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DAMN. Desde hace unos años, Kendrick Lamar terminó siendo un tipo reconocido. Nada nuevo para sumarle al género, si, obvio. ¡pero qué canciones! Su disco anterior, TPAB, era un gran disco con buenas canciones mientras que este termina siendo, en su larga duración, un buen disco con grandes canciones. "Humble", "DNA" y Loyalty", cualquier otro viviría toda su vida si compone una de esos.

LOUIS CK. Lo pienso y me sigo riendo. Louis CK es lo más grande que hay. No recuerdo quién decía que uno, en un stand up, debe reírse sobre lo que no debería. El colorado lleva esto al extremo en este especial de Netflix. No sé si serán cuestiones mundiales pero habla sobre dos temas que fueron agenda en el país por diversas razones: educación pública y aborto. Están los otros espectáculos de él en Netflix y también otros los encontrás en Youtube.

PLAYOFFS. El mejor momento deportivo del año. No sólo para los aficionados al deporte sino también para los enfermos de las transmisiones, de los medios y las nuevas técnicas de difusión que utilizar en la NBA. La NBA es la #1 en el modo de comunicar, siempre innovando y, básicamente, con los mejores periodistas (Zach Lowe, el más interesante) cubriéndola. Notas como ésta, ésta otra o ésta.

NICO MARTIN. Encontré el disco de Nico Martin mientras limpiaba uno de los muebles de mi casa. "El Nocturno" tiene una edición hermosa con ilustraciones de varios dibujantes argentinos y algún que otro de países vecinos. Pero, sobre todo, es un gran disco. Lindas canciones, lindas letras y que te llegan en cualquier momento en el que lo escuchás.

LOS ACCIDENTES. El único libro que leí y terminé en el mes. Ni idea cómo llegué a él pero me interesaba desde ya por su formato corto, de cuentos aún más cortos y que la autora tiene casi mi edad. Gran pero gran libro de Camila Fabbri que voy a recomendar con una cita a una crítica de Pagina/12: “Son cuentos de temor. Bastante distintos, la sensación de que algo tremendo va a suceder pareciera unirlos. Una emoción amarga, un clima enrarecido que se estira. Y en el medio, un lenguaje delicado, ingenuo, poético, que narra el horror”. Nada que agregar. Se consigue en cualquier librería.

BAFICI. Este año se llevó a cabo otra edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente. El BAFICI, para qué hacerla tan larga. Una edición especial en medio de todo el quilombo del INCAA y el vaciamiento del fondo de fomento del cine. Más allá de eso, poco pude sentir del bardo durante el festival (silbidos en las propagandas del gobierno de la Ciudad y una pregunta al invitado de honor, Nanni Moretti). En tanto a películas no cambió a otros años: platos fuertes, nocturnas interesantes, retrospectivas, operas primas y bodrios. Lo de todo festival. Un poco de lo que vi: * THE OTHER SIDE OF HOPE. Kaurismaki hizo la mejor película del año y recién arranca mayo. Un refugiado sirio en Finlandia y un restaurante antiquísimo donde arranca a trabajar. Se puede resumir así de simple pero el film tiene mil de aristas y sobrelecturas del tema refugiados, xenofobia y negligencias gubernamentales. Tremendo 10. * YOURSELF AND YOURS/AT THE BEACH AT NIGHT ALONE. Hong San-Soo es el 1. El maestro coreano hace siempre la misma película pero cada vez más hermosa. Esa supongo será su idea. En el BAFICI se proyectaron sus últimas dos películas y una es mejor que la otra. En tono totalmente distintos, ambos narran el desamor y los personajes charlan sobre eso entre alcohol. Que maestro, la puta madre. * THE LOVE WITCH. Me encantó esta mierda porque la directora quiso hacerla así. La genial Anna Biller se hizo cargo de toda una película que quiere homenajear al cine bizarro y erótico de los 70' y 80'. A medida que pasan los días, la película es mejor. Ufff, Samantha Robinson, ufff. A todo esto, la proyectaron en el Anfiteatro del Parque Centenario, un escenario hermoso para lo que sea. * LA MORT DE LOUIS XIV. Un animal de la belleza es el director Albert Serra. Cada plano que compone es una obra de arte. Ojo, no todos los que hacen eso logran una película acorde pero Serra es uno de ellos. Aquí, se centra en los últimos días del rey francés Louis XIV y, durante las casi dos horas, lo ves apagándose de a poco. Una película que muda sería igual de increíble que sonora porque lo que hace Jean-Pierre Léaud expresivamente es para aplaudir. Y así fue. * CERTAIN W0MEN. Una poronga en patines. * BARRAGE Y LA LEGION SALVAJE. Teniamos entradas. Ni fuimos. Meh.

PODCAST ADDICT. Quiero ir recomendando aplicaciones. En mi nueva vida con un teléfono que soporte una aplicación, lo primero que hice fue mezclarlo con mi otra adicción que tengo hace años: podcasts. Esta app te las organiza, te avisa cuando hay nuevos episodios, te deja descargarlos y tiene una interfaz 10 puntos. Hablando de podcast, recomiendo estos: Barley, Almirante & Scotch, Hypeados, It’s Lit, Es Basura! y Juro que es posta.

20TH CENTURY WOMEN. Cero expectativas y sin saber de qué va la película: esa es la mejor manera de llegar al cine. Así llegué a ver la nueva de Mike Mills, el de esa otra gran película que es Beginners, y me llevé una gran sorpresa. La historia, cómica y dramática, sobre una madre soltera tratando de criar a su hijo en la California de los 70s. El director logra, de manera increíble, poner chistes en momentos muy dramáticos y drama en donde hay que reírse, punto en el que medio Hollywood flaquea. Visualmente hermosa, te dan ganas de estar en la costa y el soundtrack es una locura. Suenan los Talking Heads, no puedo ser objetivo. Se encuentra en torrent por ahí

LIFE, ANIMATED. Documental que fue nominado al Oscar y que está en Netflix. Cuenta la historia de la familia de un chico autista que, ahora ya adulto, comenta cómo pudieron sobrellevar la vida junto a él y los inconvenientes que trae el trastorno. Hasta ahí, nada diferente a algún documental de Life o Health. El tema es que la única forma de comunicarse con él o hacer llevadera una conversación era a través de su amor por las películas de Disney, de las cuales aprendió todo sobre la vida. Amor al cine, parte uno.

NICK CAVE. Voy a ser un predicador de la palabra de Nick Cave. Así que mes a mes, voy a tratar de publicar una canción de él. En esta primera parte, una de las últimas gran canciones del australiano. "No more news from nowhere" de "Dig, Lazarus, Dig!!!", quizás, el mejor disco de los últimos 20 años. Tiene todo y de todos los estilos. Cave tiene los cojones de meter esta canción de casi 10 minutos, narrativa como siempre, y salir airoso.

"Don't it make you feel so sad, don't the blood rush to your feet To think that everything you do today, tomorrow is obsolete? Technology and women and little children too Don't it make you feel blue? Don't it make you feel blue?"

Estamos perdidos. Estamos inmersos en el mundo más extraño posible. Un poco nos lo merecemos.

