auf tiefgreifenden Gesprächen.

„Across the rocky mountain I walked for miles and miles,..“

Der Song Across the Rocky Mountain steht von Beginn an im Fokus. Lionels Eltern singen es gemeinsam mit ihrem einzigen Sohn (dessen absolutes Gehör und synästhetisches Hören ihn letztlich aus dem Elternhaus herausführt) und Davids Interpretation in der Stammkneipe beider Figuren in Boston führt ihn und Lionel für eine kurze Affäre zusammen. Immer wieder erklingt der traditionelle Song mit oder ohne Text im Hintergrund der tragischen Geschichte einer chancenlosen und unvollständig bleibenden Liebe. Der Krieg unterbricht die aufblühende Freundschaft plötzlich und äußerst abrupt. David wird eingezogen während Lionel aufgrund seiner Sehschwäche zur Farm seiner Eltern zurückkehren kann (oder muss) und den kurzen Ausflug in die Parallelwelt des musikalischen Konservatoriums damit beendet. Die Armut und Einfachheit dieses Lebens werden mit dem Tod des Vaters und der schwerer werdenden Krankheit der Mutter verschärft. Lionel ist von einer tiefen Traurigkeit erfüllt, welche er aus Boston mit nach Hause gebracht hat. Die Nachfragen der Mutter blockt er ab. Auf ihren Wunsch singt er wieder den schon genannten Titelsong ganz frei von Begleitung anstelle einer Erklärung seines Zustandes. Ein Brief von David lockt ihn aus seinem Exil und gemeinsam verbringen sie einen Monat auf Liederreise im Norden der USA. Die Lieder werden auf Wachsspulen aufgezeichnet, so dass Sie auch außerhalb des eidetischen Gedächtnisses von David bewahrt sein werden. Doch dieses Intermezzo ist kurz wie brüchig und die Zuschauer begleiten im Anschluss einen weiterhin einsamen und unglücklichen Lionel, dessen berufliche Erfolge in Rom und Oxford über diese Emotionen nicht hinwegtäuschen können. Er selbst sagt, die glücklichste Zeit seines Lebens waren die wenigen Jahre am Konservatorium in Boston, an der Seite von David und inmitten der lebendigen Musikpraxis sowie im Zentrum der studentischen Gesellschaft. Diese Erkenntnis der Freude in der Jugend mag schon oft formuliert worden sein, ist aber selten so kunstvoll mit Musik ergänzt und in unprätentiöse Filmbilder gegossen worden. Eine Begegnung mit der Ehefrau Davids und eine späte Zusendung der Aufnahmen der Liederreise bringen diese glückliche Zeit zurück in Lionels Erinnerung. 

Die große Stärke des insgesamt ruhigen Dramas ist neben der kunstvollen Verquickung von Musik, Erzählung und visueller Sprache vor allem die Vermeidung des nostalgisch gefärbten Kitsches und verbrauchter Klischees. Auch wenn viele Aspekte der Geschichte den Kitsch nahezu zu provozieren scheinen wird er stets vermieden. Das Wunderkind-Dasein Lionels wird zur Bildungschance reduziert, die homosexuelle (und damit verbotene wie geheime) Liebe der beiden jungen Männer nicht als existenziell bedroht dargestellt, das (nicht ausgesprochene) Kriegstrauma Davids nur dezent angedeutet und nicht debattiert oder näher erklärt, die tragischen Tode der Eltern Lionels geschehen plötzlich und Bestattungen sind nicht Teil der Erzählung. Neben diesen gefährdeten Motiven ist prinzipiell die Inszenierung von Musik als emotionales Ausdrucksmittel nahezu prädestiniert für kitschige und typische amerikanische Weisheiten vermittelnde Darstellungen – welche hier ausbleiben. Damit gelingt dem südafrikanischen Filmemacher eine erstaunlich adäquate Literaturadaption. Erfahrungen in diesem Bereich sammelte er bereits mit den beiden vorangegangenen Werken und arbeitete in diesem Fall auch direkt mit dem Kurzgeschichtenerzähler Ben Shattuck zusammen. Dessen Kurzgeschichte nimmt damit seine dritte Gestalt an (prämierte Erstfassung, überarbeitete Fassung der Kurzgeschichtensammlung, Drehbuchfassung) und wird ästhetisch, stilistisch wie emotional in entsprechende Bilder und Töne gegossen. Die beiden Hauptdarsteller sollen dabei nicht vergessen werden. Paul Mescal und Josh O’Connor harmonieren (mimisch und musikalisch) wunderbar miteinander und versinken gänzlich in ihren Rollen. Ein leises, aber starkes Projekt von Literatur, welche treffend und die Vorstellung nicht einengend/final festlegend in Bilder gegossen wird. Den Mittelpunkt aber bildet die Musik.    

