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Gloria (Poulenc) - Lisboa, 23/janeiro/2026

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O Gloria, FP 177, de Francis Poulenc, é uma das obras sacras mais celebradas do compositor francês e ocupa lugar de destaque no repertório coral-sinfônico do século XX. Escrita para soprano solista, grande coro e orquestra, a obra apresenta uma leitura profundamente pessoal e moderna do tradicional texto do Gloria da missa, combinando solenidade litúrgica, ironia discreta, lirismo intenso e momentos de exuberante vitalidade rítmica. Uma síntese exemplar da maturidade artística de Poulenc.

Poulenc relatou, com seu conhecido humor, que o movimento Laudamus te foi inspirado pela visão de monges beneditinos jogando futebol, uma imagem que ajuda a compreender o caráter ao mesmo tempo sagrado e inesperadamente lúdico da obra. A partitura foi concluída em 1960.

Estruturalmente, o Gloria é dividido em seis movimentos contrastantes. Desde o início, Poulenc estabelece um universo sonoro marcante, com fanfarras de metais que evocam solenidade e, ao mesmo tempo, revelam afinidades com a linguagem neoclássica de Stravinsky. Ao longo da obra, há um jogo recorrente entre modos maiores e menores, especialmente a tensão entre Sol maior e Si menor, criando uma ambiguidade harmônica que atravessa toda a composição. Movimentos de caráter jubiloso e quase dançante alternam-se com seções introspectivas e misteriosas, nas quais o soprano solista assume um papel expressivo central. A escrita vocal do coro é frequentemente rítmica e incisiva, por vezes deliberadamente anti-natural na acentuação do texto, algo que críticos já descreveram como “perverso”, mas que contribui para a identidade singular da obra.

O uso da orquestra é igualmente refinado: madeiras e metais desempenham papel essencial na definição do colorido tímbrico, enquanto cordas sustentam linhas motoras ou criam atmosferas de recolhimento. O movimento final retoma temas do início da obra, culminando em um grandioso Amen no qual o soprano e o coro se unem sobre uma sobreposição harmônica que reconcilia as tensões tonais anteriores, conferindo à conclusão um caráter ao mesmo tempo triunfal e contemplativo.

A estreia do Gloria ocorreu em 1961, em Boston com a presença de Poulenc. Desde então, o Gloria consolidou-se como uma referência do repertório coral moderno.

Concerto for organ, timpani and strings by Francis Poulenc is not a typical baroque-sounding piece, even though it might sound like it at first. It’s actually a game-changer from the 20th century. Some context It was written in 1938. Poulenc (1899-1963) was a French composer, part of that quirky crew Les Six – modern, ironic, anti-Romantic. He usually wrote playful pieces, but for this piece he…

La Voix Humaine (Francis Poulenc) - Porto Alegre/RS, 30/setembro/2025

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A soprano Elisa Machado interpreta a mulher enclausurada em suas próprias angústias e dores, no papel que é considerado por muitos um dos maiores “tour de force” do canto lírico feminino, já que estamos falando de uma ópera em que a artista divide o palco apenas com a orquestra, sem contar com o apoio de nenhum outro solista ou de um grupo coral.

La Voix Humaine (1958) de Francis Poulenc é um famoso monólogo operático, em que uma mulher atraiçoada fala pela última vez ao telefone com o seu amante, tentando reverter o seu drama sentimental.

“Um quarto, uma personagem, o amor, e o acessório banal das peças modernas, o telefone”. É assim que Jean Cocteau descreve o ponto de partida da sua peça em um ato, escrita em 1927, La voix humaine. A voz humana é de uma mulher sem nome, Elle (ela), que expõe a intimidade e o drama do último contato telefônico com o seu amante que terminou a relação. A personagem é, nas palavras do autor, uma anónima “vítima medíocre, completamente apaixonada, que tenta uma única astúcia: estender a mão ao homem para que ele confesse a sua mentira, para que não lhe deixe uma recordação mesquinha”.

Jean Cocteau a chamou de mono-diálogo, porque aquilo a que o espectador assiste não é um monólogo, embora esteja uma única personagem em palco. Existe um diálogo em que a outra personagem principal está do outro lado da linha. Não se ouve a sua voz, mas podemos adivinhar o sentido das suas palavras.

Na partitura, Poulenc estabelece a grande maioria das intenções do texto. A sua música, sobre a prosa de Cocteau, cria uma alternância entre o coloquial e o poético. As mudanças de andamento e de textura acompanham as alterações de humor e as reações da protagonista. As harmonias quentes e a orquestração sensual de Poulenc estão guardadas para os momentos mais líricos, de desabafos ou de recordação de tempos felizes. A linha vocal segue as palavras do texto, mais métrica e silábica nas passagens mais prosaicas, mais melódica nas mais intensas.

