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© Ray Metzker

« Notes de lumière » de Ray.k.Metzker

Ray.K.Metzker (né en 1931 dans le Milwaukee) illustre à merveille ce qu’est la photographie au sens étymologique du terme : « photos – graphein » en grec, soit « peindre avec la lumière ». Ce virtuose de l’ombre et de la lumière a exploré toutes les facettes de ce soleil qui éclaire les angles et les hommes et qui produit le contrepoint exact de la lumière, l’obscur. Avec un sens du cadrage et du découpage de l’image que ne renieraient pas ses mentors de l’Institute od Design de Chicago, Harry Callahan et Aaron Siskind, le photographe américain a sillonné dans les années 50 les rues de Chicago et de Philadelphie puis celles du monde entier. Tel un chasseur, il n’a eu de cesse de surprendre ces silhouettes qui jaillissent de la pénombre, de capturer les cassures architecturales et spectrales du décor urbain et le jeu des ombres et des reflets sur les façades transformées en autant de tableaux étranges. Sa maîtrise du noir et blanc, son expertise en matière de tirage photo et son sens du rythme hérité de sa passion pour la musique, nous donnent des compositions magnifiquement sublimées par la bichromie. Même sa veine expérimentale faite de collages et de montages offre des tableaux très graphiques, déroutants et intrigants.

« Notes de lumière » regroupe en 270 pages près de cinquante années de production artistique avec ses différents travaux sur le clair-obscur, sa fascination pour les silhouettes crépusculaires et le cisèlement architectural produit par la lumière. Les collages et autres impromptus, autant de notes de lumière qui par petites touches et par grandes rasades de lumière, nous montrent un regard aiguisé, inventif, le sien. Ce chercheur de l’ombre, ce sculpteur de l’image et cet amoureux de la pénombre, s’est aventuré dans bien des domaines (négatifs superposés, compositions expérimentales, photomontage, solarisation, design) à contre-courant des styles et des modes de l’époque (photo couleur, photo reportage) mais en restant toujours une référence en matière de photographie outre-Atlantique.

Passionné par la lumière et ce qu’elle génère, il finira par s’installer au Nouveau Mexique où il enseignera la photo dans les années 70 avant de rejoindre la Grèce et l’Italie dans les années 80. Ses derniers travaux comme « Dordogne, France » publié en 1989 suggèrent une photographie moins intransigeante sur les contrastes et moins habitée par cet éclairage absolu qu’il semble avoir cherché à capter quasiment toute sa vie. Il s’est éteint en octobre 2014. « Notes de lumière » édité par Steidl fait aujourd’hui figure de « classique » dans l’histoire de la photographie américaine mais on reste encore frappé par la puissante modernité et l’inventivité de sa production picturale.

 « Notes de lumières », Ray.K.Metzker, édité par Steidl, 270 pages, paru en 2008. Cote : PHOTO 2 METZ

« Exposition, Washington, d.c., National gallery of art, Harry Callahan », édité par Little, Brown and Company, paru en 1996. COTE : PHOTO 2 CALL

« Harry Callahan : retrospektive », édité par Kehrer, paru en 2013. COTE : PHOTO 2 CALL

« Harry Callahan french archives : Aix-en-provence 1957-1958 », édité par Actes Sud, paru en 2016. COTE : PHOTO 2 CALL

Eikoh Hosoe Man and woman #20 (1960) • Crédits : Eikoh Hosoe

Focus sur la photographie japonaise à la Médiathèque Rostand (partie 1)

Peut-on parler de photographie « japonaise » ? Oui parce que le pays du soleil levant dispose d’une véritable culture de la photographie comme en témoigne le nombre de grands photographes reconnus à un niveau international pour la qualité de leur production. Autre argument qui plaide en faveur de la photographie insulaire, le style de certains des plus grands maîtres qui a souvent engendré de véritables courants artistiques et inspiré les nouvelles générations de photographes à l’échelle planétaire. Historiquement, le Japon a découvert plutôt tardivement la photographie avant de rattraper allègrement son retard.