Daher soll auch dieser Text mit Musik - also einem Auszug aus einem dem prägenden Folksong Silver Dagger und einer Trackliste des Soundtracks ausklingen:  

„Don't sing love songs; you'll wake my mother She's sleeping here, right by my side And in her right hand, a silver dagger She says that I can't be your bride.“

Trackliste:

‘O Salutaris Hostia’ – Lorenzo Perosi ‘All Is Well’ – Benjamin Howard, Brian Jeffers, Bryan Murray, Christopher Seefeldt, Corey Shotwell, Jason Kahil, John Elliot Yates, Martin Schreiner, Nathan Hodgson, Tomas Cruz, Zachary Fletcher ‘Across The Rocky Mountain’ – arranged by Sam Amidon ‘Silver Dagger’ – arranged by Sam Amidon ‘Country Life’ – arranged by Martin Carthy, Michael Waterson, Norma Waterson, Elaine Waterson ‘The Unquiet Grave’ – arranged by Sam Amidon ‘The Snow It Melts The Soonest’ – arranged by Sam Amidon ‘Come All Ye Fair And Tender Ladies’ – Sheila Kay Adams ‘Fourteen Wildcat Scalps’ – Eamon O’Leary and Cleek Schrey ‘Sweet Is The Day Of Sacred Rest’ – arranged by Sam Amidon ‘Grieved Soul’ – arranged by Sam Amidon ‘Cuckoo!’ – Benjamin Britten ‘Here In The Vineyard’ – arranged by Sam Amidon ‘The Old Churchyard’ – arranged by Sam Amidon ‘Forked Deer’ – Jackson Lynch and Eli Smith ‘O Salutaris Hostia (second version)’ – Lorenzo Perosi ‘Ave Verum Corpus Op.65 No.1’ – Gabriel Fauré ‘Stabat Mater: 12. Quando Corpus – Amen’ – Giovanni Battista Pergolesi ‘All Is Well (choral arrangement)’ – arranged by Peter Amidon ‘Down In The Willow Garden’ – arranged by Sam Amidon ‘The Unquiet Grave (Nancy Kerr version)’ – Nancy Kerr ‘Atmosphere’ - Joy Division (1980)

Die kurze Form ist oft unterschätzt – egal ob in der Literatur, der bildenden Kunst, der Musik oder auch der menschlichen Physiognomie. Dabei verlangt gerade diese Form in der Kunst eine große Fähigkeit der Verdichtung und Pointierung sowie (in vergleichbarer Weise) fehlende Körpergröße viel Durchsetzungs- und Durchhaltevermögen, um die eigene Stärke herausstellen zu können. In der (klassischen) Musik hat die kurze Form zumindest eine Tradition aber zweifellos deutlich weniger Renommee als die Langformen Oper, Messe, Oratorium, Konzert und Symphonie (u. a.). Die Pop-Musik und insbesondere der Punk erhoben die Kurzform zum Standard, die beinahe gegensätzlich zu verortenden Stichworte hierzu sind bewusste Provokation und Radiotauglichkeit (also die berühmte 3 Minuten-Grenze die von Größen wie David Bowie mit Heroes, Queen mit Bohemian Rhapsody und Michael Jackson mit Titeln wie Thriller, Little Susie oder dem Earth Song bewusst verweigert wurden.)

