365 Liebklingslieder

Zu seinen Hochzeiten prägte mich das Berliner BPitch Label wie kein zweites und führte mich mit seinen abwechslungsreichen Stücken an verschiedenste Künstler und Interpretationen heran. Dieses Label hat sich alleine dadurch seinen Platz in meinem Herzen für immer gesichert. Und so verwundert es auch nicht, dass in der 30er Liste mitunter noch das ein oder andere Stück des Labels auftauchen wird. Den Auftakt dazu machen zwei “alte Hasen” im Geschäft. Label-Cheffin Ellen Allien remixt hier Posterboy Sascha Funke, beide hatten auch schon ihre Auftritte hier im Blog (Ellen hier und hier, Sascha dort). Das Stück eröffnete damals Ellen Alliens Zusammenstellung Remix Collection, auf welcher sie ihre bisherigen Lieblings-Remixe versammelt hatte, die sie in den Jahren zuvor angefertigt hat. Der Remix von “Forms And Shapes” ist großes Kino für die Ohren. Dem damaligen Zeitgeist frönend, beherrschen hier Frickel-Sounds, gebrochene Beats und hart gecuttete Samples das Bild. Trotzdem schaffen sie es, zusammen ein wohlklingendes Gesamtbild zu ergeben. Funkes poppiger Sound wird hier im Remix mittels Sound-Flächen und Abstraktion um eine tiefere Ebene erweitert, die das Stück offen und weiträumig klingen lässt. Gerade am Anfang ist es wundervoll vielschichtig, verträumt und verspielt. Vor meinem geistigen Auge fallen hier immer Schneeflocken vom nächtlichen Winterhimmel. Der Titel “Forms And Shapes” (übrgiens gesungen von Fritz Kalkbrenner) wird vom bloßen Namen zum klanglichem Leitbild des Tracks. Später kommt eine herrliche Acid-Line hinzu, welche der Verträumtheit des Stückes eigentlich entgegen steht. Und es damit wundervoll ergänzt. Der Remix ist schwer greifbar mit all seinen Ecken und Kanten, seine Forms and Shapes verweigern sich einer klaren Struktur. Und machen das Stück so zu einer tollen Entdeckungsreise, die immer wieder neu erkundet werden möchte. Intelligent Dance Music.

Können über 16 Millionen (!) Youtube Aufrufe irren? Auf der 27 liegt ein Track, an dem man 2012 schwer vorbei kam. Ich auch nicht. Zum ersten mal auf einer Party gehört, bin ich damals gleich zum DJ geflitzt, um den Urheber dieses Werkes ausfindig zu machen. Es war der mir damals noch unbekannte Act Disclosure (hatte ich hier schon mal in einem Remix von Jon Hopkins). Später wurde der Track dann sogar zu meinem Urlaubs-Song des Jahres, den ich auch noch heute mit den Kanaren verbinde, so oft habe ich den gehört. Noch hatte ich nicht geahnt, dass der frische Garage-House Sound der beiden jungen Engländer bald in aller Munde sein würde. Dass ich vom zweiten Album eher enttäuscht war, habe ich ja schon mal gesagt. So ist das eben manchmal mit diesen Hypes, sie kommen und gehen. Aber das soll schließlich nichts an der Qualität von “Latch” ändern. Ist der Hit einmal in Stein gemeißelt, dann bleibt er auch für immer ein Hit. Schuld daran ist der wahrlich leicht zu verdauende House-Beat mit seinen cheesigen Vocals von Sam Smith. Das ganze ist dabei so kitschig geraten, dass die Schwelle zum Pop spielend überschritten ist. Hat man sich damit aber abgefunden, ist der Ohrwurm für die nächsten Tage (Wochen?) gesaved. Mit Latch sinnt man sich für vier Minuten aus dem hier und jetzt in eine Welt weichgezeichneter Tagträume. Ein Bällebad aus Britpop, Romantik und Sommerfeeling. Solche Songs braucht die Welt schließlich auch. Besser wurden Disclosure nicht mehr, werden sie auch nicht mehr, geht auch gar nicht. Mit “Latch” ist ihnen schließlich nicht weniger als das “Wonderwall” des House geglückt.

