Palabra de Julio Viernes

Voy con unas cuantas grandes canciones de Dolly Parton, intentando no repetir las que ya puse en su día, como es el caso de "Jolene". Una inexcusable, y que no había subido por aquí hasta ahora es la célebre "I Will Always Love You", probablemente una de las mejores y más recordadas canciones de amor de la historia de la música.

Escribía ayer una noticia de Dolly Parton. Sobre su mala salud tras la muerte de su marido Carl Dean hace un año, sobre la posibilidad de seguir dando conciertos en avatar. Hoy a última hora de la tarde me ha sorprendido leer que la legendaria cantante country había pasado a mejor vida. Creo que no ha soportado la pérdida de su esposo, le ha sobrevivido menos de año y medio, de la misma manera que Johnny Cash no pudo con la muerte de June Carter (murió cuatro meses después que ella). Dolly deja una extensa e importante carrera desde 1959, cuando publicó su primer single "Puppy Love" a los 13 años. Pero es inevitable destacar su generosidad y bonhomía: no se limitó a hacer donaciones puntuales para quedar bien. Construyó una parte importantísima de su vida alrededor de ayudar a los demás, y muchas de sus iniciativas nacieron de experiencias muy personales.

Dolly Parton nació en 1946 en una familia muy pobre de Tennessee, siendo la cuarta de doce hermanos. Su padre trabajaba en el campo y nunca aprendió a leer ni escribir. Ella contó muchas veces que esa circunstancia de su padre fue una de las razones por las que quiso dedicar tanto esfuerzo a la educación y a los libros. En 1995 creó la Dolly Parton's Imagination Library. La idea inicial era muy sencilla: que todos los niños pequeños de su zona pudieran recibir un libro gratis cada mes, desde su nacimiento hasta que cumplieran cinco años. No era simplemente "Dolly dona dinero a una biblioteca". Creó una infraestructura que hacía llegar físicamente libros a millones de niños. También pagaba para que los chavales no abandonaran los estudios

Cuando creó la Dollywood Foundation en 1988, uno de sus primeros objetivos fue reducir el abandono escolar en su condado natal.

En los años 90 puso en marcha el llamado Buddy Program. Les prometió a alumnos de séptimo y octavo curso que, si terminaban el instituto, les daría personalmente 500 dólares.

Después vino la vacuna de Moderna. Esta es probablemente la donación suya que más gente conoce. En 2020 donó 1 millón de dólares al Vanderbilt University Medical Center para investigación médica relacionada con el COVID-19. Parte de esa investigación contribuyó al desarrollo de la vacuna de Moderna.

En 2016 unos incendios forestales devastaron la zona de Sevier County, donde había nacido y crecido. Dolly creó el My People Fund para ayudar directamente a las familias que habían perdido sus casas. También dio cantidades importantes de dinero a hospitales y a investigación pediátrica. Tras el huracán Helene en 2024, que causó enormes daños en Tennessee y Carolina del Norte, Dolly volvió a actuar.

Hay algo muy poco habitual en su historia: la misma persona que escribió canciones como "Jolene", " I Will Always Love You" o "9 to 5" acabó construyendo una de las mayores iniciativas privadas de alfabetización infantil del mundo. Todo esto no fue una nota al pie de su brillante carrera musical: fue prácticamente una segunda carrera.

Brinsley Schwarz (aka "los brislis") abrieron la cara B de su sexto y último álbum "The New Favourites of Brinsley Schwarz" (United Artists, 1974) con esta vitalista y pimpante versión de "Now´s The Time" de The Hollies, una de las mejores covers que se han hecho nunca de una canción del quinteto de Manchester de los años 60.

El disco se abría con la famosa «(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding» de Nick Lowe, que años más tarde recuperarían con acierto Elvis Costello & The Attractions.