In der Literatur haben Gedichte sowie Lyrik allgemein eine besondere, aber dennoch isolierte Position während Kurzgeschichten es auf dem deutschen Buchmarkt schwer haben. Da überrascht es nicht, dass viele sehr kurze Texte mit dem Untertitel Roman veröffentlicht werden oder einzelne Erzählungen mehr oder weniger kunstvoll zu einem Text verwoben werden um sie als Roman verkaufen zu können. Und bei einem Blick in die Belletristik-Abteilungen fällt auf, dass die kürzeren Romane zuzunehmen scheinen. Die klassischen Romane zum Schmökern schwinden gegenüber den Fantasy- und New Adult-Wälzern in den Regalen – zumindest in den Programmen der großen Publikumsverlage. (Ausnahmen wie der kürzlich erschienene großartige dicke Roman John of John von Douglas Stuart bestätigen hier die Regel.) Der klassische Roman á la Thomas Mann, Marcel Proust oder deren modernen Erben wie etwa Karl Ove Knausgard ist nicht tot, aber die kurzen Romane verdienen ebenso die Aufmerksamkeit bzw. bekommen diese derzeit von diversen Verlagen. Anders als im Film – wo die ausufernden Durchschnittslängen der Oscar-Nominierten in den letzten Jahren wiederholt debattiert wurden – ist diese Verdichtung angesichts von steigenden Papierpreisen und sinkenden Auflagen auch wirtschaftlich beeinflusst. Aber fernab dieser schnöden wirtschaftlichen Realität bleibt es eine Kunstform Geschichten in aller Kürze zu halten und dennoch pointiert auf den Punkt zu erzählen. Jeder Student kennt diese Schwierigkeit das Maß zwischen Gehalt und Form zu wahren, jeder Gesprächsteilnehmer im Alltag kennt die eigenen Unzulänglichkeiten im sprachlichen Ausdruck. Es ist eine große Leistung dieses Maß und diese verkürzte Ausdrucksmöglichkeit wirklich auszufüllen und umso anerkennenswerter, wenn es so gut und poetisch tragend gelingt, wie Ben Shattucks Kurzstücke dies belegen.   

Der Hanser Verlag verfährt im Umgang mit Ben Shattucks Novellen oder auch Kurzgeschichten etwas anders, dennoch sind die beiden bisherigen Veröffentlichungen sehr schlanke Bände. Der Verlag unterlässt aber das Aufdrucken einer Gattung und erspart den Lesenden damit gewisse Erwartungshaltungen – außerdem eröffnet sich damit jedem die Chance auf eine unvoreingenommene Lektüre unabhängig von Genrevorstellungen, welche das Leseerlebnis mitprägen bzw. vorbereiten; aber auch einschränken können. Die beiden Veröffentlichungen Shattucks umfassen einmal 104 Seiten und im zweiten Fall spärlich bedruckte 75 Seiten. Beide Bücher werden von sehr geschmackvollen Buchdeckeln umhüllt und damit die ästhetische Fokussierung des Inhalts schon angekündigt. Vom Papierumschlag mit KI-generierten Menschen erfuhr der Folgeband mit Leineneinband und dem Abdruck des Ölgemäldes Rose Breeze eine weitere Aufwertung. Ästhetisch meint hier die Sprache betreffend nicht überformuliert und künstlich komplex gebaute Sprachgebilde sondern pointierte, lyrische und gehaltvolle Sprache, welche universale Fragen in kleine Metaphern zu fassen weiß und nur oberflächlich betrachtet kleine Geschichten erzählt. Dies ist die Kunst der kurzen Form: das Große im Kleinen darstellen und mittels Sprache die nicht konkret erzählten oder nur vage benannten Dimensionen mitschwingen lassen. Vertrauen in die potenziellen Leser und deren Mitdenken sind dafür ebenso unabdingbar wie das Vertrauen in den großen Ausdrucksradius der Sprache.

