Del cine y la interdisciplinariedad con la literatura

El papel de los medios audiovisuales cobró importancia en la cultura occidental desde la llegada de dispositivos como la televisión o el radio, los cuales representaron un cambio tanto en las industrias de comunicación como en los usuarios que los consumían. El impacto de estos medios audiovisuales esta presente en la cultura actual con dispositivos como smartphones que se consolidaron como un medio de comunicación masiva, lo que facilita el acceso a productos culturales como el cine y la literatura.

Con lo anterior, sabemos que los medios audiovisuales han tenido un crecimiento exponencial en los últimos años, casi tanto como los avances tecnológicos de los que pueden formar parte. En cambio, lo interdisciplinario se agranda conforme el mundo o la sociedad avanzan, esto en consecuencia de la diversificación del conocimiento.

Las disciplinas actuales, como la literatura, no se cierran a nuevo conocimiento, por el contrario, pueden ser enriquecidas al reconocer y estudiar su relación con otras áreas. Lo anterior no sólo pasa con la literatura o con campos de estudio afines, también podemos verlo en campos como la medicina, ya que la interdisciplinariedad es una necesidad del mundo actual.

En lo que concierne a la carrera de letras, existen muchos campos de estudio que analizan y parten de la cultura o contexto dado, sobre todo respecto al área de la lingüística o análisis del discurso. Algunas de estas disciplinas fueron diversificándose conforme el paso del tiempo por demandas socioculturales de la modernidad, por ejemplo, la lingüística, la narratología, la semántica, la semiótica, entre otras.

La interdisciplinariedad del cine (incluyendo series) y de la literatura en conjunto con otras disciplinas puede ser muy enriquecedora, no solamente en el sentido técnico sino también para ampliar las representaciones de la experiencia humana. La emoción poética es, en cierto sentido, algo que une las representaciones del arte como la literatura y el cine, y no solamente como una significación del conocimiento.

La sociedad patriarcal figura y establece un lente por el cual vemos muchas cosas, sobre todo productos audiovisuales que naturalmente reproducen ideologías y estructuras propias de la sociedad. A partir de elementos como el female gaze, y, sobre todo, por la creación, producción de series y películas hechas por mujeres, nos damos cuenta de la diferencia de narrativas y aún más, de los formatos en las que son representadas.

Con el surgimiento de las voces y temas que representan estas escritoras o directoras podemos ver, escuchar y experimentar vivencias que evocan la vida de miles de mujeres que los medios fallan en representar activamente en la multimedia. Sin importar la índole de estas experiencias o si se valen de otros elementos fantásticos al ser representadas, se debe destacar su revolución e impacto en la industria.

También es importante destacar su experimentación e interdisciplinariedad en otras áreas del arte; la literatura, la narratología o incluso la hermenéutica. Un claro ejemplo de esto son las series Fleabag (2016-2019) de Phoebe Waller-Bridge y I May Destroy You (2020) de Michaela Coel.

En el primer caso, Fleabag, nos cuenta la historia de una mujer deprimida que además de lidiar con el luto y el trauma por la pérdida de su madre a causa del cáncer de mama, lidia con culpa por el suicidio “accidental” de su mejor amiga, Boo. Desde el primer capítulo Fleabag rompe la cuarta pared, pero nos damos cuenta de que no está realmente presente con la gente que la rodea, de cierta manera, funcionamos como escape para ella.

Además, Fleabag, pese a expresar desinterés general y protegerse con su sentido del humor, es una persona solitaria que sufre primero, por el fallecimiento de su madre, después por ser ignorada por su padre debido al nuevo matrimonio de este, además del fallecimiento de su mejor amiga y el desinterés de su hermana Claire por su relación.

Lo revolucionario de esta serie es como utiliza la ruptura de la cuarta pared a su favor; establece sus propias reglas y nos hace confidentes de la protagonista, en consecuencia, nos identificamos con ella, podemos ver sus emociones. A través de un lente sensible, a veces irónico y emocional, conocemos la catarsis del personaje.

Ahora bien, respecto a I May Destroy You, narra la historia de Arabella, una joven escritora que trata de reconstruir su vida tras sufrir un abuso sexual en un bar después de haber sido drogada. A través de los episodios vemos la vida de Arabella e incluso su pasado, pero también de sus amigos Terry, Kwame y Theodora, lo que diversifica estas experiencias.

