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Refik Anadol est un artist en design et media. Dans son tout dernier travail, Wind of Boston: Data Paintings, il s’intéresse aux mouvements invisibles et complexes du vent. Il collecte ces données sur le vent au alentour de l’aéroport Logan de Boston. Ensuite, avec ces informations, il crée des peintures abstraites sur toiles numériques.

Refik Anadol Studio a mis au point un logiciel qui consulte des données du vent prises sur une année (par l’aéroport de Boston), analyse, visualise la vitesse, l’intensité, la direction du vent mais aussi l’heure et la température de l’air.

Il en résulte quatre “chapitres”; chacun interprétant les données de manières différentes afin de créer des univers visuels uniques. 

Le programme est sur mesure et calibré précisément par rapport à l’écran LED haute définition afin d’obtenir contraste, mouvement et profondeur à l’intérieur de la toile numérique.

Refik rend visible la beauté imperceptible du vent en attribuant des couleurs, des teintes et des formes aux différentes caractéristiques du vents de Boston (chaud/froid, fort/doux, haut/bas etc.)

http://www.refikanadol.com/works/wind-of-boston-data-paintings/

William Betts s’intéresse à la vidéosurveillance, à l’intrusion dans la vie privé et à la réaction qu’ont les gens face à cela.

Il utilise les images des caméras CCTV enregistré dans les rues, les magasins, les plages comme base pour ces peintures. A l’aide d’un logiciel personnalisé, il déconstruit et traduit l’image. Il utilise ensuite une machine à commande numérique par calculateur (CNC machine) qui va “traduire” l’image de pixel en goutte de peinture acrylique. Le résultat ressemble à une image hautement pixelisée, un peu comme un tableau de Seurat fait par un robot.

Ce qui est intéressant dans son travail, c’est qu’il sort l’image de vidéosurveillance de son cadre en la transformant en peinture, mais sa peinture est une peinture mécanique et donc à nouveau contrôlé par la technologie. Il inclut d’ailleurs dans ces peintures les dates et heures indiquées par les caméras de surveillance.

On a là une démarche qui repose presque entièrement sur la technologie: l’image est prise par une caméra, puis convertie par un ordinateur et finalement peinte par une machine.

http://www.williambetts.com

En utilisant des données brutes réunies par la NASA, Michael Benson veut montrer les vraies formes et couleurs de l’espace. Les photographies prisent par les engeins de la NASA (New Horizons, Cassini, Voyager etc.) ne sont pas “réaliste” au yeux de l’homme, car elles sont prise pour des recherches scientifiques et sont donc remplis de données qui en réalité sont invisibles à l’oeil nu. Michael Benson fait un travail de retranscription en utilisant des images archivés qu’il considère comme des images en “false color” et rend à chaque planète sa vraie couleur. Ensuite il les imprime créant ainsi un paysage grand format. Il ne se considère pas comme étant un photographe, mais plutôt un traducteur, convertissant des éléments scientifiques en éléments artistiques.

Il part d’images “modifiées” et les modifient à son tour afin d’obtenir un résultat plus proche de la réalité. Il travaille à l’intersection de l’art et de la science. Son idée est simple, mais ça démarche artistique et autant pointue qu’une démarche scientifique. Il ramène ces images à une dimension humaine et propose une autre vision des planètes et de l’espace.

(Benson hopes the images convey a sense of wonder, and shows the role artists can play within a field typically dominated by scientists and astronomers. “[Astronomy] is about our position in the universe, and that doesn’t just belong to science,” he says. “I am making the case that this is art.”

tiré de “Here’s What Space Actually Looks Like to the Human Eye” écrit par Laura Mallonee)

http://michael-benson.net

Aura, Céleste Boursier-Mougenot, 2015

Aura est une installation de Céleste Boursier-Mougenot, présentée dans le cadre de l’exposition “La Vie Moderne” à la 13ème Biennale de Lyon. L’artiste français est connu pour ses installations musicales interactives comme From Here to Ear dans laquelle des oiseaux, en se déplaçant sur différents instruments, créent une curieuse composition sonore. Avec Aura, l’artiste s’intéresse à l’immatérialité de nos systèmes de communication: l’installation est composée d’une batterie que viennent percuter des noyaux de cerises, et cela au gré de signaux envoyés par un détecteur d’ondes électromagnétiques. Le spectateur interagit ainsi avec l’installation au travers des ondes émises par son téléphone portable.

