Ce projet utilise les intelligences artificielles pour entièrement créer une série de photographie. 

Cette série proposée par la réalisatrice malaisienne Tan Chui Mi questionne l’utilisation des IA dans la photographie, des droits d’auteurs que ceci implique mais aussi plus largement de la validité même des droits d’auteurs dans le monde photographique.  

J’ai choisi ce projet pour sa pertinence par rapport à notre époque où l'auteur est sans cesse questionné. Les technologies mises sur la table influencent énormément les produits des divers domaines créatifs, particulièrement celui de la photographie. La réalisatrice, à l’aide de cette nouvelle technologie remet en question des principes qui paraissaient fondamentaux jusque-là. En effet comme elle le soulève : Si une photo générée par une IA ne peut pas être considérée comme notre possession, en quoi une photographie est-elle réellement à nous ? On y capture un paysage que l’on n'a pas créé, avec un appareil que l’on n'a pas fabriqué. 

Elfoid est un petit robot anthropomorphe conçu pour faciliter l’échange entre 2 personnes au téléphone. Le célèbre Hiroshi Ishiguro est à l’origine de cette création qui a d’abord été présenté à travers un robot légèrement plus grand et plus fonctionnel : le Telenoid. 

Elfoid reproduit les gestes et les expressions de l’interlocuteur à l’autre bout de l’appareil dans le but d’humaniser l’échange et de mieux véhiculer les émotions destinées à être échangées.  

J’ai trouvé ce projet unique et ai beaucoup apprécié le sens du détail sur lequel ses inventeurs se sont penchés, En effet son revêtement est pensé pour être agréable au toucher et rappelle un être humain, ses mouvements doivent subtilement représenter les gestuelles de l’interlocuteur afin qu’il soit reconnaissable. 

Au téléphone, la voix est l’unique moyen de communiquer, cela pousse souvent à des incompréhensions de par le fait qu’une interaction entre deux personnes est difficilement réduite à leurs mots, elle est infiniment plus complexe et le langage corporel joue un grand rôle quant à la bonne transmission d’un message. La technologie proposée ici favorise ces relations lointaines en donnant le sentiment de présence humaines. 

Le projet Moon est le fruit d’une collaboration entre l’artiste Ai Weiwei et Olafur Eliasson. Moon est une œuvre visant à créer un environnement collaboratif en encourageant le spectateur à partager un dessin simple en noir et blanc laissant ainsi sa propre marque sur l’œuvre. 

Il est également possible de se balader sur cette lune et contempler les dessins ainsi que quelques informations qui leurs est liés. L’œuvre créé ainsi une toile infinie et partagée, accessible par n’importe qui sur la planète. 

J’ai choisi cette œuvre pour son côté communautaire, elle se sert de la technologie pour connecter des sentiments, des rêves et des opinions des 4 coins du monde. Le projet cultive, célèbre, facilite et partage des valeurs de masses qui sont parfois exclus, silencieuses ou simplement pas pris en compte.  

NEUTRALITÉ : CAN’T AND WON’T par Ying Gao

Étant passionnée par la mode, il était important pour moi de choisir une œuvre qui saurait combiner le design mode et la technologie, j’ai donc choisi un des projets de Ying Gao.

À travers ce projet, Ying Gao explore l'union entre la mode, l'interaction, le design et la technologie. Elle a développé deux robes qui ont la capacité d’interagir avec la présence du public. Les deux robes, « Can't » et « Won’t », sont inspirées par l’esthétisme et le mouvement de la vie microscopique. Grâce aux mouvements robotisés et aux jeux de lumière, une simulation de respiration peut être créée, ce qui offre un va-et-vient entre la réalité et le virtuel.

Lorsqu'une personne commence à s’agiter devant une des robes, celles-ci s’immobilisent, ce qui crée un paradoxe : la robe demande aux personnes d’être calme et dans la retenue pour que le mouvement reste actif. Ce concept permet de s’interroger sur l’hyper-expressivité de notre société.

En intégrant le spectateur comme partie intégrante d'un écosystème vivant, l'œuvre incarne ce qu'Edgar Morin décrit comme l'auto-organisation. Ce projet interpelle sur la nécessité d'humilité et de réflexion face à notre société axée sur l'expression constante.

lien du projet :

Nature codée par le studio Drift

Ce projet est une œuvre interactive qui présente un essaim d'étourneaux en temps réel sur des écrans vidéo, guidé par une caméra. Cette installation explore la relation entre les humains et la nature par le biais de la technologie.