Auch die nächste Nummer ist von einer alten Bekannten, die ich auch schon mit Ihrem Hit “Rancho Relaxo” im Programm hatte. Anja Schneider hat sich bereits seit den 90ern als Radiomoderatorin ihre Brötchen im Elektronischen Bereich verdient und hat vor nun gut acht Jahren ihr Album “Beyond The Valley” veröffentlicht. Aus der Ansammlung durchaus gelungener Minimal- und Tech-House Tracks stach dabei für mich “Maki” imposant hervor. Wie in vielen guten Nummern wird hier zunächst mit der Dramaturgie gespielt und ein verspielter Groove aufgebaut, um dem Track sein Grundgerüst zu geben. Durchaus komplex verschachteln sich Beat und Samples zu einem Gemisch, dass sich nach drei Minuten ungemein steigert und in einer grandiosen Piano-Line mündet. Diese degradiert alle anderen Sounds zu Statisten, die dazu dienen, dem Track seinen großen, monumentalen Moment zu verleihen. Erhaben und strahlend wird “Maki” dadurch, wie ein leuchtender Edelstein in bestem Licht. Zugleich besticht der Track durch seinen dunklen, fesselnden Touch, der aber stets nur mitschwingt und sich dem Hauptthema unterordnet. Richtig dick wird es dann noch, wenn die Strings dazu kommen. Hier ist der Track auf maximale Wirkung hin konzipiert und vermag es, diese auch nicht zu verfehlen. Gen Ende spielt Schneider weiter mit Breaks und den Spuren, um die Dramaturgie nochmals auf ein neues Hoch zu heben. Richtig gut. Im richtigen Moment die perfekte Clubwaffe.

Hier eine Nummer, die es damals sogar bis in die Top 10 der deutschen Charts geschafft hat und somit bei vielen Erinnerungen hervor rufen dürfte. “Beachball” vom deutschen Produzenten-Duo Nalin & Kane ist ein Stück aus den Zeiten von Viva und Loveparade als Elektronische Musik noch in Musikvideos, gedreht an irgendwelchen Stränden mit irgendwelchen halbnackten Körpern, im TV lief. Clubrotation lässt grüßen. Und trotzdem schaffte es “Beachball” diese Zeit zu überdauern. Dieser Track zwischen Trance und House ist wie ein perfekter Urlaub in akustischer Form. Treibend, tänzelnd, nicht inne haltend. Trotzdem auch ruhig, gelassen und voll gepackt mit Sonne. Was genau die House-Vocals hier singen ist vollkommen egal, es geht um das Gefühl, dass dieser Track auslöst. Wie die Erinnerung an vergangene Trips, von denen nur noch Schemen hängen geblieben sind. Angeln am Hafen, Eisessen zum Mittag, Rumcruisen im Mietauto und aus dem Fenster gucken. Verschwitzte Partys in mittelklassigen Promenaden-Discos, Bier das wie Wasser schmeckt, ordentlich Sonnenbrand, Urlaubsflirts und schäbige Unterkünfte. Der Track vermag es den Hörer zu entführen und erst nach dem letzten Ton wieder freizulassen. Zugegebenermaßen mit ordentlich Kitsch aufgeladen, aber das ist ja manchmal auch ganz nett. Vor allem, wenn es so charmant wie hier vollzogen ist. “Beachball” öffnet die erste Seite zum persönlichen Fotoalbum vergangener Zeiten. Und ist darum immer noch großartig.

Die letzten 30 Tracks sind gestartet und den Anfang vom Ende bestreiten die beiden Produzenten Christian Hilscher und Nico Plagemann alias Kollektiv Turmstrasse. Ein wahrlich epischer Tech-House Track, der noch immer durch seine Magie zu verzaubern weiß. Am Anfang noch sauber und aufgeräumt, beginnt der Track sich Stück für Stück auszuweiten und deepere Töne anzuschlagen. Spur um Spur ergänzt sich zu einer herrlich verschwurbelten Tanznummer, die auch so schon mehr als gut funktionieren würde. Hier aber wird noch eine ganze Menge Holz dazu aufgetragen, wenn die ausufernden Strings das Beatgerüst zerschneiden und sich später darüber legen. Der Track wird auf ein ganz neues Level gehievt. Techno, House, Trance, Klassik, alles in einem “Megawerk” vereint. “Holunderbaum” ist eine Nummer, die sich von Zeit und Trends loslöst und somit eben zeitlos bleiben wird. Gerade im elektronischen Bereich schaffen das nicht allzu viele Tracks. Umso größer ist dieser.