Comme toute île, la nouveauté ne pouvait que venir de la mer, sous la forme d’un navire hollandais qui accosta à Nagasaki en 1848 avec une caméra pour daguerréotype, une commande pour un certain Ueno Toshinojo. Il faudra attendre près de dix ans pour que la première image soit prise par le nouveau propriétaire de l’appareil, Ichiki Shiro. C’est à cette même période que des traités commerciaux sont signés avec les puissances occidentales (« Kaikoku »), des accords qui permettent l’importation et la diffusion du matériel photographique. Nous sommes alors en pleine ère Meiji, des studios de photo naissent, des photographes professionnels œuvrent à l’image d’Ushida Kuichi qui fournira le portrait officiel de l’empereur Meiji (une photographie « Goshin’ei », soit littéralement « vrai portrait »). Le collodion humide, utilisé majoritairement comme procédé de tirage, limite alors le nombre de pratiquants du fait de son coût élevé.

En 1864, Ryù Shima devient la première femme photographe japonaise, la pratique s’étend alors au monde amateur du fait de l’importation massive de plaques sèches à la gélatine et d’appareils de petites tailles peu onéreux. Les cartes postales illustrées par des spécialistes de l’estampe font alors fureur au Japon et en Europe. La première moitié du XXe siècle correspond à l’ère du pictorialisme (« Geijutsushashin ») avec la création de nombreux clubs et fondations dédiés à la photographie suivi de divers courants graphiques comme celui dit de la nouvelle photographie dans les années 20 (« Shinkôshashin », influence constructiviste) puis celui dit du photojournalisme (« Hodo-shashin ») après la 2e guerre mondiale avec des figures de proue comme Ken Domon (1909 – 1990), Yonosuke Natori (1910 – 1962) et Ihei Kimura (1901 – 1974).

Après la reddition du Japon en 1945, les mouvements d’avant-garde, le pictorialisme et le surréalisme disparaissent pour laisser place à une photographie documentaire et sociale qui interroge une société meurtrie et traumatisée. Dans les années 1970, de grands photographes s’imposent sur la scène internationale comme Eiko Hosoe, Shinzo Maeda, Naoya Hatakeyama, Hiroshi Sugimoto, Shomei Tomatsu, Daido Moriyama et Nobuyoshi Araki. Ces artistes se jouent du style académique et du carcan des conventions sociales et traditionnelles pour produire des images fortes, sans tabou, stylisées et puissantes qui racontent un autre Japon, loin des clichés habituels.

© Leonard Freed

« Worldview » de Leonard Freed

Leonard Freed est né à Brooklyn en 1929 dans la communauté juive hassidique new-yorkaise. Brooklyn, quartier emblématique de New-York où se côtoient juifs et noirs de condition modeste, on y reviendra… Le jeune Leonard découvre la photo par le biais d’un livre de Cartier-Bresson dans une librairie de quartier. C’est une vraie révélation pour cet amateur de peinture. Il commence à prendre des photos de sa communauté avec sa singularité, ses rituels religieux et son folklore. « Brooklyn, c’est là que je suis né et là que j’ai été élevé. La danse du mariage hassidique est l’une des premières photographies que j’ai faites. Ce que je sais maintenant de la photographie, je le savais alors. Je ne pense pas en termes de progrès. Mais à la relation d’une photographie à une autre, à ma vie entière, à la dernière photo que je ferai » rapporte-t-il dans « Worldview », un remarquable livre de photos qui englobe l’ensemble de son œuvre. Puis il sillonne les autres quartiers et les artères de la ville, surtout Harlem et Wall Street, pour sentir les pulsations de la mégapole. Freed élargit alors de plus en plus son cercle d’attraction, il file à Amsterdam où il vivra un peu de bric et de broc en tant que photographe indépendant avant de rejoindre Rotterdam, Bruxelles, Florence, Leipzig et enfin Munich et Berlin où il pourra enfin voir ces allemands qui l’intriguent et l’inquiètent aussi. « Les Allemands me posaient un problème donc j’ai fait un reportage » indique celui qui considère également la photographie comme une thérapie, L’Europe d’après-guerre est alors son grand terrain de jeu où il affine encore son regard pointu.