“Now´s the Time” fue originalmente la cara B de “Stay” - el tan versionado clásico de Maurice Williams & The Zodiacs- dando forma al primer single de los Hollies en 1963. Ese mismo año aparecieron interpretándola en la película “It’s All Over Town”.

https://www.plasticosydecibelios.com/the-hollies-se-separan-oficialmente-tras-63-anos-en-activo/

Noticia sorprendente, pero sí, los Hollies, una de las mayores leyendas que ha dado la música de Manchester, seguían en activo y ahora han comunicado que lo dejan después de que el guitarrista Tony Hicks anunciase su retirada de las giras y, por solidaridad, el baterista Bobby Graham se le uniese, los dos únicos miembros originales del grupo que quedaban de los años sesenta.

Detrás suyo dejan una de las más monumentales carreras pop hechas jamás en las islas británicas. Siempre a la sombra de los Beatles – compartían sello, Parlophone, y ellos eran los "segundones"– fue uno de los grupos abanderados de la British Invasion en Estados Unidos  con éxitos como “I’m Alive” y “Look Through Any Window” (1965); "Bus Stop" (1966) y "Carrie Ann" (1967), y más tarde, una vez huido de la banda Graham Nash rumbo a los USA para formar Crosby, Stills & Nash: “He Ain’t Heavy, He’s My Brother”, “The Air That I Breathe”  (que semicopiaron Radiohead en "Creep") y "Long Cool Woman (In a Black Dress)”. Los Hollies sacaron su nombre de su admirado rocker Buddy Holly, y si por algo serán recordados es por sus distintivas armonías a tres voces, las mejores de UK.

"Dos grabaciones de The Kinks, escritas e interpretadas para una serie de BBC Two que desapareció hace mucho tiempo y que se creía perdida para siempre, han reaparecido casi seis décadas después de su emisión. «Let’s Take Off Our Clothes» y «Darling, I Respect You» fueron grabadas directamente del programa de sketches «Where Was Spring?» de 1969, para el que Ray Davies compuso cinco canciones originales, y ahora se publican con esta calidad por primera vez (...)".

Las dos canciones están bien. Destaco sobre todo "Darling, I Respect You", porque tiene la inusual marca de Bob Dylan en el universo Kinks, fíjense en la estrofa inicial. Tan sólo en "This Is Where I Belong", el grupo de Muswell Hill sonó un poco a Dylan.

No me apetecía escribir, pero vuelvo al tajo. Pasó a mejor vida Frank Beard, histórico baterista de ZZ Top, el único miembro del grupo que no lucía barba, a pesar de apellidarse "beard". La banda tejana de blues rock se queda en cuadro, sólo con el guitarrista y líder Billy Gibbons al frente. En realidad el núcleo original del "power trío" (inspirado en Cream y The Jimi Hendrix Experience) estaba compuesto por Beard y el bajista Dusty Hill, fallecido en 2021, que venían de tocar en los 60s con grupos como The Cellar Dwellers, The Warlocks y The Outlaws. Fue Beard quién presentó a Gibbons (The Moving Sidewalks, “99th Floor”) a Hill y así se formó la alineación clásica de ZZ Top. a principios de la nueva década.

El trío se convirtió en sinónimo de la fusión de rock, blues y boogie, con canciones clásicas tempranas como «La Grange» y «Tush», y llenó los años 70 de grandes álbumes como "Río Grande Mud" (1972), "Tres Hombres" (1973) y “Fandango!” en 1975.

El primero de los LPs citados incluía "Francine" cantada en inglés. La versión en castellano fue la cara B del single con "Francine" en inglés como cara A. "La Grange" sonaba mucho en las noches de El Molino. Esta es para Nacho, descansa en paz viejo amigo, y para el pueblo de Miraflores.

Hace unos días me compré por unos céntimos en un Cashcoverte un single de Phil Trim de bonita portada que jamás había visto. Mi experiencia sonora con Trim en solitario había sido bastante mala, tuve alguno de sus singles y lo boté (no longer in my collection). De su famoso grupo de los sesenta Pop-Tops tengo media docena de singles, los primeros, a pesar de que nunca me han gustado especialmente (los Canarios eran mejores que ellos, pero, vamos, de aquí a Lima).