In den USA und England lebt die Shortstory-Kultur vor allem in Zeitschriften und der Weg zum Erfolg führt beinahe zwingend über diese Station.  Ben Shattuck (*1984) wurde schon 2019 (u.a.) mit dem PEN America Short Story Prize für die 2018 veröffentlichte Kurzgeschichte The History of Sound geehrt. Im Anschluss an die Auszeichnung gab es Interesse einen Film daraus zu machen. Shattuck selbst erarbeitete das Drehbuch zum 2025 erstaufgeführten Film und im selben Jahr erschien auch die deutsche Übersetzung des Werkes. Damit führt der Weg dieses historisch angelegten Textes bis zum letztjährigen Verlagsprogramm des Hanser berlin Verlages.  Dirk van Gunsteren überträgt den Text in eine sanfte, beinahe lautlose Sprache, welche die Klasse der Erzählung gerade in dieser unprätentiösen Weise hervorhebt. Bis zu diesem immer weiter gewachsenen Projekt waren Shattucks Texte nur in diversen Zeitschriften erschienen. Erst 2022 wurde mit Six Walks (auf den Spuren von Henry David Thoreau) der erste Roman veröffentlicht – bezeichnenderweise eine Zusammenstellung aus sechs Beschreibungen und damit sechs Kurzgeschichten. 2024 folgte die Anthologie The History of Sound: Stories, in welcher insgesamt 12 Stories vereint sind. Es sind Geschichten über Erinnerung, Vergessen, unerfüllte Sehnsucht, ausgelassene Möglichkeiten, Natureindrücke wie menschliche Beziehungen – also kurz gefasst alle Aspekte des Lebens und der Geschichte. Titelgebend und motivisch vorwegweisend ist die Eröffnungserzählung The History of Sound. Auf etwa zwanzig Seiten (mit längeren wie kürzeren Beispielen) bringt Shattuck universale Themen pointiert auf den Punkt – und lässt dabei natürlich ein altes Amerika wiederaufleben. Diese nostalgische Sehnsucht bestimmt die Kulisse aber nimmt zu keinem Zeitpunkt Überhand – eine meisterhafte Wahrung eines schmalen Grades zwischen den Polen Kitsch und Wahrheit. Der Besitzer des ältesten Gemischtwarenladens Amerikas schwelgt in der Vergangenheit seiner Wohngegend und träumt von einer weniger technischen und menschlicheren Zeit ohne diese zu glorifizieren oder einen amerikanischen Traum auszuformulieren.   

Die deutsche Ausgabe von Die Geschichte des Klangs ist ein knapp 100 Seiten umfassender Text über eine unmögliche Liebe und die Fragilität der Erinnerung, welche erstaunlich viele Gedankenanstöße vereint und inhaltlich das Potential zum Roman gehabt hätte. Aus zwei Perspektiven und mit mehreren zeitlichen Stationen wird die kurze Freundschaft und Liebe der Musikstudenten Lionel und David geschildert, deren Höhepunkt eine Studienreise durch New England ist und ein abruptes Ende findet. Die Liederreise der beiden wiederum belegt die Kraft der Musik als Erinnerungsträger und als Kulturgut, welches stets bedroht ist. Die Möglichkeit die Volksmusik aufzuzeichnen, zu konservieren hat nicht nur entscheidende Folgen für die Musikpraxis (grob gesagt wird so die Entstehung der Musikindustrie ermöglicht) sondern auch Anregung zur Veröffentlichung lieferte sicher neben den diversen Auszeichnungen des Autoren die Verfilmung der Geschichte, welche 2025 auf dem Filmfestival in Cannes uraufgeführt wurde. 2026 nun liefert der Verlag direkt mit Eine Geschichte der Sehnsucht nach. Auf 75 Seiten sind zwei Stories vereint welche thematisch und motivisch verknüpft sind: das Thema ist die Sehnsucht nach einem anderen Leben und das Motiv ist eine Zeichnung, welche in beiden Erzählungen auftaucht. Es sind die Erzählungen Nummer zwei und drei aus der Anthologie The History of Sound, original betitelt mit Edwin Chase of Nantucket und The Silver Clip und sie werden hier als Kapitel getrennt. Über die Notwendigkeit dieser zerrissenen Veröffentlichungsmethode lässt sich sicher streiten. Der Erzählungsband umfasst im Original zwölf Geschichten, welche von Shattuck ausgewählt und bewusst zusammengestellt sind. Eine Komplettübersetzung hätte sich da irgendwo angeboten, aber die Verfilmung verändert die Ausgangslage entscheidend.