L’installation répond au mouvement humain, qui représente la créativité inépuisable et le changement constant de la nature. L’œuvre remet en question la liberté humaine au sein des normes sociétales, ce projet met en lumière la nécessité de l'interaction collective. Les comportements qui paraissent libres de l'essaim sont en réalité contraints à des règles, notamment des instincts de survie. Ce projet offre une réflexion sur l'équilibre entre la liberté individuelle et le contrôle collectif.

Cette œuvre ouvre le débat en confrontant la réalité de la liberté individuelle versus la nécessité du fonctionnement collectif et également met en lumière les similitudes comportementales entre les essaims et le comportement humaine. La comparaison directe entre comportements humains et regroupements d'oiseaux simplifie la complexité humaine, même si ce projet interroge plutôt la dynamique de groupe. L’œuvre encourage à réflexion sur l'interaction entre l’individu et le groupe et intègre l'intelligence artificielle et la biologie, pour proposer une expérience artistique et technique innovante.

J’ai choisi ce projet, car je trouve que la question de la liberté individuelle est un sujet vraiment récurrent et il me paraissait pertinent de voir les impacts de cette liberté.

lien du projet :

We are narcisses de Bertrand Lanthiez et Chloe Curé.

Ce projet explore le thème de la beauté, en s’inspirant du conte de blanche neige et de ce fameux miroir, en particulier celui de la méchante reine qui attendait du miroir une image qui correspond à ses désirs. Les créateurs ont cherché à découvrir une réponse plus personnelle. Le conte les a inspirés à créer un miroir interactif qui, au lieu de refléter son image, serait capable de réagir aux personnes qui le regardent. 

Sur le plan technologique, l'utilisation innovante de l'eau et du son crée un environnement interactif captivant. Leur objectif était d’éviter de simuler les ondes de l’eau numériquement, ils ont donc exploité physiquement le son pour déformer l'eau, changeant un miroir ordinaire en une interface sensorielle.

Ce projet a un impact significatif sur la société, il met en question la perception sociétal de la beauté.  En s'éloignant du simple reflet de nous-même, il invite les individus à une introspection personnelle. L’expérience stimule des discussions autour des normes de beauté et de l'estime de soi, ce qui remet en question les attentes habituelles imposées par la société. Ce mélange entre art, technologie et réflexion sociale redéfinit la façon dont nous interagissons avec les médias et notre image. Cela nous pousse à réfléchir sur la perception de la beauté et de l'identité individuelle au sein de notre société.

We are narcisses

François Vogel est un artiste réputé qui explore la vidéo et les effets spéciaux comme moyens d'expression. Ses travaux sont caractérisés par une combinaison de précision technique et de créativité, tout en se montrant ouvert à explorer de nouveaux concepts et approches..

Ce court métrage : “Fausse Route” est je trouve un des exemples le décrivant le plus en tant qu'artiste. D'apparence simple, il va peu à peu nous perdre en changeant de points de vue, utilisant des déformations différentes ou en allant à l’extrême en démultipliant les plans. Il joue aussi beaucoup avec la déformation du temps, passant presque normalement, faisant des arrêts sur image et accélérant très rapidement.

Pelle Cass est un photographe et artiste bostonien connu pour son travail de manipulations de foules. Il s’intéresse à la façon dont les gens se déplacent et interagissent dans des espaces publics, et il utilise la photographie pour créer des images qui déforment et fragmentent les masses de personnes.

Je trouve le rapport au temps dans son travail “Crowded Fields” particulièrement intéressant, son travail offre une approche singulière et esthétique des foules, évitant la subjectivité et privilégiant une observation détachée. Sa prise de vue virtuose permet d'analyser ces énormes masses de personnes de manière unique, sans émotion, créant ainsi une vision neutre et distanciée de ce monde en perpétuel mouvement qu’est le sport et la foule liée a celui-ci.

C'est ce concept qui m’a particulièrement interpellé dans son travail, le rapport entre les sujets, le temps et le lieu, et le fait qu'au même endroit, il y a une énorme multitude de choses qui se passent, mais qu’on ne verra peut-être jamais. Et je trouve intéressant justement la réussite de l’artiste de nous montrer tout ce qui se passe à un même endroit dans des temps différents.