La serie ha sido aclamada por la crítica, y dicha calidad se manifiesta en cada episodio de la serie, pese a esto, el que mantiene una mayor interdisciplinariedad con las áreas de estudio de la literatura es el episodio doce llamado “To catch a predator”, en el cual Arabella y Terry visitan el bar donde ocurrió su abuso sexual, y como si fuera por magia, aparece el perpetrador y el hombre que lo ayudó.

A partir de ese encuentro se desenvuelven múltiples escenarios que, conforme nos enteramos en el final del episodio, resultan ser ficticios, son múltiples posibilidades de lo que pudo haber pasado. Pese a que el talento literario de Arabella era evidente, nos damos cuenta de que, al menos en este episodio, lo que vimos en realidad no ha pasado y se trata de una ficción, entonces llega la catarsis, y de esta manera nos hace parte de ella.

Ambos productos audiovisuales representan la historia de muchas mujeres violentadas o que han sufrido negligencia, prestan voz a situaciones de la vida diaria que no se representan o identifican en la cotidianidad. Con el female gaze se presentan una infinidad de posibilidades en los medios audiovisuales.

Fleabag es una mujer joven que vive en Londres, tiene un café con temática de conejillos de indias y conforme avanzan los capítulos, nos damos cuenta de que lidia con un trauma y un duelo que afecta su vida diaria. La serie es una sitcom que utiliza elementos de comedia negra, pero también de drama, pues muestra las complejidades de la vida, de la identidad y de las relaciones familiares, utilizando la ruptura de la cuarta pared como principal fuente de narración. Es una serie conmovedora e innovadora, que aborda temas universales como la pérdida, el remordimiento y el duelo.

¿Porqué vale la pena verla? 

Fleabag es una serie británica de comedia producida por BBC Three en coproducción con Amazon Studios, está basada en la obra de teatro Fleabag escrita y protagonizada por Phoebe Waller-Bridge. La serie bordea entre los géneros de sitcom, comedia negra y se añaden la comedia con el drama, puesto que aborda temas emotivos como el trauma, el duelo y el remordimiento.

Al respecto de la historia, la narración se produce a través de nuestra protagonista, Fleabag, quien condiciona lo que vemos y escuchamos, además nos cuenta lo que piensa en casi cada escena al romper la cuarta pared, se dirige directamente a nosotros, la audiencia, y de esta manera se nos permite construir un perfil del personaje más completo, pero también identificar su discurso e ideología.

Esta serie hace una exploración al trauma y cómo se lidia con él, dando una visión interiorizada e individual de las relaciones humanas que tiene una persona que lidia con conflictos emocionales, que además se considera “una mujer avariciosa, pervertida, egoísta, apática, cínica, depravada y moralmente en bancarrota que ni siquiera puede llamarse feminista”.

El formato de la serie es rápido, puesto que los episodios tienen una duración de entre veinte a treinta minutos, y desde el primer capítulo establece sus reglas en cuanto a cinematografía y diálogo, por ejemplo, en los planos secuencias; en minutos se nos presentan múltiples cortes y cuadros, lo que revela una dedicación y producción cuidadosa tanto en la fotografía como en la diégesis de la historia, pues dichos elementos se complementan con la narración, por lo cual la serie se considera innovadora.

Lo anterior se evidencia en el uso que se le da la ruptura de la cuarta pared, puesto que Fleabag nos identifica como sus únicos amigos y nos damos cuenta que esta ruptura funciona como una respuesta a su trauma, de esta manera puede distanciarse de la situación que vive (o de las personas con las que está) y sirve como distracción.

Esto se ejemplifica cuando Fleabag habla de sus sentimientos o se encuentra en un estado vulnerable los cortes de la plano secuencia son menos y cada vez menos recurrentes, de esta manera se complementa la historia de dos disciplinas; la audiovisual cinematográfica y la narratología.

La regla principal que establece esta serie en su primera temporada es que nadie, excepto Fleabag, puede vernos ni hablar con nosotros, pero esto cambia en la segunda temporada con la llegada del personaje de El Sacerdote, lo cual representa un giro importante en la trama y en la relación del espectador con la serie; da entrada a juicios de valor con base en la interpretación y hermenéutica, en consecuencia podemos ver la relación que existe entre el uso de recursos narrativos en la producción audiovisual.

Cuando pensamos en el cine, pensamos en un tiempo de ocio, de diversión y de disfrute, podemos evocar la experiencia de asistir a una sala de cine y desconectarnos del mundo un par de horas, pero hay toda una teoría que sustenta, de manera estratégica, las historias y las maneras en que son contadas, aunque todo lo teórico respecto al cine pase inadvertido. Entonces, ¿qué relación tiene el cine con la literatura?