Bevor es nach der letzten Kunstpause in die letzten 30 Liedgüter geht, noch ein Track. Und der kommt vom Holländer nthng, den ich hier schon mal mal hatte. Ebenso wie um seine Produktionen, hüllt sich noch immer ein dichter Schleier um den Künstler und seine Identität. Umso schöner, dass man sich so voll auf seine ausufernden Tracks konzentrieren kann, wie hier bei “Soms”. Ein sehr gelungenes Stück Meta-Techno das mit seinen Flächen ans diesjährige Trance-Revival andockt, aber den Eskapismus dabei vollkommen außen vor lässt. Der pumpende Bass verkommt fast zum Grollen, die Melodien umgibt eine Lo-Fi-Haftigkeit in ihrem fast schon auseinanderzerrenden Klang. Ein Track zum in sich gehen. Meditative Züge liegen in dieser Musik, gleichzeitig erscheint sie nicht zu greifen. Abermals wird hier Musik zu Musik über Musik. Passt also auch zum Abschluss vor meinem Abschluss. 

So kurz vorm Finale lasse ich den Klassiker-Express einfach mal weiterrollen. Jimi Tenor ist ein finnischer Tausendsasser und in seinem Leben als Club-Musiker, Labelbetreiber, Designer und Saxophonist unterwegs. Demzufolge kann er auch auf eine beeindruckende Diskographie zurück blicken. Gleich auf seinem ersten Album befand sich dessen Hit “Take Me Baby”, an dem damals kein DJ vorbei kam. Ich habe ihn letztens auf einer Party im tiefsten Brandenburg während eines Sets wiedergehört und war gleich hingerissen. Dieser Groove aus Experiment und Ohrwurm ist unwahrscheinlich eingängig. Der Track klingt nach Disco, nach House, nach Darkwave, alles in einem Track. Ich kenne keinen ähnlich klingenden Track. 

Ich hatte es großspurig angekündigt. Als ich im Mai den Track “Turkish Bazar” von Emmanuel Top vorstellte, schrieb ich, dass diesem Track noch ein zweiter des Franzosen folgen sollte. Versprochen nicht gebrochen, hier sein wohl größter Klassiker “Acid Phase”. Und alle Raver so: “Yeah!”. Ein Tack, der einfach nicht alt werden will. Wer sein Techno-Set möglichst eindringlich abschließen möchte, wählt auch heute noch “Acid Phase”. Ein Reviewer auf discogs schrieb dazu treffend “minimal im Beat und der 303, maximal auf den Synths”. Recht hat er. Da hier einfach alles funktioniert, entwickelt der Track enorm große Wucht. Das Ding brettert einfach, dass die Arschbacken beben. Sollte es je einen dramatischen Weltuntergang durch die Vier Apokalyptischen Reiter geben, bringen sie sicher diesen Track mit. Auf extra großen Boxen. Wäre irgendwie geil.

Mal wieder etwas abseits der eingetrenen Techno-Pfade. Erlend Oye und Phonique bescheren uns hier mit einer kleinen Perle zwischen House, Pop und Electro. Erschienen ist das Stück im Rahmen der bekannten DJ-Kicks Reihe, für die der Norweger Elend Oye damals ein kleines Meisterwerk abgeliefert hatte. Angefüttert mit zahlreichen eigenen Tracks erschuf dieser ein wohlig-warmes Gesamtkunstwerk aus Pop- und Tanzsongs für Wohnzimmer, Boutiquen und Bars. Um diesen Mix kam man 2004 nicht herum. Schuld daran war unter anderem auch dieser Track. Sehr kurz geraten, aber dafür umso schöner. Als würde Erlend Oye in eine leere Halle hineinflüstern, besingt er einfach einen schönen Tag und erfüllt so unsere Herzen mit seinem positivistischem Klangbild. Da stört es gar nicht, dass der Song einfach nicht aus dem Kopf gehen will. Genau das richtige, um grauen November-Tagen zu entfliehen.

Eine späte Freude des Jahres ist das Kollaborations-Album von Kompakt-Mitgründer Michael Mayer (hatte ich bereits hier). Auf diesem versammelt er eine illustre Runde an Künstlern, mit denen er jeweils einen Track zusammen produzierte. Mein Highlight ist das auch als Single erschienene “Und Da Stehen Fremde Menschen” zusammen mit Techno-Innovator Barnt (und den hatte ich schon hier und hier). Ein sehr eigenwilliger Track, der zunächst durch seine mystische, dunkle und zurückhaltende Art besticht. Über mehrere Minuten lang wird in einem langsam wabernden Auf und Ab kontinuierlich eine sehr ergreifende Atmosphäre geschaffen. Feinfühlig werden hier die einzelnen Elemente dosiert. Fast schon verstörend (ich mag Verstörung) kommt dann das Vocal-Sample hinzu, das klingt, als wäre es gerade einem Arthouse-Klassiker entflohen. Hier spürt man Mayers Kompakt-Geschichte und Pop-Affinität. Das anschließende Glockenspiel schießt dann den Vogel ab. Alle Elemente haben sich in einem einmaligen Klangbild vereint, das irgendwo zwischen Hoffnung und Zweifel am Hörer und dessen Stimmung nagt. Ein sehr schönes Stück Autoren-Techno, so etwas gab es zuletzt viel zu selten.