A sonoridade do telefone, elemento essencial, “por vezes mais perigoso do que o revólver” (J. Cocteau), é dada pelo xilofone. Os cortes na linha que ocorrem frequentemente (o sistema telefónico francês dos anos vinte tinha ainda muitas falhas) e que perturbam um já por si difícil e doloroso diálogo, e deixam a personagem cada vez mais tensa e ansiosa, são dados por pancadas de arco (col legno) nas cordas dos violinos. O discurso é desconcertante, com longas passagens a cappella. A música corresponde à obsessão da personagem e é construída com a repetição de sequências melódicas. Os fragmentos não se encaminham para lado nenhum e aliados às alterações de tonalidade colocam a personagem num beco sem saída. À medida que a separação vai se tornando mais concreta, a fragmentação diminui e a linha melódica vai ficando mais consoladora. O momento da ruptura é uma verdadeira expressão operática.

Sinopse A cortina se abre para revelar um quarto onde uma mulher (Elle) está deitada imóvel no chão. Ela muda de posição uma vez antes de finalmente se levantar. Embora ela faça menção de sair da sala, o telefone toca e ela volta para atender. A mulher recebe dois números errados antes que seu ex-amante consiga falar com ela. Ela mente para ele, dizendo que saiu com sua amiga Marthe na noite anterior, e que tomou um comprimido para ajudá-la a adormecer quando voltasse. O casal discute seu relacionamento anterior, e Elle se culpa por seus problemas, alegando, “Tout est ma faute.”   Durante a conversa, eles experimentaram vários problemas de telefone e sua conexão finalmente foi cortada completamente. Quando Elle liga para o telefone residencial de seu amante, ela descobre que ele não está lá e presume que esteja em um restaurante. Ele a chama de volta, e Elle revela que ela mentiu durante a conversa; em vez de sair com Marthe na noite anterior, ela tomou doze pílulas para dormir em uma tentativa de suicídio. Ela então ligou para Marthe, que chegou com um médico para salvá-la. Elle de repente ouve música ao fundo e começa a suspeitar que seu amante está na casa de sua nova namorada. Ela expressa suas suspeitas a ele várias vezes até o final da ópera, mas ele nunca admite sua verdadeira localização. Elle também revela sua obsessão com o telefone, explicando que ela dormiu com ele em sua cama nas últimas duas noites. A conexão falha mais uma vez e Elle entra em pânico. Seu amante liga para ela mais uma vez, e ela o informa que agora tem o fio do telefone enrolado em seu pescoço. Dizendo-lhe que o ama continuamente, ela afunda na cama e deixa cair o fone, possivelmente estrangulando-se com o fio no processo.

Poulenc - Sonata for 2 Clarinets (1918)

There is a notable change with some composers of the early 20th century between their more wild "Modernist" statements and their later more refined styles. No surprise that the confidence that comes with being an older teenager / young adult can create this desire to shock an audience with something unexpected. I can only imagine how electrifying it must have been for young composers who first heard Stravinsky's Rite of Spring in Paris and be shocked by new possibilities that hadn't been utilized before. This piece by Poulenc, written when he was 19, isn't a major work or anything, but it does show Stravinsky's influence in the aftermath of the Rite. The opening is dancelike with slight dissonances grinding against each other and moments where the clarinets start playing in different time signatures. Combined with tuplets, chromaticism, and unexpected intervals, we get the kind of dry and artificial sound that Stravinsky created, not just with the Rite but his other famous ballet Petrushka. I can't help but hear the same faux Calliope, The middle movement feels to me like a lullaby that the Bb clarinet "sings" while the A clarinet plays a rocking ostinato. The last movement is lighter and fun with the musical lines bouncing off of each other with flashy and impressive flourishes. The opening pattern slows in the coda as if to drift off, only to be interrupted by a rapid and loud finish, constantly winking at us with lighthearted sarcasm. Interesting musical ideas without taking itself too seriously. The full sonata is less than 7 minutes long, which also betrays the influence of Debussy who brought back the more baroque idea of the sonata, which is more brisk than the then expected Sonata genre of late Romanticism with its heavy handedness of structural complexity developing over a longer period of time. This Poulenc sonata is charming and fun and shows how even early on he was interested in a more detached aesthetic of music for its own sake.

Movements:

Presto

Andante