Me desperté nuevamente en su cama. No significa lo mismo tener relaciones con una persona que dormir con ella. El compartir el sueño es demasiado íntimo, quizás mucho más que el sexo. ¿Cuánta gente te vio soñar? ¿Cuánta te vio despertarte antes del primer lavado de cara? Contalas, son pocas. Salí rápido de su casa y me tomé el primer colectivo que pasó. Somos todos extraños, por suerte. Nadie me conoce y nadie sabe de donde salí. Listo, basta para mi. Esto no puede seguir. Me decidí y busqué la desintoxicación emocional. La madurez llega cuando te das cuenta que hay que evitar los quilombos antes de romperte la cabeza buscándo solucionarlos.

Me sorprenden las mujeres. Funcionan de una manera muy diferente. Nosotros somos pelotudos que idealizamos y buscamos perfecciones. "Las mujeres ven más allá, pueden hacer de un gordo sucio, un bohemio interesante, de un flaco desgarbado, un modelo europeo en potencia, de una paparulo con cara de nada, un seductor con mirada enigmática. Gracias a este evidente desperfecto en la percepción femenina muchos de nosotros llegamos a tener novia", comentó uno de los escritores argentinos más interesantes que leí. Si esto no fue real, nada de esto podría ser escrito.

Deje que pasaran cinco, seis, meses para volver a creer. Hay quince mil bares, centenas de lugares para comer pero me senté en el primer antro que vi. Ahí fue la primera vez que pensé seriamente en ella. Estaba solo, en la madrugada, en una barra de un lugar de mala muerte de Ramos Mejia que en el fondo tiene un cyber. Smeels like 2004 spirit donde dos panchos con gaseosa te salen poco más de sesenta pesos. Simple, rápido, fácil. Estos seis meses quedan en mi, en el pasado, en ningún lado.

Días después, me senté en el escritorio del laburo. Mis ojos se caían y las ojeras llegaban hasta las Vans sucias, culpa de un festival con lluvia. Tengo que soportar a mi jefe al cual no le importa nunca nada. Me ve sonriente, le debe dar bronca. Me soportó todos estos meses con cara de orto y un pequeño detalle le cambió el panorama. Me la sacó enseguida, me dio más laburo para hacer.

¿Importa? Por un instante, vuelvo a pensar en ella. No, no la del quilombo. Todo eso quedó atrás. Por suerte. Ahora es ella y le diremos ella. Es raro saber lo que pasa por la cabeza de un terco y anti-todo. Como decía, estamos en el mundo más extraño posible. Donde nos terminamos enamorando de una foto de perfil y quizás hablas más tiempo con gente a la que no conocemos su voz. Estamos pendientes del  color de una tilde en un teléfono y eso nos cambia el humor del día. ¿Vieron que me pongo en anti-todo? Ella me sacó de eso. Mi jefe me sigue dando muchisimo más laburo.

Ostracismo, silencios larguisimos, oscuridad más oscura. Imagino que habrá quedado todo atrás. Platón decía que todo hombre tocado por el amor se convierte en un poeta. Yo creo que se convierte en un pelotudo pero una cosa podría no quitar a la otra. Estoy bastante pelotudo. ¿Qué estoy escribiendo? Vamo a calmarno.

Volví a releer lo que había escrito en estas memorias hace unos mses. Cuando le mentí a medio mundo para hacer una cagada gigante, esa que ya estaba hecha. Parezco otra persona. Quizás lo soy. Ni mejor ni peor, otra.

A través de mis rotos anteojos, veo su cara. Esa que vi tanto tiempo y soñé mucho más. A veces pienso por qué me enamoro tanto del amor. Creo que lo necesitamos. Mi ex me reclamaba diciendo no que podía amarme porque yo me odiaba. Nunca alguien tuvo más razón. ¿Seguirá funcionando igual?

Principio de 2003, no sólo significó el comienzo de una etapa política que sigue siendo tema de todos los días. También, en mi vida, significó “llegó el cable”. Mi diversión pasaba por ahí. El verano de ese año fue raro, tenía 9 años y me aburría en mi casa, ni siquiera salía a la calle. Vivo en un primer piso y mi hermano ni siquiera sabía caminar. En ese momento, en una pieza muy chica en la casa de mi abuela, habían venido a vivir mis primos Juanca y Sergio, al que siempre le dijimos Pitu. Dormían en una habitación que no llegaba a tres por tres. Ni siquiera recuerdo una tele, pero si recuerdo música. Me quedaba todas las tardes con ellos, unos cinco, seis años más grandes que yo. Nunca había escuchado ese tipo de música, ni sabía lo que era. Así, Juan me hizo escuchar, por primera vez, lo que sigue siendo uno de mis principales amores: el hip hop. Gastamos a un disco de Usher y al recién llegado “Hacete rico o morí intentándolo” de 50 Cent. Era obvio, nos sentiamos identificados con ellos. No es muy dificil hacer un paralelismo entre su cultura y la nuestra. Estaba más que claro que ibamos a congeniar con letras que hablaban de no salir a la calle por miedo a no volver, a despertarse de noche por los tiros o ver cómo se van muriendo los muchachos del barrio. Nos veíamos más reflejados con eso que con saber qué le pasaban a esas radios modernas.

Pero de todos estos, sumado a que MTV aparecía como un mundo nuevo para este chico de menos de una década de vida, me llamaba la atención uno. Un rubiecito que estaba vestido de Robin, junto a un Batman negro, haciendo boludeces en un video con una melodía muy extraña. Hablaba muy rápido pero con gracia. En un mundo sin internet, me costó saber quién era. Sólo tenía un nombre: Eminem. Juntando mucha guita, pero mucha para nosotros en ese momento, pude comprar The Eminem Show. Mi primer disco, me salió una locura pero lo tenía. En estos 22 años de vida, creo que nunca escuché tanto en mi vida un album como ese. Sin saber ni qué decía ni de qué se trataba. Y lo escuchabamos con Juan. Creo que nunca le gustó tanto Eminem, igual, y era inentendible por qué le gustaba tanto Usher.

En las ultimas horas, Juan nos dejó. Nos abandonó. Tomó una decisión que no entendemos ni podremos entender. Dejó atrás todo por algo que sólo él se lo llevó. Siempre nos cuesta entender qué les pasa a los demás y no llegamos a tiempo. Queda el recuerdo de él sentado en la esquina con su clásica moto o su remera de Brasil o su camiseta de Belgrano con la cara de Rodrigo. Un golpe duro para nuestra familia que ya vivió algo parecido hace poco. Dolor.

Mañana iré a ver a Eminem. La realidad se rie de la ficción todo el día. Miraré hacia arriba y le diré a Juanca que estoy ahí gracias a él. Nunca se lo pude decir.

The soul's escaping, through this hole that is gaping This world is mine for the taking

Me agarré la cabeza con ambas manos. Dejé que los rulos se enganchen en mis dedos e intenté arrancármelos. El dolor de cabeza era igual de insoportable que mis últimas semanas. Al menos este dolor no iba a tener consecuencias. Alcé la vista y observé cosas que no son mías. La cagada ya estaba hecha, no tenía escapatoria. No me importa, soy un miserable.