Freed photographie, beaucoup, il est partisan de « l’image honnête » : aucune mise en scène, aucun recadrage et aucune manipulation chromatique. L’image est restituée telle quelle. Brute, directe, véritable. En 1954, après tant de voyages à l’étranger, il revient à New-York et décide de se former auprès du directeur artistique du magazine Harper’s Bazzar, Alexeï Brodovitch. Toujours en quête de l’image parfaite… Et pourtant, les premières photos de Freed, celles de New-York ou même celles de son périple européen que l’on peut admirer dans « Worldview », démontrent que le photographe s’est forgé très tôt un style, une patte. Il y a un style Freed assurément. Est-ce la manière, la sienne, de voir le monde d’aussi près, à hauteur d’homme justement ? Est-ce cette façon de cadrer la lumière et l’ombre pour que le mélange de la nuit et du jour se complète comme un jeu harmonieux de miroir et de contraste ? Ou encore cette sorte de vérité qui transparait dans ses images ? À moins que cette esthétique du photojournalisme qui habite ses compositions soit le véritable secret de ses images si frappantes… Il se peut que ce soit simplement toutes ces qualités réunies qui ont fait de Leonard Freed, un des plus grands photographes d’actualité de son temps, celui-là même qui a illustré les unes prestigieuses de Life, de Der Spiegel, de Stern, de Die Zeit, de Look ou encore de Paris-Match.

« Le photojournalisme doit être spécifique. Il exige des photographies factuelles. Au fond, je pense qu’il y a des photographies qui véhiculent de l’information et des photographies qui véhiculent de l’émotion. Je ne fais pas des photographies d’information. Je ne suis pas journaliste, je suis auteur. Je ne suis pas intéressé par les faits. Je veux montrer l’atmosphère. Mes photographies ont une force de vérité, vous pouvez les croire par ce que j’ai vu et j’ai photographié » expliquait Freed dans l’ouvrage qui lui est consacré. Il prendra un soin maniaque à parfaitement légender ses photos pour se rapprocher encore plus de cette vérité qu’il traque.

Même si Freed a été très vite repéré par les grandes agences de photojournalistes (il sera recruté finalement par Magnum en 1972), le photographe restera fidèle à sa démarche jusqu’à la fin de sa vie : pas de concession. Il faut dire que Leonard ne se considère pas comme un collecteur d’images d’actualité lambda mais bien comme un artiste avec toute la latitude et la liberté de création que cela induit. « Cela va être une lutte difficile pour se faire un nom dans l’art mais je ferai de l’art » confiait-il dans son journal. Il a parcouru le monde avec son Leica pour le compte de grands magazines (Guerre de six jours, Afrique du nord, Turquie, Italie, Japon, Belgique, Berlin Est, Israël, Brésil) mais le reportage qui le fera connaitre du monde entier reste celui consacré au mouvement des droits civiques des Noirs aux USA sous la houlette de Martin Luther King en 1964. Un livre « Black in White America » verra le jour dans la foulée (1968), un ouvrage qui fera du bruit lors de sa parution. Voilà effectivement une communauté confrontée à la ségrégation et à la violence tout comme les juifs le furent en Europe, une communauté qu’il a côtoyée à Brooklyn et qu’il défend par le biais de ses images. 

Récompensé par le New-York State Grant for the Arts (1978) puis le prestigieux National Endowment for the Arts (1980), il a exposé dans le monde entier, Freed s’est éteint en 2006 laissant en héritage ses clichés, ses combats contre l’injustice et près d’un million de photos archivées.

« Worldview » de Leonard Freed.

Disponible au Fonds Photo, Cote : Photo 2 FREE

© Erwin Olaf

« I AM » d’Erwin Olaf

Remarquable, puissant, baroque, provocateur, esthétisant, précis, étrange, décalé, les adjectifs se bousculent lorsque l’on parcourt l’incroyable « I AM » du photographe hollandais, un livre qui résume les quatre décennies de la brillante carrière de l’artiste qui fête son soixantième anniversaire. Superbement édité par la maison d’édition hollandaise Hannibal, l’ouvrage revient sur ses différentes périodes picturales agrémentées de commentaires éclairants de l’auteur qui permettent de mieux saisir sa démarche qui dépasse la simple photo de genre.  

Tout commence à Utrecht, Erwin Olaf étudie le journalisme avant de se lancer dans la photographie de mode et la publicité. « Ce que j’ai retenu du journalisme, c’est mon intérêt pour la vie des autres. La photographie m’as permis d’entrer dans un monde qui n’était pas le mien. Je pouvais me cacher derrière l’appareil mais aussi prendre part à ce que je voyais » explique-t-il. À la fin des années 70, il s’immerge dans le milieu de la nuit amstellodamoise tout en assumant son homosexualité.