Cuando puse "Su Amada Es"/ "El Desesperao" (Explosión 1976), tercer sencillo de Trim en solitario tras la separación de Pop Tops en 1974, me llevé una buena sorpresa. Esperaba uno de los baladones de Trim, o un medio tiempo previsible, y me encontré con dos interesantes temas de flamenco- funk- rock de vocación pop y toque prog. Que yo sepa una incursión única en la carrera de Trim en el "flamenco". En realidad, una curiosidad pop.

En 1976 Pachón grabó un LP a la familia Montoya titulado "Triana" para discos CBS, un año antes de que produjese el famoso - glorioso- álbum debut de Veneno. Pero "Triana" fue un disco de flamenco tradicional/ familiar, no un disco de flamenco-rock ni de fusión. Montoya era un grupo dedicado a recrear la fiesta flamenca familiar. En ese contexto aparece, de repente, como extraño último corte de la cara A, "El Polígano", un magnífico tema de fusión flamenca.

Aunque el crédito compositivo en el LP es de Raimundo Amador, miembro de la familia Montoya, él mismo dijo expresamente que para "El Polígano" se basó en “From the Beginning” de Emerson, Lake & Palmer. La parte que toma, sobre todo, es el arranque instrumental, concretamente la progresión de guitarra que abre el tema de Greg Lake para ELP contenido en "Trilogy" (Island, 1972).

Salta al oído si escuchamos la de ELP a partir del segundo 13, y luego ponemos la de Montoya desde el principio. La progresión de acordes es la misma. Y el arranque posterior también es muy similar, pero con mayor viveza y brío en Montoya.

En cualquier caso, "El Polígano" no es una versión de "From the Beginning". Raimundo se sirvió de ella, pero cambió completamente su contexto rítmico y armónico. Además de Raimundo, que era muy joven cuando se grabó aquel disco de Montoya, en el LP también tocaron y cantaron, entre otros, Rafael Amador, Manuel Molina, Antoñito Smash, Manolo Rosas, Carmen Montoya y La Negra.

Ricardo Pachón DEP. Uno de los productores más importantes de este país. Productor del nuevo flamenco (rock) de segunda mitad de los años 70, de nombres trascendentales como Lole y Manuel (desde 1975), Montoya (76), Veneno (77), Camarón (79) o Pata Negra (81), además de Imán, Califato Independiente (80), Silvio (80), Tabletom (81) y muchos otros, Diego Carrasco entre ellos.

Pachón empezó produciendo flamenco en singles y EPs para EMI-Odeón, a finales de los 60, discos de El Mono de Jerez, Pepe Rivera y Los Luceritos de La Puebla. Su momento crucial llegó cuando en el año 1971 fue impulsor y coautor de algunas de las canciones de Smash en su época Bocaccio ("El Garrotín", "Ni Recuerdo Ni Olvido", etc...). Fue su particular momento de clarividencia aperturista. El flamenco- rock había nacido.

"Ayer nos ha dejado uno de los mejores guitarras de la Rumba Catalana, nativo de nuestro barrio calle la Cera, el mejor pulgar que he visto en mi vida!!! Delfín Amaya creador de la Rumba de la rumba Funk y fundador del grupo de Los Amaya!!! Que Dios ponga bálsamo a la familia!!!". Carabutsí Emugba.

Delfín Amaya era el guitarrista de Los Amaya, grandes de la rumba catalana. Era el de las gafas de pasta. Bueno, en los ochenta se las quitó y se puso lentillas. Desde 1971, Los Amaya se convirtieron en uno de los puntales del sonido que había generado Antonio González "El Pescaílla" con canciones como "Caramelos", "Malakatra", "La Inyección" o "Vete".

Los Amaya y Ennio Morricone, gran combinación. Estas versiones de "El Bueno, el Feo y el Malo" y de "La Muerte Tenía un Precio" fueron parte de su, desde hace años cotizado, primer álbum "Los Amaya y su Combo Gitano", publicado por Emidisc en 1971. Hace unos meses vi en una tienda una copia bastante tocadita y sin portada por 17 leuros. Con portada y en buen estado es un disco de unos 40- 50 pavos.