En mi casa creen que me fui a lo de un amigo porque hoy vamos a jugar temprano a la pelota. Son las tres de la tarde. Ahora él tendrá que inventar sobre los goles que no metí o de las patadas que pegué. Todas las mañana me odio pero todas las noches me amo. O me creo amar. No distingo entre alegría y dolor y muchas veces pienso que son lo mismo. Necesito sufrir para poder ser feliz. Al menos no me miento. Miserable pero coherente conmigo.

A ella todavía no la vi. Estoy pensando hace diez minutos y, en la cama, a mi izquierda ella no está. Las sábanas están hechas un bollo y sus anteojos ya no están en esa improvisada mesita de luz hecha de libros. ¿Se habrá ido a algún lugar que me había dicho pero no recuerdo? ¿Le habré dicho algo que la enojó o no le dije nada y se enojó también?

Las preguntas me hacen doler más la cabeza. No sé ni que tomé, ni que fumé ni de qué me lamentaré cuando me acuerde. El último disco de Wilco suena de fondo. El gato de ella va y viene por la puerta y no se anima a pasar. No me reconoce y no toma confianza. El felino se va corriendo y ella entra a escena. Está más hermosa que nunca. El sol que entra por la ventana le pega en la pálida cara y convertía más verdes a sus ojos. La cagada ya está hecha. Si alguien se entera, a la mierda todo, a la mierda yo, a la mierda ella, a la mierda lo construido en años.

Pero yo no estoy acá, estoy corriendo a un flaco de atrás para sacarle la pelota. La ley del defensor gordo dice que en la primera, tratá de tocarle la bocha. En la segunda, tratá de pegarle una patada. La tercera, fijate que tan resistente es la tela de la remera. Mi vieja se reirá por un gol que nunca erré, mi papá se enojará por una tibia que jamás rompí y mi amigo me puteará por el cuento que le hice escribir.

En el verdadero partido yo soy el verdugo. Yo soy el del gol en contra que mandó al descenso al equipo. En cuanto se aviven todos, me rescinden el contrato. La cagada ya está hecha. "¿Que querés?", me dice con esa voz de nena inconfundible. "No conocer a los que conoces", respondí mientras me vestía de impecable jugador de fútbol: camiseta, short de la NBA y unos botines tres talles más chicos para poder mentir con pruebas.

"Smart is the new sexy", le susurra Irene Adler, interpretada por la hermosa Lara Pulver, a Sherlock Holmes en el primer capítulo de la segunda temporada de la serie que lleva el nombre del histórico detective inglés. Para entender qué es la inteligencia, nos acercamos a la Real Academia Española y vemos que dice: "facultad de la mente que permite aprender, entender, razonar, tomar decisiones y formarse una idea determinada de la realidad". Aprendizaje, razonamientos y formación, tres de las características comentadas por la máxima autoridad del lenguaje, nos transportan directamente a la educación. Husmeando por distintas páginas relacionadas, los profesionales se pelean entre ellos y dejan una gran duda dando vuelta: ¿sólo se es inteligente si uno vive educándose formalmente?

Todo esto es una simple excusa para hablar de dos artistas con mucha relación con la educación. No musical, sino formal. Tenemos los dos opuestos, un matemático prodigio y un muchacho que no terminó los estudios secundarios pero toma su nombre de uno de los científicos más importantes de la historia. Ambos son referentes actuales de la electrónica con estilos tan distintos como sus pergaminos. El nerd Caribou y el oscuro francés Gesaffelstein.

Caribou es el seudónimo que utiliza Daniel Victor Snaith cuando graba discos o se sube a un escenario. Cuando no lo está, el músico es un enfermo de las matemáticas y, debido a esto, obtuvo un doctorado de la materia en el College of Science, Technology and Medicine de Londres por su trabajo sobre las formas modulares de Siegel. "Tanto la música como la matemática son una prueba y error constante pero cuando funcionan lo hacen de una manera visceral", se proclamó Dan en una entrevista donde defendió ambos mundos. Este genio viene sacando algunos de los discos más interesantes de los últimos tiempos y termina siendo uno de los pocos invictos de esta década. Ningún disco flojo. Primero como Manitoba y ahora con Caribou, Dan Snaith se sumerge en todo género musical que pase por sus oídos y los eleva a una dimensión que nunca pensabas encontrarte. 

¿Realmente no te sorprendiste cuando en "Andorra" tomó sonidos de los 60s o cuando fue más neo-psicodélico que todos en "Swin"? ¿O no te voló la cabeza cuando subió 15 músicos a tocar o el hecho de hacer discos con cero nostalgia con Manitoba? Por favor, "The Milk of Human Kindness". Todos estamos a tiempo de hacerlo. Quizás, en "Our Love", su última obra, sólo se limitó a sorprender por su simpleza utilizando progresiones de las bases rítmicas y repeticiones de frases. Un músico obsesionado con los colores, las texturas y los números. "Los matemáticos son las personas más apasionadas e intensas. Todos lunáticos y fascinantes personajes", aclaró Snaith. Él tituló a una de sus canciones "Si los pelotudos pudieran volar, esto sería un aeropuerto". Todo dicho.

Del lado opuesto, el francés Gesaffelstein. Nacido como Mike Lévy, este músico comenta, en una nota con Les Inrocks, que no terminó el colegio: "lo dejé a los 16 años porque estaba aburrido y ya estaba haciendo un montón de mierda con la electrónica". Este productor, quién formó su nombre artístico mezclando a Albert Einstein con una palabra en alemán (Gesamtkunstwerk) que se refiere a la obra de arte como un total, se fue formando a base de experiencia. Probando, fallando y acertando; el prueba y error que hablaba su colega. A medida que corrían los discos, Gesa se tornó un referente del dark techno y él no se ha quejado mucho al respecto y ayudó a construir su figura alrededor de ello. Gran parte de los artes de tapa de sus EP's son piezas en blanco y negro al igual que la colorimetría de sus videos y, en varios notas, comentó que todo lo que escribe lo hace en una habitación totalmente pintada de negro. En este contexto, Gesaffelstein produjo el último disco de Kanye West, esa obra maestra llamada Yeezus, y sacó un álbum impecable como lo es Aleph. 

Si Caribou sacó discos interesantes, el francés contribuyó con uno de los más intensos que se hayan escuchado contemporáneamente. "Aleph", con canciones como Destinations o "Hate or Glory" se destacó por su violencia y búsqueda de sonidos sutiles pero encriptados a la vez. Gesaffelstein, con tintes soberbios pero justificados, se diferencia de Caribou por sus antecedentes: "no tengo formación clásica, todo lo descifré solo: las notas, acordes, sino también sonido y compresión. Pasé años leyendo publicaciones técnicas, viendo tutoriales sobre música y su creación. También me mantengo conectado a todo lo que sucede en la tecnología y quiero saber cada nuevo software o máquina. Me di cuenta que la música era igual de lógica que las matemáticas. Así que, la no educación me permitió romper las reglas y ayudó para atreverme a cosas que un músico experimentado nunca hubiera intentado. Me gusta este caos organizado".

Todo  sigue siendo una excusa para escuchar a ambos.

No siempre se tiene una posición tomada ante el cambio. No queda claro si las transformaciones siempre son para bien, si las mutaciones están lejos o cerca de ser evolución o si la razón principal de estas no es más que una sencilla necesidad.