Bientôt, un projet artistique nait autour du thème de la normalité qu’il illustre en croquant la faune des nightclubbers et des célébrités qu’il croise. La série « Chessmen » (1987 – 1988) sur le jeu d’échecs comme symbole de pouvoir illustré par une galerie de personnages subversifs et décalés, lance véritablement l’artiste d’autant qu’il obtiendra pour ces mêmes travaux le premier prix du concours “Young european photographer”. Dans la foulée, il sera exposé au Musée Ludwig à Cologne (Allemagne). Il faut dire qu’Erwin Olaf a su imposer au fil du temps, un style, une touche personnelle et un imaginaire qui lui est propre. Ses travaux jouent énormément sur la lumière, le clair-obscur, le velouté de sa palette chromatique et son rendu froid et parfait qui fait irrésistiblement penser…à la peinture hollandaise et à Vermeer en particulier à qui il rendra d’ailleurs hommage dans la série « Johannes Vermeer Prijs » (2008).

Mais ce qu’il y a de notoire dans son travail, c’est l’impression d’étrangeté qui imprègne ses mises en scènes soignées et troublantes, la solitude des personnages, palpable, et ces véritables tableaux qui semblent autant d’énigmes à résoudre. Une solitude récurrente dans son œuvre qui renvoie à ce paradoxe qu’il souligne dans ses interviews, celui d’une humanité de plus en plus nombreuse et d’individus de plus en plus seuls.

Son style évoque un savant mélange où l’on pourrait croiser Gregory Crewdson pour la composition, Edward Hopper pour l’éclairage et l’atmosphère et certaines compositions de Robert Mapplethorpe et de Karl Lagerfeld pour le maniérisme gay, maniéré et décadent. La série « Chessmen » qui l’a rendu célèbre ressemble fort à un hommage à Joel Peter Witkin. Des influences multiples et assumées.

Tout fait sens chez le photographe batave : l’attitude, le mobilier, l’éclairage, l’habillement, le choix des personnages, la couleur de peau, la gestuelle et le lieu apparaissent comme des indices et des codes pour signifier et faire dire à l’image des histoires et des situations parfois dérangeantes. On songe à sa série « Paradise portraits » qui montre des clowns inquiétants outrageusement fardés, on pense à « Rain » (2006) et « Griefs » (2007) qui évoquent le deuil dans une Amérique traumatisée par le 11 septembre 2001 ou encore « Blacks » (1990) qui questionne sur la couleur de peau et les représentations que cela véhicule.

L’ancien journaliste ne s’est jamais finalement déconnecté de l’actualité du monde qu’il interroge avec ses outils comme la série « Tamed and Anger » (2015) qui fait référence à l’attentat de Charlie Hebdo avec ses autoportraits bâillonnés ou encore la série « « Fashion victimes » (1990) qui dénonce la publicité, les grandes marques et la consommation. Projet plutôt ironique pour ce photographe de mode qui travaille régulièrement pour Yves Saint Laurent, Chanel, Gucci, Moschino, Versace et Gucci. Autre irrévérence, en 1999, il élabore la série « Mature » qui montre des femmes d’un certain âge en lingerie fine pour dénoncer le carcan de la séduction, le jeunisme en cours dans la mode et le rapport au corps qui vieillit. De la  même manière, le photographe officiel de la famille royale néerlandaise n’hésite pas à produire une série « Royal blood » (2002) où des princesses superbement parées de blanc, quasiment sacralisées, sont maculées de sang, poignardées et torturées pour évoquer le destin tragique de Lady Diana, la célébrité, le glamour et notre fascination pour la violence et le drame. Là réside sans doute le particularisme stylistique d’Erwin Olaf, cette capacité à travailler sur l’actualité, cette faculté de jouer avec le symbole et le mode de représentation de nos sociétés, de sonder nos phobies et fantasmes pour dire, pour interroger, pour faire réagir et pour provoquer. Les 240 photos qui défilent dans ce superbe ouvrage sont autant de questions, plastiquement parfaites, techniquement remarquables comme suspendues dans l’attente d’une réponse improbable. Un véritable tour de force.