Hace unos días se supo de la muerte de Jam Albarracín, músico, compositor y crítico entre otras cosas. Le recordaré por su grupo Farmacia de Guardia, de los que jamás he tenido un disco, pero me quedaron grabadas en el coco dos canciones suyas, las altamente contagiosas "Cazadora de Cuero" y "Ella es Demoledora", que sonaban habitualmente en el Diario Pop de Jesús Ordovás en Radio Tres. DEP.

Roxy Music van a reeditar ampliado en varios formatos el 6 de noviembre (UMR/Island EMI) su segundo LP "For Your Pleasure" de 1973, el último que grabaron con Brian Eno y uno de los que más me gustan de los ocho LPs de estudio que hicieron.

Los sesenta fueron años de formación y aprendizaje para David Bowie. Pasaba muy rápido de una cosa a otra, incluso más que en los 70, intentando hallar una voz propia, su personalidad musical. Era un "dedicated follower of fashion" que no acababa de encontrar su lugar. Si con su LP debut en solitario "David Bowie" (Deram, 1967) hubiera tenido éxito, su carrera posterior hubiera sido sustancialmente distinta. Pero no lo conseguía, de ahí tanto cambio. Hasta que llegó Ziggy Stardust, personaje en el que perseveró y le dio varias vueltas antes de hacer "Young Americans" con la vista puesta en los Estados Unidos que se le resistían.

Una de las mejores muestras del mestizaje rock latino de Los Coyotes es "100 Guitarras" parte de su primer LP, "Mujer y Sentimiento" (3 Cipreses, 1985) el mejor y más completo que registraron a lo largo de su carrera, producido por su nuevo miembro Ramón Godes. El segundo, "Las Calientes Noches del Barrio" (3 Cipreses, 1987) me gusta mucho menos, pero valoro su sana intención de hacer algo distinto y no permanecer todo el puto tiempo en el mismo sitio.

"Esta Noche Me Voy a Bailar", es una canción echada p´alante donde las haya que fue la estrella del tercer álbum de Coyotes, "De Color de Rosa" (3 Cipreses, 1988). Me trae muy buenos recuerdos, sonaba mucho en El Molino con otras "canciones del verano" como "Veneno en la Piel" o "La Culpa Fue del Cha Cha Cha". Buenas canciones comerciales que tuvieron mucho éxito y que todo el mundo se sabía. Con la llegada del indie eso se perdió por completo. La pongo, por variar, en versión de sus paisanos de Siniestro Total (Víctor Aparicio nació en Tuy, Pontevedra) en su disco de 1997 "Cultura Popular".

El "Monkey" original del cantante de mento- calypso Lord Flea, que se convertiría en "El Mono" de Los Coyotes (Tres Cipreses, 1984). No sabía que era una versión, que ignorancia la mía...

Lord Flea fue el nombre artístico de Norman Byfield Thomas, cantante, guitarrista y compositor jamaicano de mento, un género tradicional de Jamaica que precedió al ska, rocksteady y reggae. Nació en Kingston a comienzos de los años 30 y murió en Miami el 18 de mayo de 1959, con apenas 25–28 años según las distintas fuentes.

Lo interesante es que Lord Flea fue una auténtica estrella internacional antes de que existieran Bob Marley y el reggae como fenómeno universal. A mediados de los 50 se trasladó a Estados Unidos con su grupo, Lord Flea and His Calypsonians, y se convirtió en uno de los artistas jamaicanos más visibles durante la enorme moda del calypso en USA.

En realidad, su música era principalmente mento, pero en Estados Unidos se comercializaba como calypso, porque ese término era mucho más conocido por el público. El propio Flea explicó en una entrevista de 1957 que en Jamaica llamaban a esa música mento.

Su tema más emblemático fue “Naughty Little Flea”, una canción humorística sobre una pulga. Un tema posteriormente grabado por Harry Belafonte, Miriam Makeba y Toots and the Maytals.

También grabó “Shake Shake Señora”, que acabaría teniendo una historia curiosa: Belafonte la transformó en “Jump in the Line (Shake, Senora)”, que décadas después se hizo enormemente conocida al aparecer en la película "Beetlejuice".

"Monkey" fue parte del álbum "Swingin’ Calypsos" (Capitol, 1957).