El Mosca de Dos Minutos se lo reprochó a Carlos, cuando se vendió al barrio de Lanús. Pablo Lescano no se quedó atrás y al guachín lo crucificó porque a la vagancia, de una, descartó. David Bowie fue un poco más allá y habló en primera persona: "el tiempo podrá cambiarme pero no puedo rastrear el tiempo". Dargelos, en otra vereda, afirma que cambia todo por el don que hace a las mujeres reír.

Si el cantante punk o el productor de cumbia, traza un paralelismo desde el comienzo a la actualidad de Las Armas, no pondrían la cara. O si, por qué no. La banda cambió. Ya no son los hardcore que, hace casi diez años, buscaban la furia perdida. La furia está... en otro lado y de manera opuesta. Está en encontrar la melodía, en ese cúmulo de ideas y transformaciones y sonar como quieren sonar. El budismo ve a la furia como un efecto positivo en términos de supervivencia. El, ahora, sexteto sobrevivió y, luego de cinco años de duro trabajo, encontró su sonido definitivo.

Actualmente, en la banda son seis músicos. El cantante Sergio “Otaku” Grossi, los guitarristas Sebastian Curi y Ezequiel Escobar, el bajista Jonathan Saladino, el tecladista Leandro Madeo y el baterista Patricio Dellariva. “La banda arranca en el 2005 en el sur del conurbano, nos conocíamos porque todos teníamos otras bandas y de haber armado recis juntos o de ir a vernos cuando tocábamos. En el medio pasaron idas de integrantes, replanteos musicales extremos pero te lo resumo para no aburrir a nadie”, bromea Escobar, uno de los guitarristas que resistió a todos estos cambios.

Otaku, maquinista ferroviario cuyo verdadero nombre es Sergio Grossi y que nació el mismo día que Charles Bronson -como lo remarcaron sus compañeros de banda-, está de espaldas a la gente. Sea en Niceto, un bar de Lomas de Zamora o un galpón de Morón. Te descuidás y de él sólo recordás su inconfudible voz y su espalda. Fue el cantante de Los Años Mueren (quienes se describían como rock emocional y sufrían el flagelo de la “ñ” en Internet), Agitamares y Mis Amigos Muertos (ejercicio solista y acústico mostrando una faceta mucho más indie). Evidentemente, todo fue aprendizaje. Luego de escuchar cada uno de los proyectos musicales, Las Armas es, sin dudas, el punto de conexión entre todos estos.

En 2008, Otaku termina a 3000 kilómetros de Buenos Aires. Las Armas no sobrevive con esta partida, ni con los nuevos y efímeros cantantes que intentaron reemplazarlo. Pero cuando vuelve, el equipo vuelve a ser tal y, desde ese momento, el grupo tuvo una progresión que culmina con esta obra.

“Cualquier creación artística es hija de su tiempo”. Con esta compleja frase comienza el ensayo de Kandinsky que le da nombre -aunque modificado- al album y es atinado adjudicarselo a un disco que tardó tres años en ser compuesto y uno en grabarse. “Fue largo el proceso de creación y tuvimos algunas complicaciones. Pato, el baterista, se quebró la muñeca lo cual nos obligó a parar los ensayos de manera convencional por un buen tiempo”, comentan mientras esperan para subirse al escenario de uno de los shows de presentación de “De lo espiritual en la música”.

En medio de todo este proceso creativo, Grossi tuvo un hijo. Escobar enmarca este hecho en un contexto de conocimiento general y de las muchas cosas que vivieron juntos como banda. “No hacemos la misma música que hacíamos 10 años atrás cuando arrancamos, el cambio es notorio, hacemos lo que nos gusta y eso está buenísimo. Imaginate que desde que estamos juntos nos pasó de todo: desde que nos hayan robado todos los instrumentos en Mar del Plata, nuestra propia separación, hasta el nacimiento del hijo de Otaku. Vivimos muchísimas cosas juntos y ya nos conocemos tanto que sabemos cómo tratarnos entre nosotros, eso no quita que cada tanto haya diferencias, pero nos llevamos bárbaro”, aclara el guitarrista.

El bar Detroit de Morón, ubicado en plena Avenida Rivadavia, tiene un galpón detrás donde no entran ni 100 personas. Allí, el escenario está al ras del piso y los músicos se pierden entre la gente. En pleno “Barretas”, tema que abre el segundo EP “Animales”, un muchacho bastante molesto empuja a Otaku y éste se cae sobre los amplificadores. El cantante se rie y se toma con naturalidad el hecho de casi romperse la cabeza contra los equipos. En vivo, Otaku no sólo se opone al público sino que canta para adentro pero es tanta la potencia que sobrepasa su interior y sale hacia el exterior. Raro para explicar en palabras.

Ezequiel, en la previa al show en Morón, me presenta a dos de sus compañeros y explica: “creo que muchos van a terminar de entenderlo en vivo, lo vamos a tocar mucho y por donde podamos, la idea para este año es esa, mostrarlo por todos lados”. No recuerdo los nombres de sus compañeros y tampoco que me los haya presentado formalmente. La memoria es magnífica para olvidar y esta vez ha sido la mejor de las suyas. En escena, todos se miran y se entienden a la perfección. Cuando no se miran, se entienden igual. Son un reloj suizo.

Este quizás es el paso definitivo para Las Armas pero el necesario fue “Animales”. Un EP con la fuerza sintética y donde dijeron “acá estamos, esto somos ahora y hacia esto vamos”. "Fue como una especie de reencuentro entre los 6, musicalmente la vuelta de Leo en el piano nos dio matices que antes no teníamos, tuvimos que bajar muchísimos cambios para que el piano también pueda ser protagonista y eso fue fundamental. También tuvimos mucha ayuda desde la producción, y eso era algo que nunca habíamos hecho, tener una visión externa a la banda nos sumó mucho", relata Ezequiel mientras conduce luego de un show en Morón y se exalta al comentar que a ese trabajo lo enviaron a masterizar al mismo lugar donde lo habian hecho Depeche Mode, Bjork y Foals.

Lo interno, paradójicamente, se ve en Las Armas. Sobre el escenario, cada uno está en la suya. Eufóricos, compenetrados, enajenados en su propio mundo y sacándo lo mejor de sí hacia los demás. Ninguno se ve a los ojos. No lo necesitan. Otaku mira a la batería y su vista se funde en el ritmo. Los dos guitarristas se mueven en su lugar y acompañan a la música con desplazamientos indescriptibles. El público no sabe que hacer, sólo se limita a ver hacer.

“De lo espiritual en la música” tiene un eje: la separación, y ellos bien saben de esto. Escobar, quien se sumó a Las Armas luego del primer recital, comenta que “los cambios de integrantes son siempre complicados, tuvimos varios y cada uno de esos cambios requirió de una adaptación que lleva tiempo y de alguna manera es arrancar de nuevo hasta que el nuevo se adapta, pero creo que también cada cambio aportó lo suyo, y que nos fuimos nutriendo de lo que el nuevo integrante aportaba”. Un cantante, otro cantante, dos pruebas que no funcionaron, distintos guitarristas, un violero que pasa a otro instrumento. Las Armas tardó en encontrar su formación actual.