Je me devais de présenter un artiste qui me tient particulièrement à cœur et qui est lui même photographe. Lucas Blalock, que j’ai eu l’occasion de découvrir récemment en lisant un livre.

Lucas Blalock est un artiste américain qui fait parti de cette nouvelle vague de photographes à succès. Au premier regard ce dernier nous offre des photos d’objets de la vie quotidienne qui vont de la râpe à fromage au pneus de voiture, mais en réalité en s’approchant de plus près on se rend très vite compte que ça va bien plus loin que ça.

Ces mêmes objets ont des formes intrigantes, des textures vives. En fait le spectateur ne sait plus ce qui est réel ou pas et c’est là que le travail de Blalock a une valeur particulièrement intéressante, à l’aide de l’outil Photoshop il va rendre visible des retouches. Au même titre qu’un peintre utilise son pinceau, Lucas Blalock va utiliser ces logiciels qui est maintenant partie intégrante de la pratique du photographe.  

En somme il veut nous pousser a regarder une image plus loin que son apparence, que sa première impression et à cesser de croire aux mensonges visuels de l’image.

Nonotak est un duo d’artistes Franco-Japonais pur produit de l’art contemporain, composé de Noemi Schipfer et Takami Nakamoto.

A l’aide de leurs installations mélangeant son et lumière, ces derniers vont littéralement dépasser la frontière entre le réel et l’imaginaire. Développement de leurs univers hypnotique et propice au rêve, permet d’envelopper le spectateur dans un monde troublent où formes géométriques mouvantes et métamorphose sonore cohabitent.

Nonotak c’est produit dans de nombreux endroits et notamment dans des festivals passant de New York à la Belgique.

Je trouve ces artistes particulièrement intéressant car ils traitent le domaine visuelle sonore et émotionnel. J’ai entendu plusieurs personnes et notamment ma mère qui s’est sentie totalement subjuguée, perdue, face à ces sculptures visuelles alternant éclat et impacte sonore.

Xavier Veilhan est un artiste Français qui travail essentiellement dans le domaine visuel.

Il réalise des sculptures high-tech, des peintures, des vidéos, ainsi que des installations.

Ces œuvres ont pour démarches de ressaisir le monde réel avec ces figures biologique et technique et de les rendre sous forme archétypes.  

Par conséquent les nouvelles technologies prennent une place importante dans le travail de Veilhan, elles lui permettent de remettre en question les modes de représentation d’éléments universelles.

« Hakanaï »

Cette oeuvre d’art a été créer par la compagnie Adrien M & Claire B. La compagnie, composée de deux artistes créer des formes allant du spectacle aux installations dans le champ des arts numériques et des arts vivants. Leur démarche place l’humain au centre des enjeux technologiques, et le corps au coeur des images, avec comme spécificité le développement sur-mesure de ses outils informatiques. Ils poursuivent la recherche d’un numérique vivant: mobile, artisanal, éphémère et sensible.

Cette œuvre d’art des 2 jeunes artistes est une performance. En résumé : une danseuse dans un cube d’images en mouvement.

C’est une chorégraphie qui dessine l’évanescence du rêve et l’impermanence des choses.

Dans la langue japonaise, Hakanaï définit ce qui est impermanent, fragile, évanescent, transitoire, entre le rêve et la réalité. Mot très ancien, il évoque une matière insaisissable associée à la condition humaine et à sa précarité, mais associée aussi à la nature. Il s’écrit en conjuguant deux éléments, celui qui désigne l’homme et celui qui désigne le songe. Ce collage symbolique est le point de départ de cette partition pour une danseuse rencontrant des images, faisant naître un espace situé à la frange de l’imaginaire et du réel. » - disaient Adrien M & Claire B.

Les images sont animées en direct, selon des modèles physiques de mouvement, au rythme d’une création sonore également interprétée en direct. Le spectacle est quadri-frontal, et à l’issue du temps de performance, l’installation est ouverte aux spectateurs.

Ce qui est très intéressant dans cette approche est le lien qu’il ont réussit à créer entre la danse , qui est l’art de mouvoir le corps humain dont les premiers pas datent de la préhistoire , et l’art numérique, qui est une technologie récente et actuelle. La musique, qui ressemble à de la musique ancestrale, se basant de la nature rajoute une dimension à la prestation et créer la cohésion entre la danseuse et les écrans qui l’entoure.