Die neue Andy Weir-Verfilmung Der Astronaut – Project Hail Mary ist so gezielt konzipiert wie eine Super-Boygroup: Ryan Gosling und Sandra Hüller schlüpfen unter der Regie vom Kreativ-Animations-Team Phil Lord und Chris Miller (Produktion/Drehbuch/Regie bei Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen, The Lego-Movie, Spider-Man. Across the Spider-Verse) in die Rolle von ungewollt heldenhaften Wissenschaftlern, deren Arbeit von Greig Fraser, Kameramann der ersten beiden Dune-Teile (und für Teil 1 2021 mit dem Oscar ausgezeichnet; den dieses Jahr folgenden dritten Teil hat er allerdings nicht gefilmt), mit der Kamera festgehalten wurde. Die Musik stammt vom vielbeschäftigten Filmkomponisten Daniel Pemberton. Zeitgleich ist in „The Drama“ nun Musik von ihm im Kino zu hören. Neben Lord/Miller ist er auch am Spider-Man-Abenteuer beteiligt gewesen, eine persönliche Bekanntschaft besteht damit innerhalb des Teams schon. Schnittmeister ist Joel Negron (in dessen Filmografie besonders Cocaine Bear, der Überraschungs-Splatter-Trash-Hit der Vergangenheit, überrascht). Technische Aspekt sind gerade bei Science-Fiction-Produktionen von großer Bedeutung und Oscar-Auszeichnungen dürfen solche Produktionen meist auch ausschließlich in diesen Kategorien erwarten.

Drew Goddard hat schon für Der Marsianer, die erste Verfilmung eines Andy Weir-Bestsellers mit Superstar-Besetzung (u.a. Matt Damon, Ridley Scott) in Regie und Darstellung aus dem Jahr 2015, das Drehbuch übernommen und schließt an diese Arbeit ein Jahrzehnt später wieder an. Der Autor selbst beteiligt sich als einer von sieben Produzent*innen, darunter die beiden Regisseure und ihr Hauptdarsteller Ryan Gosling. Andy Weir hat mit seinen wenigen anhand von wissenschaftlichen Fakten konzipierten Romanen einige der größten Science-Fiction-Erfolge in den letzten Jahren vorgelegt und ergänzt damit dieses sichere Erfolgspaket um eine weitere Komponente. Diese „Konzeption“ und der unbedingte Erfolgswille setzt sich in der Marketing-Aktion rund um den geplanten Spitzen-Blockbuster und die Vermittlung der begeisterten Testpubliken fort. Doch die kalte Realität für die Geldgeber Sony und - über allem stehend- Amazon ist, dass mit Der Super Mario Galaxy-Film ein zu starker Konkurrent angetreten ist. Das zweite Abenteuer rund um die beiden Klempner und ihre Freunde aus poppig bunten Fantasie-Welten zieht viele nostalgische Fans zwischen 6 und 60 Jahren in die Kinos. Das potentielle Publikum ist damit rein zahlenmäßig  größer, ein wahrhaft schwieriger Gegner.