La separación es explícita en todo momento. Al contrario de lo que escribe todo el mundo, la mayoría de los discos post-separación del compositor terminan siendo repulsivos. Canciones sombrías con llanto y poesía para pegarnos bajo. En este caso, Las Armas hablan desde otro costado. Lacan contempló la separación y la alienación en el psicoanálisis. Te lo podría explicar muy lindo pero acá estamos para hablar de música y no de psicología. Todo el disco habla de la ruptura desde un lado mental, espiritual, haciendo hincapié en el duelo interno y no en la pose insólita del destruido que sube canciones de Elliott Smith a su perfil de Facebook.

"Se alejó tu resplandor / me alejó tu resplandor / me alejaste de todo", le recrimina el emisor en "Sombras", canción que cierra el disco. Contraria y curiosamente, el EP Animales, anterior trabajo de la banda, culmina con una canción de amor donde un esperanzado vocalista canta "Todos a bordo y a partir / porque aquí tus ojos ven el mundo / es lo que quiero para ti. Porque a tu lado escucho desiertos, y mares, y animales".

Ya desde el comienzo, utilizando las primera líneas del disco, las letras hablan de un ida y vuelta donde sólo leemos a uno de los participantes. Un reproche eterno, hacia ese "tu" y hacia uno mismo. Platón escribió que todo hombre tocado por el amor se convierte en un poeta. A esa afirmación, se le puede agregar que todo hombre desenamorado se convierte en un mejor poeta.

“Hoy te abrazaba y te recordé enamorada”, canta Otaku con un dejo de resignación en Discordia, segundo tema del disco. Las letras las escribe él pero éstas recién aparecen sobre el final de la composición. “Arrancamos con la música que casi siempre empieza desde los guitarristas quienes llevan alguna idea que tienen y el resto le va dando forma hasta que se convierte en una canción o queda en la nada. Es un proceso colectivo, todos participamos. Después las letras son siempre escritas por Otaku, a medida que vamos armando la canción, él arma la melodía y va mechando la letra”, sinceran desde la banda.

El yo del disco se mueve entre la superación y la búsqueda espiritual con el fin de volver a su naturaleza. Quiere volver a ser él y así no puede, no con todo esto atrás. Cuando no reprocha, este yo se habla, se aconseja y se convence. Por ejemplo, en "El Circulo", durante toda la canción, mientras las guitarras llegan a su cenit de belleza, se interpela ante un hecho y piensa directamente en caer y desaparecer luego de cerrar un círculo. Todo eso viene acompañado de un Otaku en su mejor momento como cantante, apoderándose sus versos y sintiendo cada una de sus letras.

Bandcamp, sitio en el que se estrenó el disco, comenzó la cruzada para que pagues los discos. Con el lema “Llegó el tiempo de abrir tu corazón/billetera”. Si uno hace click en “No, gracias”, un corazón se rompe y empieza a caer en pedacitos. Nunca algo tan inutil sirvió para continuar un concepto.

Mientras dos amigos charlan sobre una publicidad dantesca que vieron en la televisión, Ezequiel comenta vehemente: "hasta dónde pensamos llegar no lo sabemos muy bien, creo que mientras tengamos ganas de tocar, vamos a seguir. La banda funciona, nos gusta lo que hacemos y nos gusta tocar juntos". Acto siguiente, se abraza a uno de sus compañeros y se pierde entre la gente.

“El artista, cuyo objetivo no es la imitación de la naturaleza, aunque sea artística, sino que lo que pretende es expresar su mundo interior, ve con envidia cómo hoy este objetivo se alcanza naturalmente y sin dificultad en la música, el arte más abstracto”. (“De lo espiritual en el arte”, Vasili Kandinski)

FOTOS: IVAN PINTO

Todo comienza con Big Jeff. Este muchacho de la ciudad inglesa de Bristol se caracteriza por ir a todo recital que haya en el pueblo. Sea la banda que sea. Su promedio de shows es de ¡8 por semana! y todo durante los últimos 13 años. Realmente, él acusa este hobbie a la necesidad para sobrepasar su condición de Asperger, un síndrome mental que se asimila al autismo. Fuera de tema, en diversas oportunidades me indicaron que podría tener dicho síndrome pero, al final, se dieron cuenta que soy simplemente un pelotudo. Volviendo. "Es la única manera de poder conectar con la gente y sentirme cómodo", afirmó Jeff, una especie de pie grande redneck.

El gran Jeff, quien es amigo de grupos como Bloc Party o Foals, terminó siendo parte de una disquera zonal que edita a bandas locales. Una de esas bandas es Zun Zun Egui, a los cuales los definió como "la mejor banda psicodélica de todo el mundo", seguramente motivado porque es una banda de su ciudad y del sello amigo. Pero en algo tiene razón, quizás no es la mejor pero sí una de las más interesantes.

Zun Zun Egui, como lo describe su página oficial, tiene su origen en la reunión de un músico de Mauritania y un colega de Japón: Kushal Gaya y Yoshino Shigihara. La mezcla de culturas, incluso ajenas, se encuentran demasiado presentes en la música de la banda. Ellos comentan que crearon un sonido ZZE que incluye tropicalia, punk funk, Afrobeat, Ethio jazz y no wave. Un mundo imposible de etiquetas musicales.

¡Al fin una banda de este lustro con un cantante que le presta atención a la voz! Con un tono y melodías extremadamente emparentadas con la música tradicional africana, ZZE se permite jugar con el abanico de posibilidades que le da la mezcla de culturas tan distintas. En un ambiente donde la simple psicodelia ATP lidera listas, festivales y hype, este grupo va más allá y experimenta con todo lo que tiene a su alcance. Aún así, el resultado termina siendo un primer disco, lanzado este año, con fuerza, prolijidad y presto al estudio de pieza por pieza dentro del mismo. Jugada propuesta.

En The Guardian, comparan su sonido con el de Talking Head. Su música suena en el estadio del Manchester United junto a nombres como The Smiths, Stone Roses, New Order o The 1975. En Facebook, los integrantes de la banda comparten una lista de canciones en Spotify que escuchan mientras se trasladan entre show y show y que incluye a St Vincent, Caribou, Tortoise, Kendrick Lamar, Can y Sleater-Kinney. Obviamente, también está David Byrne.

Su debut discográfico fue este año con el disco Shackles’ Gift y tocarán en varios festivales masivos como toda banda chica en Europa. Seguramente allí estará Big Jeff, moviéndose de un lado para el otro y pensando a que otros shows hará esa semana.

Aquí, Katang, uno de sus primeros EPs.

COLECTIVO 49 - CABALLITO - ISIDRO CASANOVA

Above and below es complicada. Su puesta en escena, sus personajes, sus historias, su narración, los planos y las decisiones del director. Todo es complicado. Eso la hace impresionante. Nicolas Steiner, un estudiante suizo de cine, quería mostrar el lado menos visible de Las Vegas. Lejos de los casino y las luces, el documental enseña la soledad de los outsider de la ciudad. Una pareja de drogadictos que vive en los túneles de la ciudad, un “Padrino” de las alcantarillas, un solitario que vive en el desierto y una serie de personas que se preparan para vivir en Marte. Todos personajes exquisitos que conviven y subsisten en un documental perfectamente montado y que te rompe la vista con las imágenes de los paisajes de la escondida Las Vegas. El realizador encontró belleza y logró una experiencia única demostrando lo que realmente hace único al cine.