« I AM » d’Erwin Olaf, éditions Hannibal, paru en 2019, 400 pages,

Disponible à la Cote : 2 OLAF

Site officiel d’Erwin Olaf : https://www.erwinolaf.com/

toutes les photos © Alex Webb

« La Calle » (photographs from Mexico) d’Alex Webb

 Le septième livre d’Alex Webb s’intitule « La calle » et réunit près de trente années de photos consacrées au Mexique. Le résultat est tout simplement bluffant, incroyable et d’une richesse hallucinante. Il y a tout d’abord cette explosion de couleurs, de contrastes, de lumière, de clair-obscur et de vie qui frappe d’emblée. La rue mexicaine semble une véritable scène où s’ébrouent des visages, des enfants, des corps, des animaux, sculptés par l’ombre et la lumière et magnifiés par la texture colorée des murs, des affiches et des enseignes. Et puis il y a le cadrage vertigineux qui découpe l’image en un puzzle où se combine le premier plan, le deuxième et parfois le troisième plan dans une mise en abyme d’où jaillit une profusion de sens, de symboles et de tableaux superposés, à la fois découpés et imbriqués par les ombres, les angles et le mouvement.

« J’ai été immédiatement fasciné par cet endroit à la fois si proche des États-Unis et en même temps si fondamentalement différent de mon point de vue. L’énergie de la rue mexicaine, la spontanéité de la vie de la rue, la manière dont on semblait vivre dans la rue et sur le perron, tout était très différent de la Nouvelle Angleterre d’où je suis originaire » raconte Alex Webb dans une interview accordée au site internet Yonder (1). Une attirance pour le Mexique qui date d’un premier voyage emblématique  dans les années 70, inspiré par la lecture de deux textes de Graham Greene (« the lawest roads », Across the bridge »). Il faut dire qu’avec Alex Webb, la littérature rôde en permanence autour de sa photographie.

Né le 5 mai 1952 à San Fransisco, le photographe américain a sans cesse oscillé entre l’une et l’autre puisqu’il a étudié la littérature et l’histoire à l’université d’Harvard et la photographie au Carpenter center for the Visual Arts avant de se décider pour l’image en intégrant la prestigieuse agence photographique Magnum en 1976, à 24 ans ! Depuis, le photographe enchaîne les expositions prestigieuses (Walker Art center, Museum of photographic art, le centre national de la photographie, Museum of contemporary art of San Fransisco, Whitney museum, High museum of art) tout en étant régulièrement honoré pour son travail (bourse des fondations Hasselblad, Guggenheim et de la fondation des arts de New-York, prix Leopold Godowsky, médaille Leica, prix David Octavius).

Celui qui a définitivement opté pour la puissance évocatrice de la couleur en 1979, s’inscrit dans la lignée des photographes nord-américains « coloristes » inspirés par la “street photography” et le graphisme comme Ernst Haas, Fred Herzog, William Eggleston ou encore Harry Gruyaert pour le vieux continent. « Parce que je travaille sur la frontière États-Unis/Mexique ou sur Haïti, la couleur fait partie intégrante de la culture que je photographie » rappelle Alex Webb, tout comme la littérature pourrait-on ajouter à laquelle il rend hommage dans « La Calle » en insérant cinq textes d’auteurs mexicains. C’est aussi une lecture assidue des œuvres de Joseph Conrad et des ouvrages de Garcia Marquez et de Vargas Llosa qui inspire le maître coloriste. A la manière de ces derniers, monstres de la littérature d’Amérique latine, le travail photographique d’Alex Webb pourrait être qualifié de réalisme magique tant il joue avec la lumière et le quotidien en apparence banal des hommes pour nous offrir des images baroques, gorgées de couleur et de soleil.