Antes de proseguir es importante conceptualizar la interdisciplinariedad, ésta busca la comprensión del mundo más allá de lo que nos pueda decir cualquier disciplina particular. Por otro lado, la disciplina se define un conjunto de conocimientos ordenados y sistematizados que se encuentran dentro de un área determinada, tienen un método u objeto de estudio propio. En contraste, la interdisciplina ocurre cuando varias disciplinas se conectan para hacer más fácil el trabajo que cada una desempeña y así facilitar la solución de un problema (Ostos y Aparicio, 2020).

Entonces, se entiende que la literatura, la lingüística, y otras disciplinas afines pueden interrelacionarse con el cine, puesto que al ser un producto cultural que integran partes como la fotografía, el guion, la escritura, la creación de personajes, entre otros elementos, y gracias a estos podemos ver con una mirada más técnica y estructural lo que implica el cine.

Con lo anterior, es pertinente mencionar al autor Alfonso Rangel Guerra: en sus palabras el “séptimo arte”, ha logrado trasladar al cine lo propio de lo épico, lo lírico y lo dramático, lo cual nos remite a la interdisciplinariedad. Añade que el género lírico ha sido capaz de llevarse a la gran pantalla al transportar la expresión íntima del yo expresivo, del sentimiento y de la emoción creadora, es decir, la poética del cine (2018).

La interdisciplinariedad del cine se deja entrever en este extracto de Persona y cultura: “puede afirmarse con certeza que el cine continuará mostrando, siempre con diversos y cambiantes lenguajes, lo propio de la vida humana en el acontecer del tiempo” (Rangel, 2018). Aquí podemos afirmar que conforme pase el tiempo y se integren nuevas herramientas para la creación y producción del cine, podremos presenciar y ampliar nuestra concepción de la experiencia humana y de los lenguajes que se utilicen para representarla.

El análisis de estos lenguajes e innovaciones permite reconocer y utilizar nuevas herramientas interdisciplinarias que se integren a distintos campos del arte y de sus técnicas, a partir de los cuales podrán surgir análisis diversos; al respecto Zavala (2010) menciona que el análisis cinematográfico tiene una amplia diversidad metodológica, con base en ello propone distinguir entre el análisis interpretativo, y el análisis instrumental.

A propósito, el análisis interpretativo se refiere a la naturaleza estética y semiótica de la película, el cual pertenece a la tradición de las humanidades, por lo tanto, considera al cine como arte. Respecto al análisis instrumental, este tiene como objetivo utilizar las películas para fines específicos, por lo que se utilizan métodos de análisis externos a la teoría del cine; ambos métodos de análisis pueden relacionarse con el área de estudio de las humanidades; el primero con el área de la interpretación como la semántica, la semiótica, y el segundo añadiendo las teorías críticas de la literatura, por ejemplo, el feminismo o el marxismo.

Las herramientas literarias, por llámalas de algún modo, son primordiales para contar una historia y su presencia está implícita en la creación de una película, por ejemplo, la estructura del viaje del héroe que propuso Joseph Campbell en 1949, la cual ha sido utilizada innumerables veces en la industria. En consecuencia, la estructura se ha consolidado en los productos audiovisuales, desde películas hasta áreas de marketing.

Otra de las herramientas que vale la pena mencionar es el formato en el que son presentadas dichas narraciones, por ejemplo, en el caso de Relatos Salvajes de Damián Szifron, el formato se asimila a una antología de cuentos (ya que las historias cumplen con todas las características de uno), puesto que nos narra seis historias diferentes en las que la única semejanza es la representación de la barbarie de la civilización moderna y la ironía de las sociedades.

En consecuencia, la creación de personajes, así como del guion pueden darse a partir de recursos como el conflicto literario, el cual propicia la continuidad y desenvolvimiento de la historia; el yo contra el mal, contra la naturaleza, contra la sociedad, contra la tecnología e incluso el yo contra el yo, dependiendo de la historia que se quiera contar y su propósito (si es que tiene alguno).

Bajo la premisa de que el cine es una especie de lenguaje, Raúl Roydeen (2018) presenta a autores como Francois Jost, teórico del cine que adaptó el análisis literario (los tipos de narrador, la focalización y el manejo del tiempo) a lo audiovisual, en contraste con Stephen Heath; ambos abordan una técnica cinemática con el discurso narrativo y la posición del espectador que podemos comparar con un lector.