COLECTIVO 55 - PLAZA ITALIA - SAN JUSTO

“Un documental argentino es como tener sida y cancer”, comentó Santiago Calori, uno de los directores de los documentales en cuestión, cuando le preguntaron sobre la (no)posibilidad que le pirateen su obra. A pesar de eso, una buena cantidad de gente se acercó a ver “El Crazy Che” y “Un importante preestreno”. ¿Se acercarían tantos si sólo tuviesen estreno comercial y no se presentaran en el marco del festival?

“El Crazy Che” narra la historia de Guillermo Gaede, un espía argentino que trabajó para Cuba y Estados Unidos, a la vez. Contadode manera cronológica, relatado por un magnífico Gaede y desarrollado de forma ágil por los directores, el documental transforma a una historia complicada y protocolar, en un divertido y dinámico relato. Todo lo inverosimil e increible de la biografía del ideológico espía está tratado inteligentemente por los realizadores Nicolas Iacouzzi y Pablo Chehebar.

A “Un importante preestreno” lo describe uno de los primeros títulos del documental: una historia oral e improbable de la cinefilia porteña. Sin ser melancólico, la obra de Santiago Calori relata las decisiones y maneras de los distruibidores para programar películas, en el apogeo de los cines de Capital Federal, cuando las diferentes dictaduras y leyes se lo prohibían. Una serie de personajes como que relatan, en forma de anécdotas, las diversas trampas que realizaban para programar una película de terror o mostrar un poco de carne en las pantallas grandes. Viajes a Uruguay para ver películas, cambios increibles en los títulos de las mismas y demás avivadas que los dejaban al borde de quebrar las injustas leyes.

COLECTIVO 88. CABALLITO - SAN JUSTO.

Sábado 13 horas. El subte que no avanza y una Avenida Rivadavia repleta de autos. Gente corriendo porque llega tarde a ver la película. Así era el nivel de ansiedad para ver Love and Mercy.

Por decisión y presión del protagonista de la biopic, el film cuenta la historia de Brian Wilson, mente creativa de los Beach Boys, dividida en dos: los 60s (love) y los 80s (mercy). Esa diferencia también sirve para hablar de punto alto y bajo de la película.

La primera, con un increíble -como siempre- Paul Dano en la piel del Wilson creativo, narra los momentos en el que el músico cranea y le da forma a “Pet Sounds” y comienza a trabajar en su proyecto “Smile”. Estos momentos, sobre todo en el estudio, son extraordinarios. El detallismo de Brian, las locuras en la grabación, los problemas con sus hermanos y su padre, la poca estima sobre si mismo y el comienzo de la debacle de Wilson se muestran de manera perfecta.

En cambio, la segunda protagonizada por John Cusack no es, ni cerca, lo buena que es la anterior. Allí, se ve a un Brian Wilson totalmente acomplejado y manejado por un psiquiatra que le controla la vida. En medio de eso, aparece Melinda quien ¿se enamora? Del músico y lo ayuda a salir del control del doctor. Estas secuencias parecen malas comedias románticas y donde nada está muy claro, hasta parece hecho sin ganas.

Quizás no alcanza para ser un gran film y no está a la altura del genio de Brian Wilson pero los momentos sesentas y la presencia de la música original justifican a Love and Mercy. Una película con dos películas.

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Los clásicos restaurados del BAFICI ya son un clásico del festival y la cantidad de entradas vendidas para verlos le dan la razón a los programadores. Entre películas de Orson Wells, Carpenter o Tony Scott, se destacaba la proyección de “Hechizo del tiempo”, también conocida como El día de la marmota. Dirigida por Harold Renis, quien falleció hace poco más de año, la película es la comedia perfecta y se mantiene con el tiempo.  

El film cuenta la historia del periodista Phil Collins quien viaja a cubrir “El Día de la Marmota” en el pueblo Punxsutawney. Terminado el día de trabajo, Connors se duerme y, al despertarse, vuelve a vivir ese mismo día mientras que los demás lo hacen por primera vez y, así, todos los mañanas. Una película totalmente filosófica donde se discuten los límites, la vida, la muerte, los excesos y la libertad de hacer lo que te parece.

La obra también podría ser llamada “Bill Murray's show” ya que el actor, top 3 de mejores comediantes de los últimos tiempos, se devora -así como lo hace con la torta en quizás el mejor gag- la película.

En el público, mucha gente que vio “Hechizo del tiempo” por primera vez y otros tantos que volvieron a reírse con los mismos chistes que ya habían visto tiempo atrás, como lo hacía el protagonista día a día.

COLECTIVO 96, ALMAGRO - SAN JUSTO

Nathan Silver, director de la película, está parado en la Sala 10 del Village Recoleta y vestido como los personajes de su obra. Perdonen, su gran obra.

Ambientada en el principio de los 90s, Stinking Heaven, financiada por el mismo publico a través de una colecta online, es la historia de un grupo de ex adictos que forman una hermandad en la casa de uno de ellos con el fin de rehabilitarse. La partida de una de las mujeres provoca la ruptura de la tranquilidad y el comienzo de las rupturas en el grupo.

Stinking Heaven, algo así como Cielo Apestoso, es un conjunto de acertadas decisiones. • La más importante es la utilización de una antigua cámara que marca y representa, desde el vamos, la época en la que se sitúa. "Esas cámaras, que yo veía de chico en los noticieros, les quita el alma y muestra la mediocridad en las personas", comentó el director. • Otro acierto fue el elenco y sobretodo la capacidad de Silver, en su quinto film, para obtener interpretaciones justas para la narrativa. • La música es otro de los factores positivos que alimentan una historia perfectamente imperfecta y "demasiada humana", diría Nietzsche. Las canciones de la película, inspiradas por Charles Manson, acentúa esa naturalidad que tanto buscaba el realizador. • La aparición de la misma cámara utilizada para el rodaje como elemento dentro de la película y siendo manipulada por los personajes, también habla de una auto conciencia de Nathan -que ademas es jurado del festival-.

Todos estos aciertos hacen de Stinking Heaven, un relato formidable (con improvisación y nulo ensayo actoral) sobre la decadencia, crueldad y motivación de un grupo de personas en recuperación. "Quería que sea como estar en el infierno", cerró el director jugando con el titulo de su gran película.

Nadie es totalmente efectivo en el laburo. Muchos aprovechamos los momentos libres para escuchar música y hacernos las preguntas más estúpidas con el simple objetivo de distraernos de todo.

LUNES Canción: "Ain't That Easy" Artista: D'Angelo and The Vanguard Disco: Black Messiah Año: 2014 Preguntas: ¿Qué hizo D'Angelo todo este tiempo? ¿Estuvo con la familia? ¿Grabó miles de cosas que veremos cuando algun pariente no tenga más plata? ¿Habrá extrañado todo? ¿Le costó volver a la rutina? ¿Cómo hace? Si, ¿cómo hace? ¿De dónde saca tanto talento disco a disco? ¿Terminará alguna canción de estas en Aspen dentro de 20 años? ¿Tardará 15 años más? ¿Le gustará saber que mató mi aburrimiento de un primero de enero a la tarde/noche?