« La Calle » (photographs from Mexico) de Alex Webb, Editions Aperture, 150 pages, 2018, Cote : Photo 2 WEBB

Les livres de photos de Fred Herzog (lien) présents à la Médiathèque Edmond Rostand 

Les livres de photos de Ernst Haas (lien) présents à la Médiathèque Edmond Rostand

Les livres de photos de William Eggleston (lien) présents à la Médiathèque Edmond Rostand

Les ouvrages de Harry Gruyaert  (lien) présents à la Médiathèque Edmond Rostand

 (1)    http://www.yonder.fr/en-images/photographes/interview-alex-webb-la-calle

© Harry Gruyaert

“Rivages” de Harry Gruyaert

Lorsque l’on découvre l’œuvre de Gruyaert, la première réaction est bien souvent un choc, visuel, graphique et esthétique. Dans ses images, tout explose comme une révélation, les couleurs, les ombres, les illuminations, les contrastes et les silhouettes dans un maelstrom que le cadrage contingente quand même. Là est la force de Gruyaert, cette concentration d’émotion, cette vibration colorée et cette esthétique de l’instant. Et pourtant, il arrive que le photographe modère ses ardeurs coloristes pour saisir ces paysages où le soleil, ce projecteur parfait, ne fait qu’une timide apparition, des paysages où gronde la tempête à venir, des lieux où le jeu des nuages gris annonce la pluie, là où la frontière de l’eau se brouille avec le ciel, ces bords de mer où le climat océanique se veut changeant, trouble et vaporeux.

C’est cette atmosphère qui nimbe le superbe livre « Rivages » sorti en 2003 et réédité l’année dernière par la maison d’édition Textuel. Ici il est question d’un carnet maritime qui vagabonde le long des plages, des rivages et des côtes, de la Baie de Somme au Mont Saint Michel en passant par Nice, l’Île de Ré, le Nord pas de Calais, Biarritz, Ostende, les côtes irlandaises, égyptiennes ou la Sardaigne, partout où l’océan donne vaguement rendez-vous à la terre.

Dans un format large et confortable, les grandes photos de Gruyaert semblent une véritable invitation à la promenade balnéaire dans ces lieux un peu étranges où l’architecture du ciel et de la mer compose un panorama onirique et poétique.  Pour ce photographe belge reconnu comme un des maîtres de la couleur, tout l’intérêt des plages et des rivages réside justement dans cette combinaison : « Ce que j’aime, c’est ce ciel qui touche l’eau, cet infini. C’est graphique et sensuel, ce sont des paysages qui changent tout le temps ». (…) Pour moi, la lumière, les gens, les couleurs, l’architecture ont tous la même valeur » (interview donnée à l’Express lors de la parution du livre en 2003).

Né à Anvers en 1941, Harry Gruyaert a suivi une école de cinéma avant de se lancer dans la photographie de mode et d’évènements sportifs à Bruxelles et à Paris puis d’évoluer vers la réalisation de documentaires pour la télévision. Inspiré par la peinture hollandaise, par Richard Avedon, Irving Penn, William Eggleston, Joel Meyerowitz et Saul Leiter, le maître flamand de la chromie fait partie de la prestigieuse agence Magnum depuis 1981. Depuis plus de quarante ans, le photographe publie régulièrement des ouvrages qui sont autant de solides références en matière de virtuosité photographique. « Rivages » s’inscrit dans cette lignée d’ouvrages majeurs avec une petite nuance dans le traitement de la couleur, une couleur moins contrastée qu’à l’accoutumée, une gamme chromatique, vu le sujet balnéaire, forcément tempérée.

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« Rivages » de Harry Gruyaert (1941-....), édité par Textuel – paru en 2003, Cote : PHOTO 2 GRUY

« Rivages » de Harry Gruyaert (1941-....), Edité par Textuel - paru en 2018, Cote : PHOTO 2 GRUY

 Gruyaert dans le Fonds photo de la Médiathèque Rostand :

·         « Morroco » de Harry Gruyaert, édité par Schirmer-Mosel - paru en 1990,   PHOTO 2 GRUY

·         « Maroc » de Harry Gruyaert, édité par Textuel - paru en 2013, Cote : PHOTO 2 GRUY

·         Harry Gruyaert, édité par Actes Sud - paru en 2006, Photo poche, Cote : PHOTO 2 GRUY

·         Harry Gruyaert, édité par Textuel - paru en 2015, 80 photographies,  Cote : PHOTO 2 GRUY

·         «West, East : 1981 Los Angeles, La Vegas. 1989 Moscou » de Harry Gruyaert, édité par Textuel – paru en 2017, Cote : PHOTO 2 GRUY

·         « Lumières blanches » de Harry Gruyaert, édité par le Centre national de la photographie – paru en 1986, Cote : PHOTO 2 GRUY

Focus sur la photographie japonaise, une bibliographie (partie 3)

1  « Daido Moriyama », Éditions Photo poche Actes Sud, 144 pages, 2012.