Euphorie geht auch ein paar Takte ruhiger. So bewiesen vom Berliner Electro-Duo Märtini Brös (bestehend aus den DJs Mike Vamp & Clé) mit Flash. Ein Stück irgendwo zwischen Disco, House und Schlager. Den Flash dieses Stückes machen vor allem die eingängige Baseline und das gesprochene “Wir flashen jedes Weekend”, eine übrigens äußerst gelungene Form von Anglizismus. “Wir tun es couse we love it” - genial. Trotz der dem Stück innewohnenden Ruhe gelingt den beiden doch ein gewisser Drive, welcher in einem Klimax, unterstützt durch zackige HiHats, gipfelt. Das beste an diesem Track aber wohl seine quasi nicht vorhandene Ernsthaftigkeit. Keine Spur von aufgezungener Reduktion oder vermeintlicher Coolness. Und darum gerade trotzdem cool. So klingt “Flash” auch heute noch frisch. Kommt her und hört uns zu!

2006 brachten die beiden Schwergewichte Ellen Allien und Apparat ein Kollaborations-Album namens “Orchestra Of Bubbles” heraus, welches auch heute noch mehr als frisch klingt. So viel mir die Wahl des Vorzeige-Tracks von diesem Album auch recht schwer, eigentlich alle Album-Tracks wissen zu bestechen. Das Rennen machte dann schließlich der Opener “Turbo Dreams”, da er stellvertretend für das ganze Album steht. Die Stile beider Artists kommen hier sehr gut zur Geltung, nimmt man mal Apparats Gesang außen vor, den er übrigens erstmals auf dieser Platte eingesetzt hat. Von Ellen kommt der Bezug zur Tanzmusik, von Apparat die Verspieltheit. Zusammen ergibt sich ein einzigartiger Klang, der nur schwer in Worte zu fassen ist. Am ehesten gelingt dies dem Artwork mit seinen ineinandergreifenden, bunten Wolken. Ein tolles Stück von einem tollen Album. Wer es noch nicht gehört hat, sollte dies schnellstmöglich nachholen.

Lieber zu spät, als nie. Diesen Track habe ich erst ein geschlagenes Jahr später Dank Gregor Treshers (siehe hier) neuem Album “Quiet Distortion” mitbekommen, dabei kam er bereits als Single-Release ein ganzes Jahr früher heraus. Das ändert nichts an der Wucht, die “Goliath” entfacht. Man merkt es schon beim Namen, Tresher wusste genau, was er hier angerichtet hat. Recht einfach im Aufbau, ist der Track dennoch eine emotionale Reise in die höheren Herzfrequenz-Regionen. Auf der einen Seite hart und kompromisslos in Beat und Bass, auf der anderen euphorisch und gefühlsbetont in den Strings. Durch geschicktes Arrangement kombiniert, steckt der Track voller großen und kleinen Glücksmomenten. Die Breaks, welche die Strings mitnehmen, sind geradezu gigantisch in ihrem Pathos, Tresher spielt diesen Moment perfekt aus. Gut, dass der Track auch noch gehörig Spaß macht. Eine meiner späten akustischen Freuden des Jahres.

Es geht endlich wieder los! Ich habe mir mal so was wie eine “künstlerische Pause” gegönnt, in der ich “künstlerisch tätig” war (siehe hier) und nun bin ich motiviert wie ein notgeiler Hund, hier wieder weiter zu machen. Den Aufgalopp in die letzte Runde macht Oxia mit seinem Gassenhauer “Domino”. Wer sich jetzt denkt, den hatte ich doch schon mal, liegt nicht ganz falsch. Das Ding ist ein Cover von Patrick Chardronnets “Eye by Day” (zu finden hier). Ja, auch im Techno gibt es Cover. Der Track war eigentlich “nur” eine B-Seite und schickte sich an, bis heute Tanzflächen rund um die Welt zum Bersten zu bringen. Oxia interpretiert Chardronnets Track in eine sehr ravig-trancige Richtung. Der Fokus liegt auf der Hauptmelodie die sich zum hypnotischen Bass gesellt, den auch Chardronnet benutze. Durch die vielen Breaks ergibt sich ein ständiges Auf und Ab, wie in Wellen schleudert sich uns “Domino” mit seiner ergreifenden Wucht immer wieder entgegen. Ob es nun besser ist als das Original sei dahin gestellt, mich flasht der Track nach wie vor jedes mal.