A partir de lo anterior, se ha optado por añadir la semiótica cognitiva del cine, pues es una aproximación más completa. Según Roydeen (2018) el estudio del audiovisual como una forma de discurso coincide con las posibilidades de todo análisis textual, ya que es preciso poner en juego niveles temáticos, narrativos y formales de su construcción para posibilitar el sentido en el momento de interpretación.

Entonces, se advierte que un producto tan vasto, respecto a lo lingüístico y la composición de la imagen, se presta a varias y diversas significaciones interdisciplinarias. En el mismo texto Roydeen evoca la narratología, pues el cine se centra en un sujeto particular, el espectador y su capacidad de abstraer el sentido del filme, por ende, se aborda la interpretación e incluso a la teoría de la recepción.

En cuanto al aspecto literario del cine, se destacan las teorías criticas literarias (el estructuralismo, el marxismo, el feminismo, por mencionar algunas), las cuales no se limitan a su aplicación en el cine sino a cualquier medio audiovisual, por ejemplo, a comerciales, pues todo toma un discurso y una implicación del uso de lenguajes mixtos.

Los análisis hechos a partir de teorías críticas literarias como el marxismo pueden ejemplificarse a través de películas como In Time de Andrew Niccol, que aborda directamente los conflictos de clase en un contexto propio de la ciencia ficción. En contraste, podemos mencionar textos como Análisis semiótico de la película Snowpiercer como una alegoría de la sociedad contemporánea de Gabriela Lapuerta, en el cual la autora parte de la construcción de la dimensión semántica (la alegoría, el símbolo y la intertextualidad) en la película de Bo Joon Ho estrenada en 2013.

En cuanto a la poética del cine, Serena Russo (2015) propone un análisis entre la poesía y el cine, así como el género de un cine de poesía con el discurso poético, retomando el lenguaje y características discursivas, la autora además analiza la película El cielo sobre Berlín de Wim Wenders. Como ejemplo pueden añadirse Paterson de Jim Jarmusch o The Hours de Stephen Daldry, que involucran el discurso poético tanto en la narración (guion) de la historia como en la diégesis de esta, se añade también la composición estética de la fotografía en las películas.

De este modo, la propuesta de la autora abre la posibilidad de la existencia del cine poético. No obstante, es fundamental remitirse a su origen en la disciplina de la poética. Mientras Russo aborda con el concepto de intermedialidad a la poética y al cine, el concepto de lo interdisciplinario es más oportuno, ya que añade el valor de las exigencias actuales a un mundo cada vez más complejo.

Sabemos que la teoría narrativa surge a partir de la literatura, en función de la capacidad de contar historias que pertenecen a nuestra herencia humana; es justamente esa herencia la que se manifiesta y evoluciona a la par de nosotros, esto le añadió complejidad a las historias que contamos y a la manera en que lo hacemos.  

En cuanto al aspecto teórico de lo literario y las disciplinas afines como la hermenéutica, la semiótica, la narratología, la poética y la crítica, son cuestiones que incluso se separan entre sí para responder a las especificaciones y exigencias de un mundo globalizado en el que vivimos. En este sentido, es necesario reconocer el diálogo entre el arte y la concepción del mundo que se desarrolla en torno a los productos artísticos de nuestro tiempo, así como de nuestro pasado.

En el caso de hermenéutica y el cine, la interpretación nace en función del análisis de las obras, se puede utilizar para responder cuestionamientos dentro de la diégesis de la historia, por ejemplo, en Fleabag de Phoebe Waller-Bridge se da la ruptura de la cuarta pared, a partir de la interpretación podemos responder y analizar qué significado tiene esto para los personajes, cómo los configura, así como la importancia que tiene en el desarrollo y final de la obra.

Según Zavala (2014) los seres humanos somos animales narrativos, pues creamos narraciones para dar sentido a la experiencia, y el cine es la forma de narración más persuasiva que existe, la vida es una mera imitación del cine y la narratología permite entender en que radica su fuerza.

La interdisciplinariedad nos revela un mundo nuevo a partir del cual es posible analizar un producto del tiempo y contexto en el que vivimos. En la literatura y el cine existe una conexión innegable que puede ser explorada a fondo según se determinen los campos de estudio o disciplinas involucradas. Nos damos cuenta de que en realidad lo que conocemos como campos de estudios específicos y rígidos que sólo permiten un objeto de estudio han quedado en el pasado; una muestra más de la interdisciplinariedad moderna.