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MARTES Canción: "Asume que te falta calma" Artista: Guillermo Beresñak Disco: Mucha madera Año: 2014 Preguntas: ¿Por qué será que dos de los discos que más me gustaron en el viejo 2014 fueron producidos por Guillermo Beresñak? ¿Vive todo el día pensando en música? ¿Le gustará más producir, escribir, escuchar o crear? ¿Tiene tiempo para tirarse a dominguear? ¿Optará con experimentar como Le Microkosmos o se volcará al formato canción? ¿Por qué no con ambos? ¿Partirá hacia la locura con mucha madera? ¿Será esta última pregunta la más boluda del nuevo 2015?

<a href="http://guillermoberesnak.bandcamp.com/album/mucha-madera" data-mce-href="http://guillermoberesnak.bandcamp.com/album/mucha-madera">Mucha madera by Guillermo Beresñak</a>

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MIERCOLES Canción: "People Don't Change Blues" Artista: The Growlers Año: 2009 Preguntas: ¿Por qué me gusta The Growlers? ¿Por qué no tendría que gustarme The Growlers?

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JUEVES Canción: "Black Ballerina" Artista: Ariel Pink Año: 2014 Preguntas: ¿Que hará Ariel Pink en año nuevo? ¿Brindará con la familia o con amigos? ¿Se bajoneará tipo 6am pensando en lo que pasó? ¿Se aburrirá el día después? ¿Lo querrá la tía o lo tratará como un loco? ¿Está loco? ¿Cómo hizo este disco? ¿Cómo hace un disco histérico de sonidos? ¿Lo habrá escuchando en estos días de 2015? ¿A qué dedica su tiempo libre?

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¿Seis? ¿Ocho? ¿Diez ? Bueno, casi esa cantidad de veces escribí y borré todo. Tenía dos maneras de redactar sobre esto: mi vida a través de Pink Floyd o la vida de Pink Floyd. Dos grandes problemas aparecieron ya que a nadie le puede interesar mi vida y, segundo, a la de la banda ya la conocen todos. Intentemos juntar ambas.

Antes que nada, relacionar "vidas" con Pink Floyd es esperable ya que la banda tuvo, no sé, tres o cuatro distintas. Mi amigo Ale Tolosana escribió que existen cuatro clases de personas entre los que aman a Floyd: los fundamentalistas de Barrett, los experimentales, los conceptuales y los de Gilmour. Discrepo, hay uno solo tipo y va creciendo. Va viviendo.

* Mi vida con Pink Floyd arranca desde que aprendí a respirar. Mi papá se adelantó a las estimulaciones a bebés y me hacía escuchar la canción "The Thin Ice" donde un recién nacido llora. Mis viejos dicen que yo reía cada vez que pasaba eso. Yo que sé, les creo, son mis viejos. Después crecí. Después compré discos. Después conocí amigos. Después me enamoré. Después me desilucioné. Después lloré. Después viví. Y creanme, en todas esas circunstancias estuvo Pink Floyd.

* La vida de la banda es muy conocida. Cuatro universitarios se juntan. Syd Barrett, único artista de ellos, toma el mando y firman un contrato discográfico. Hacen un discazo, Syd descarrila, lo echan, llaman a Gilmour, empieza la experimentación, se cansan de hacer discos, la pegan con Dark Side of the Moon, Waters nuevo líder, se sobrepasa con eso de "ser el N°1", The Wall, se separan, Gilmour junta a la banda sin el bajista, hacen dos discos y se separan definitivamente. Bueno, definitivamente hasta ahora.

Ahora relacionemos las dos. Nacen y crean "The Piper at the gates of dawn". Son niños, son inocentes, son creativos, son puros, son ellos. Se va Syd Barrett y se quedan sin letrista, cantante y creativo. Lo que te pasa durante la niñez, influye en todo lo que pasará en el futuro. Experimental y sacan discos extrañisimos como "A Saucerful of Secrets", "Ummagumma" o Atom Heart Mother". Prueba y error. Chocan, aprenden, equivocan, aciertan, llora. Van creciendo a golpes. Dark Side of the Moon, Wish you were here, Animals y The Wall. Se recibieron, crecieron demasiado, se cansaron de pelear, llorar, equivocarse, chocar y acertar. Maduraron. The Final Cut, A Momentary Lapse of Reason y The Division Bell. Mayores, con obligaciones, menos búsqueda, más dolores de cabeza, menos niñez, menos inocencia, menos pureza, menos ellos.

Pensando en esta vida 2014 de Floyd.

NEW ALBUM RELEASE. Nunca imaginé que iba a piratear un disco nuevo de Pink Floyd. Tampoco quería porque no concibo la posibilidad de una nueva obra de ellos. ¿Por qué? Fácil, no hay "ellos". "Pink Floyd ha dejado de existir", podría haber dicho Liliana Ripoll. Es David Gilmour y un par de grabaciones viejas. ¡SACALOS EN UNA CAJA RECOPILATORIA, DEIVID, PERO NO DIGAS QUE ES UN NUEVO DISCO DE PINK FLOYD! Bueno, Doña Rosa sale de vez en cuando. ES UNA MIERDA. ¡Wow, mirenme, critico a Pink Floyd y escucho esta banda synth-folk-poop del oeste de Winconsin que lo grabó con un mp4 comprado en el Once de ellos! Por favor, ya lo hacía Johnny Rotten, cantante de la boyband Sex Pistols, hace ya casi 30 años. ¿SERÁ UNA MIERDA? Mis expectativas son poquísimas tirando a nulas. Si el disco es aceptable, me llevaré una sorpresa. Si no lo es, la desilusión será menor. Eso lo aprendí con los años. ¡DEIVID, QUERIDO, NO ME HAGAS ESTO Y VENÍ A TOCAR VOS! YA TENIAMOS UN FINAL. El último disco de Pink Floyd data de 1994. En un acto totalmente romántico y sabiendo que era el fin, las últimas palabras de la última canción ("High Hopes") son por siempre y para siempre. ¿Por qué me arruinás ese desenlace?

No, no escuché el disco. 

Las vidas terminan. Este Pink Floyd zombie no va conmigo.

No sé que será. Bajarse aplicaciones es mucho más barato, quizás. No, es feo minimizar así a la música electrónica cuando hay tantas cosas tan bellas dando vueltas. Tres de los discos más festejados en este 2014 conviven en un mundo robótico y buscan no sonar monótonos. Ellos son Todd Terje, Thom Yorke y SBTRKT ¿Lo logran?

Realizá un simple ejercicio. Investigá los charts. Hojeá los primeros puestos de las listas de las revistas. Metete en lo "mejor de..." en los sitios onlines. Ahora si, teniendo todos esos nombres, separá aquellos discos electrónicos de los que no lo son. Qué infima cantidad la del "no", ¿verdad?

Los resultados del ejercicio hablan de una realidad que es innegable. El avance, tan temido a principios de siglo, invadió una escena mayormente liderada por las guitarras. La famosa transisión post-brit pop y grunge hasta este indietrónico (?) momento.

Bien, ¿cómo hace la generación Souncloud para no sonar monótono? Experimenta como ya lo hizo cada uno de los géneros y, en dicha experimentación, emergen grandes proyectos e ideas. Este 2014 es un fiel reflejo de esto y tres de los discos más interesantes surgen de allí.