Aufgepasst, jetzt wird es sehr sehr schön. Wer Tränen aufgrund wunderbarer und berührender ohrgastischer Momente scheut, sollte den folgenden Track des Norwegers Todd Terje lieber nicht hören. Alle anderen freuen sich über den besonderen Zauber von “Ragysh”. Eine Nummer, die sich im Spannungsfeld von House und Disco bewegt. So klingt “Ragysh” zu Beginn noch sehr oldschoolig, als würden gleich Kool & The Gang anfangen zu singen. Aber weit gefehlt, mit fortschreitender Dauer offenbart der Track mit seinen spacigen Sounds sein kosmisches Potenzial. Der Beat klingt sehr nach analogem Schlagzeug, fast wie live gespielt und steht so im Gegensatz zu den ergänzenden Synthie-Klängen. Aber gerade diese sind hier das Glutamat in der Suppe. Immer weiter baut sich der Track auf, um sich schließlich, unterfüttert von Piano-Sounds, in einem der schönsten Breaks mit anschließendem Klimax ever zu entladen. Hach wie schön ist doch die Welt bei solcher Musik. So viel Gefühl und Feinsinn wie Todd Terje muss man erstmal haben, um solche Musik zu schaffen. Das geht runter wie Öl. Der Rest ist dann feinster Disko-House, der darauf wartet, in den nächsten Track gemixt zu werden. Oder noch mal von vorne zu beginnen.

So, langsam wird es mal wieder Zeit, die Content-Maschine zu füttern. Angefangen mit einem der besten Festival-Momente des Jahres. Garbicz, Polen, Waldbühne. Ich schlendere mit Anne,  der wahren Urheberin dieses Projektes, über das Festival-Gelände (ja sie hat sich Techno getraut), als Danny Daze während seines Nachmittags-Sets auf einmal mächtig aufdreht und der Meute mit Alter Egos Klassiker Rocker kräftig einheizt. Wer “Why Not?” (das ich hier auch schon hatte) mochte, wird “Rocker” lieben. Knarzender Techno mit ordentlich Schubkraft unter der Düse. Der Track hat ordentlich Mukkis und ist mit einer Art Hook ausgestattet, die auch heute noch Festival-Crowds zum Ausrasten bringt. Diese wird zu Beginn erst kurz angeteasert, um den Track gegen Ende dann ausrasten zu lassen. Das ist es wohl, wenn man von gutgemeinter “Eskalation” spricht. Sehr hittig, sehr eingängig, sehr rockig. Ach ja, und der Track hat eine Cowbell! Schon alleine das ist großartig.

Herr Bodzin zum Dritten, bitte. Nach zweimaliger Präsenz als Produzent und Remixer hier im Blog, nun der dritte Streich. Mit seinem Album “Liebe Ist ...” begann Bodzin, seinen eigenen Stil zu manifestieren, sich einen komplett eigenen Sound zu schaffen und sich so auch langfristig zu etablieren. Auch ich habe das Album damals gefeiert, selten klang Techno so minimalistisch, bei gleichzeitig Mount-Everest-hohem Coolnessfaktor. “Luka-Leon” war mein Lieblingstrack des Albums und begeistert mein kleines Techno-Herz auch heute noch. Der Track geht nach ganz vorne auf die Tanzfläche, jedoch ohne sich durchdrängeln zu müssen. Eher tänzelt er, dank seines lässigen Grooves, geschmeidig an den anderen vorbei. Wenn er aber zum Break ausholt, packt Bodzin die Rave-Keule aus. Hier spielen die Filter verrückt und mit ihnen die Endorphine. Das ist einfach geil (muss man auch mal so sagen dürfen), damals wie heute. Bodzin verzaubert uns mit seinem Sound und nicht etwa einer intendierten Stimmung, die extra dafür geschaffen wurde. Daran erkennt man die Besten. Ein rauschhafter Track.