Doch am Ende steht ein 156 Minuten langer Science Fiction-Film dessen bewusster Einsatz von Komik den Vergleich mit Mikey 17 (2025) provoziert – und diesem experimentellen Projekt des südkoreanischen Parasite-Regisseurs nicht standhalten kann. Erzählt wird die Geschichte des Mikrobiologen Ryland Grace, welcher zu Beginn in einer Raumfahrtkapsel ohne Erinnerung an sich und seine Vergangenheit erwacht. Er und das Publikum erfahren im Laufe des Films wie der Highschool-Lehrer zum Experten für die zerstörerischen Astrophagen wird und am Ende auf dieser Selbstmordmission zu einem weit entfernten Stern landet. Durch diese Mikroorganismen wird die Sonne im Laufe der nächsten Jahrzehnte angegriffen was eine rapide Abkühlung des Planeten und viele Tote nach sich ziehen wird. Die einzige Hoffnung ist die Untersuchung eines nicht befallenen Sterns inmitten bereits an diesen Symptomen verstorbener Himmelskörper. Die dortigen Befunde sollen zur Rettung der Erde beitragen. Doch der Treibstoff reicht nur für ein One-Way-Ticket, die Mission ist eine Kamikaze-Aktion mit sicherer Todesfolge. Wie der nicht vor Selbstsicherheit strotzende Grace letztlich doch in das Raumschiff gerät, soll hier nicht verraten werden da diese Frage der entscheidende Spannungspunkt im zweiten Drittel des Films wird. Im dritten Teil dann verschiebt sich der Fokus auf die Geschichte einer besonderen Freundschaft, welche insgesamt im Vordergrund steht: Auf seiner Mission trifft Ryland auf einen Außerirdischen aus Stein, welcher für seinen Planeten mit der gleichen Aufgabe betraut ist. Mithilfe eines Computerprogramms finden die beiden einen Kommunikationsweg und mithilfe eines vor der tödlichen Luft isolierenden Glaskastens kann „Rocky“ zur gemeinsamen Forschung in der Hail Mary einziehen. Neben der Forschung verbringen die beiden ungleichen Freunde ihre Zeit mit einer modernen Form von Dia-Abenden, persönlichen Gesprächen und dem zusammen sein. Denn Einsamkeit droht in jedem Moment. Die belastende Situation schweißt den Steinklumpen (gespielt und gesprochen von Puppenspieler James Ortiz) und den unzureichend vorbereiteten Astronauten eng zusammen. Ihre Umarmungen auf Distanz und die persönlichen Gespräche etwa über den Namen des Partners von „Rocky“ sind sicher liebenswert, aber stehen auch nahe am Kitsch. Rocky wirkt wie eine Weiterentwicklung der sanften Aliens E.T. und Wall-E.

Die Problematik des Films ist eine große Diskrepanz zwischen der immer wieder betonten Anti-Heldenhaftigkeit des ständig zweifelnden und sich klein redenden wie einsamen Mikrobiologen mit strittigen Theorien und seiner realen Selbstsicherheit im Einsatz im All. Die Prämisse bei Der Marsianer war ähnlich und auch dort litt die von Matt Damon dargestellte Figur unter ähnlichen Problemen. Über allem steht der US-amerikanische Mythos des Selfmade-Man, welcher an seinen Aufgaben wächst und jedes Hindernis zu meistern weiß. Der gesetzte Grenzen verschieben und unlösbare Aufgabe doch noch zu seinen Gunsten drehen kann. Abgesehen davon, dass dieses Bild uralt und mittlerweile ausgeschöpft ist, sind einige für den Erfolg und die Beugung des Schicksals notwendige Handlungseingriffe nötig, welche wissenschaftlich betrachtet fraglich oder nicht ausreichend erklärt bleiben. Andy Weirs Arbeiten wird eine starke wissenschaftliche Fundierung und ein kundiger Umgang mit der Astrophysik zugesprochen. In Der Astronaut allerdings sind einige grundlegende Entwicklungen der Handlungen unglaubwürdig und scheinen weniger wissenschaftlich denn dramatisch geerdet zu sein. Beispielhaft hierfür ist das rasche Finden einer gemeinsamen Sprache durch den Aufbau eines auf das darauf zeigen und mitschreiben basierenden Vokabulars. Ob Rocky überhaupt in den gleichen Entitäten und Wahrnehmungen denkt bleibt dabei fraglich. Die gemeinsame Sprache zwischen den beiden gerät nicht erst bei der Verkürzung des fantastisch liebevollen Namens von Rockys Partner auf „Adrian“ an seine Grenzen. Die Solidarität der beiden und die beinahe friedliche Weltuntergangsprämisse sind sympathisch wie unterhaltend. Die Wirkung ist vergleichbar mit den Szenen von niedlichen Wesen in Star Wars-Filmen. Auch die Forschungserfolge und die Rettung vor dem zwingenden Tod sind nicht gänzlich überzeugend. Der Film profitiert – wie viele Weltraumfilme – vom Kontrast zwischen zeitlos wirkendem Schweben im All und beinahe Countdown-artigen wie überraschenden Actionmomenten. Diese Ambivalenzen bestimmen den Spannungsverlauf ebenso wie die Frage nach dem Weg des ungewollten Helden ins Cockpit eines Raumschiffs.