Thom Yorke, la mente tras Radiohead y Atoms for Peace y que siempre abrazó a la electrónica. Todd Terje, producto noruego. SBTRKT, proyecto inglés de Aaron Jerome. Los tres nombres propios de esta nota. Vayamos en orden.

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"Tomorrow's Modern Boxes", Thom Yorke (2014, independiente)

Un día nos despertamos y apareció, de la nada, el disco del cantante y compositor de Radiohead. Sumándose a la lista de discos sorpresivos -la cual incluye artistas como David Bowie y Beyonce-, Yorke habilitó el link para comprar el nuevo álbum a 6 dólares. En unas semanas, un millón de personas aplicaron el "shut up and take my money" y, otras tantas, lo descagaron ilegalmente. ¿Le molestará al cantante? No creo.

En minutos, teníamos a "Las cajas modernas del mañana" mientras Thom, cual tía en Facebook, seguía subiendo fotos indescriptibles e inentendibles a su cuenta de Twitter.

No, no es más de lo mismo. El disco es la exacerbación de ese "mismo". "Tomorrow's..." es una ratificación de todos los trabajos empíricos en la electrónica que viene haciendo el inglés desde hace casi dos décadas. A un oído entrenado, la escucha se le va a hacer más fácil. Te la regalo si no es así.

Yorke no es vanguardia. Si alguna vez lo fue, dejó de serlo y tampoco quiere serlo. Lo que hace ya se hizo, sólo que él lo hace con mejor producción y con un nombre que le permite realizar música sin perder nada.

Las melodías son inconfundibles y su voz genera sensaciones que ningun otro puede originar. Así, nos deja, aún en su lejanía con el concepto canción, construcciones increíbles como "Guess Again" pero no termina de cerrar un disco como su nombre promete. Una obra corta que termina siendo larga.

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"It's album time", Todd Terje (2014, Olsen Records)

"Estoy tocando con discos", decía DJ Deró mientras peleaba con Pappo y este lo mandaba a buscar un trabajo honesto. Nunca lo consiguió el muchacho de rulos y todavía anda por ahí. Norberto Napolitano estaba en la vereda opuesta a la electrónica y lo hacía notar cada vez que se lo preguntaban. El disco de Todd Terje no le hubiese gustado, ni un poco, al ex Riff. "It's Album Time" agrupa a toda la música electrónica alguna vez hecha en la hora que dura.

Todd Terje no es un pibe y tampoco un improvisado que llegó de la nada. Hace diez años que se mueve en la escena y ya colaboró con Franz Ferdinand y Bryan Ferry. Uno de los más seguidos y prolíferos, mas no soporiferos, personajes de la generación Soundcloud sorprendió a todos con un disco perfecto. Perfecto en su producción, idea y realización.

Escucharlo es recordar las viejas composiciones del italo disco comandado por Giorgio Moroder quien está en el puesto más alto de la retromanía gracias a Daft Punk. Además, nos hace pensar en cuánto le debe la música actual a David Byrne, aunque el mismo creativo de Talking Heads le debe también a otro y así sucesivamente.

Son 12 tracks que van en ascenso hasta que te encontrás moviendo los pies o bailando ridículamente. Sí, como Thom Yorke en todos sus últimos videos (?) El disco tiene formato de fiesta: arranca tímido, cómo estudiando el escenario, hasta que se descontra gracias a tragos o, en este caso, sintetizadores al palo.

Ritmos latinos, sonidos similes a videojuegos de SEGA, disco baby disco y pop espacial que se instala en el cerebro. Esto es lo que hizo Todd Terje y tu sistema neurológico estará feliz.

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"Wonder Where We Land", SBTRKT (2014, Young Turks)

Aaron Jerome, el alma de SBTRKT, está en su mejor momento y con su segundo disco "Wonder Where We Land" lo demuestra. Todos quieren colaborar con él y lo llaman para que los produzca.

Su primer disco había emocionado a Thom Yorke (si, el hilo conductor de esta nota), se juntaron para realizar remixes juntos y, así, salió el de "Lotus Flower", hermosa canción del último disco de Radiohead. Luego, Tomás, bajo el seudónimo Sisi BakBak, hizo lo mismo con temas de SBTRKT.

En cambio, este segundo disco lo mete, definitivamente, al inglés en el mainstream. Si tu primer corte es una canción con el cantante de Vampire Weekend es lo que buscás, hermano, y te defiendo espalda con espalda. Ojo, que su sonido Metro 95.1 no te aleje de este disco.

Otro síntoma de este acercamiento al público es alejarse de ese sonido cerrado y realizar una obra con matices de todo eso que entusiasta a Jerome. Desde el bastardeado dubstep hasta R&B y house y todo correctamente equilibrado. Esta diversidad cualquiera puede notarla al ver la talla de los invitados: el rapero A$AP Ferg, el talentoso productor Sampha, la cantante del grupo indie Warpaint y ya hablamos de Ezra Koenig, vocalista de Vampire Weekend.

Los puntos más fuertes de este disco pasan por "Temporary View" y "New Dorp. New York" que son canciones caóticas pero controladas y los puntos más bajos son aquellos en que el hip hop rompe la electrónica.

El disco no va sobre un eje como los dos antes mencionados. Son canciones totalmente separadas que SBTRKT juntó, solamente, para tener un disco más para poner en la discoteca, en el Spotify o iTunes.

"Wonder Where..." es fresco y complicado a la vez. Con canciones intrascendente y otras que son genialidades. King of Limbs, are you there?

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Maxi Rodriguez pateaba y el arquero holandés la tocaba pero no llegaba a sacarla. Gol de Argentina y pase a la final. Fiesta.

Flopa Lestani agarraba la guitarra, Manza Esain la acompañaba y Ariel Minimal la completaba. La mejor jugada del mejor equipo. Fiesta.

Dos o tres horas de diferencia entre alegrías. Una futbolística y otra musical. Pensándolo bien, era la misma alegría sólo que otorgada por diferentes personajes.

Flopa es Messi, Manza es Mascherano, Minimal es Romero. Todos fundamentales para que todo funcione. Son la maquina de hacer todo bien.

Un show atravesado por el partido de Argentina. Desde la llegada tarde de todos (ya que el recital se hizo en Ultra, a muy pocas cuadras del Obelisco), hasta ver a uno de mis compañeros hacer las veces de barrabrava agitadorr desde el paraavalanchas (provocando que todo el bar cante "Brasil decime que se siente"), pasando por las bromas de los cantantes ("¿Hubo partido hoy?", preguntó Minimal).

Repasaron gran parte del único disco editado que tiene el trio más algunas canciones de "La piedra en el aire" (Flopa-Minimal) y otras tantas de sus obras solistas.

Son tres animales. Animales del buen gusto, de la buena música, de la canción. Pueden ser queribles y desgarradores a la vez pero algo es innegable, te llegan al corazón, a la cabeza, a la memoria, a los sentidos.

Pensar que son sólo tres guitarras, tres voces, tres mentes. Sus canciones son ellos. Armónicos, simples, potentes, sentimentales, intensos, admirables. Tan así que hasta pueden resultar irreales e inalcanzables.

¿Cómo pueden tres cuerdas vocales estremecer a más de 100 personas? Fácil, cantanto los ya himnos "Sonajeros" y "Dejadez" en el cierre de una noche espectacular.