Cote : PHOTO 2 MORI

Rebelle, révolutionnaire, anticonformiste, sauvage, inspirateur, autant d’attributs qui pourraient qualifier le travail hallucinant de ce grand maître. Cadrages baroques, grain à tout va, turbulences, contraste absolu, Moriyama a fait exploser le carcan académique via sa revue « Provok » pour ne garder qu’une esthétique de l’instant, une furtivité de l’image poétique et un déréglage lumineux. Autant  de libertés qui ajoutent à ses sujets préférés (la ville, les bas-fonds, les femmes, les êtres), une touche de puissance expressive.

2 « Provoke », Éditions Steidl – Le BAL, 679 pages, 2016.

Cote : PHOTO 4 C

L’emblématique revue de Moriyama superbement éditée par la maison d’édition Steidl. Un condensé d’énergie pure.

3 « Daido Moryama », Éditions Phaidon, environ 70 pages, 2001.

Cote : PHOTO 2 MORI

Voici un ouvrage édité par Phaidon qui regroupe la plupart des images emblématiques du photographe avec ses sujets de prédilection. Un bon résumé et une bonne entrée en matière.

4 « Record » de Daido Moryama, Éditions Textuel, 350 pages, 2017.

Cote : PHOTO 2 MORI

Le plus radical des photographes japonais a fondé en 1972 la mythique revue « record » de street photography pour s’affranchir de toutes les contraintes. Ce livre contient trente numéros emblématiques, soit plus de 350 photos graphiques, acides et puissantes, un vrai concentré de subversion artistique.

5 « Minamata » de Eugéne Smith, Éditions photo notes/Centre national de la Photographie, environ 50 pages, 1991 .

Cote : PHOTO 2 SMIT

Voilà l’histoire d’une tragédie, celle de Minamata, un estuaire copieusement empoisonné au mercure pendant des années par une usine chimique avec les dégâts sur la santé des habitants que l’on imagine. C’est le rédacteur en chef américain d’un magazine de photo, Eugène Smith qui décide d’illustrer ce scandale sanitaire en montrant les images d’une population de pêcheurs gravement atteinte, agonisante et désemparée. Ses images saisissantes  auront une portée mondiale, consacrant au passage un grand photographe.

6 « Shome Tomatsu », Éditions Phaidon, environ 50 pages, 2001.

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7 « Skin of the nation » de Shome Tomatsu, catalogue de l’exposition du The San Fransisco Museum of modern art, 223 pages, 2004.

Cote : PHOTO 2 TOMA

La carrière de Tōmatsu s’étale sur une cinquantaine d’années. Membre du collectif de photographes Vivo dans les années 50 (le courant « école de l’image »), cet ami de Moriyama s’est attaqué aux symboles de la culture nippone avec humour et gravité à la fois.

8 « Ikko Narahara », Éditions Maison européenne de la Photographie, 210 pages, 2002.

Cote PHOTO 2 NARA

Ikko Narahara n’est pas très connu en France en dépit d’une œuvre conséquente et intéressante. Tout d’abord documentaire lorsqu’il s’agissait de montrer les meurtrissures de son pays à la fin de la deuxième guerre mondiale, son regard photographique s’est porté ensuite sur l’occident. De nombreux séjours en Amérique et en Europe lui ont fourni une matière créative. Ses images sont belles et toujours infiniment pudiques et poétiques.

9 « Sei » de Yuriko Takagi, Éditions Xavier Barral, 68 pages, 2014.

Cote PHOTO 2 TAKA

Enfin une femme photographe mise à l’honneur. Dans ce superbe livre, Yuriko Takagi nous invite dans l’univers mystérieux et suggestif des graines écloses ou presque. Le titre du livre dit cette ambigüité puisque « Sei » signifie étoile, voix, bleu, sexe, énergie et mort…

10 « Brut photography », Éditions In Between Galery, environ 150 pages, 2013.

Cote : PHOTO 4 C

Voilà un projet un peu fou. Confier à des handicapés mentaux japonais un appareil photo avec pour seule consigne une liberté absolue. Le résultat est étonnant, souvent juste et parfois aussi déroutant.

A suivre...