#cohelmec ensemble

POST-POST-SCRIPTUM 1174

PERCEPTION, Mestari

Devenir enfin soi-même : telle est, dans les années 1960-1970, la leçon qu'ont reçue du free jazz américain les musiciens européens attirés par l'improvisation. Suivant ce précepte, ceux de Perception, bien qu'ils accompagnèrent individuellement Mal Waldron, Slide Hampton, Johnny Griffin ou Hank Mobley de passage à Paris, décidèrent très tôt de s'émanciper des tendances d'outre-Atlantique, par souci d'authenticité.

Quand sort Mestari, leur troisième et dernier album, Yochk'O Seffer, Siegfried Kessler, Didier Levallet et Jean-My Troung font depuis quatre ans oeuvre de recherche et d'originalité, en quête d'un langage leur appartenant en propre. Un langage où la spontanéité des improvisations n'exclurait pas les influences héritées des traditions classiques et folkloriques européenne.

Équilibré, aéré, construit, Mestari marque le retour au noyau dur originel à quatre musiciens (rappelons-nous que le précédent album alignait de nombreux invités). Et ouvre des espaces sans fin et complètement raccord avec ce que produisent en France au même moment Cohelmec Ensemble et Dharma Quintet.

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To finally become oneself: that was the lesson, in the 1960-1970s, that European musicians attracted to improvisation had learned from American free-jazz. Following this idea, the musicians of Perception, whilst individually accompanying Mal Waldron, Slide Hampton, Johnny Griffin or Hank Mobley when they played in Paris, decided early on to break free from what was going on across the Atlantic and seek their own authenticity.

When Mestari, their third and final album, came out, Yochk'O Seffer, Siegfried Kessler, Didier Levallet and Jean-My Truong had four years of questing and originality behind them developing their own individual language. A language in which the spontaneity of the improvisations did not exclude influences taken from European folk or classical traditions.

The SHAGGS "Philosophy of the World" (LP. 1980 / rec. 1969) [US]

HERE & NOW "Give and take" (LP. 1978) [UK]

CAPTAIN BEEFHEART & The MAGIC BAND "Shiny Beast (Bat Chain Puller)" (LP. 1980 / rec. 1978) [US]

Tod DOCKSTADER "Drone - Two Fragments from Apocalypse - Water Music" (LP. 2014 / rec. 1961-63) [US]

SMEGMA "Mutant Stomps" (LP. 2014 / rec. 197?-75) [US]

James WHITE "James White's Flaming Demonics" (LP. 2005 / rec. 1983) [US]

The LOUNGE LIZARDS "The Lounge Lizards" (LP. 1981 / rec. 1980) [US]

SWELL MAPS "International Rescue" (LP. 1999 / rec. 1976-79) [UK]

US MAPLE "Talker" (LP. 1999) [US]

ROOTS OF MADNESS "The Girl in the Chair" (LP. 2005 / rec. 1971) [US]

FUNBOY FIVE / MILKSHAKE MELON "Landmarks, Ruins and Memories" (LP. 2015 / rec. 1978-80?) [UK]

Dan GIBSON "Solitudes - Environmental Sound Experiences vol.3" (LP. 1981) [CAN]

Giusto PIO "Motore immobile" (LP. 2017 / rec. 1979) [ITA]

COHELMEC ENSEMBLE "Next" (LP. 2017 / rec. 1971) [FR]

The PHANTOM PAYN ACT "Bad Vibes, Anyone ??" (LP. 1994) [GER]

POST-POST-SCRIPTUM 1080

ALFRED PANOU & THE ART ENSEMBLE OF CHICAGO, JE SUIS UN SAUVAGE, SOUFFLE CONTINU RECORDS

Signés Steve Lacy, Areski, Maurice Lemaître, Philippe Maté, Jean-Charles Capon, Michel Roques ou Cohelmec Ensemble, certains disques produits par Saravah figurent parmi les opus majeurs des années 1960-1970, tel Comme à la radio réalisé par Brigitte Fontaine en compagnie de l'Art Ensemble of Chicago à Paris en 1969. Dommage cependant que l'on sache moins qu'il en est de même d'un 45 tours sorti par ce même label au même moment, où l'Art Ensemble of Chicago accompagne cette fois le verbe du méconnu Alfred Panou.

Aperçu en 1967 dans le film Week-end de Jean-Luc Godard où il interprète un éboueur noir, le Bénino-togolais Alfred Panou menait déjà une carrière d'acteur de théâtre engagé quand, stimulé par le producteur Pierre Barouh, il incarne sur disque deux de ses textes se référant au Black Power. Au moment d'enregistrer, l'explosif premier album des Last Poets n'a pas encore vu le jour, tout comme celui de leur équivalent west coast Watts Prophets qui ne sort qu'en 1971. C'est dire qu'en 1969, même si quatre ans auparavant Black Dada Nihilismus d'Amiri Baraka constituait déjà l'incontestable matrice de tout ceci, la prose-combat d'Alfred Panou s'avère saisissante. D'autant qu'à sa manière, parmi les premières, elle questionne l'identité noire. Et qu'afin de l'interroger (quelle idée de génie), la jungle poly-instrumentale et bruissante fantasmée par l'Art Ensemble of Chicago a été choisie comme contrepoint musical !

Probablement peu connu parce que porté par des textes dits en français, Je suis un sauvage / Le Moral nécessaire mérite plus que l'assentiment récent des seuls amateurs de grooves rares. Car aujourd'hui encore, ce disque à ne pas négliger demeure un brûlot séminal subtilement militant et par endroits non dénué d'humour. Bien que bref (à peine plus de dix minutes en tout), il représente un grand moment de Great Black Music au même titre que Seize The Time d'Elaine Brown, Nation Time de Joe McPhee, There's A Riot Goin' On de Sly & The Family Stone ou Attica Blues d'Archie Shepp. Pas moins.

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A number of albums on the Saravah label, by artists such as Steve Lacy, Areski, Maurice Lemaître, Philippe Maté, Jean-Charles Capon, Michel Roques or the Cohelmec Ensemble, are considered amongst the most important of the 1960-1970s, including, for example Comme à la radio by Brigitte Fontaine with the Art Ensemble of Chicago in Paris, 1969. It is unfortunately less well-known that the label produced a single at the same time also featuring the Art Ensemble of Chicago who this time backed the poetry of the little-remembered Alfred Panou.

Seen in the 1967 film Week-end by Jean-Luc Godard where he played the role of a black garbage collector, Alfred Panou who is of mixed Benin-Togolese origin, already had a career as an actor in political theatre when, pushed by producer Pierre Barouh, he recorded two of his texts concerning Black Power. At the time of the recording the explosive first album by the Last Poets had not yet been made, nor that of their west coast counterparts the Watts Prophets which would only appear in 1971. This explains why, in 1969, even if the Black Dada Nihilismus by Amiri Baraka published four years earlier was incontestably the reference point of all the above, the combative prose of Alfred Panou had a real impact. This is heightened by the fact that it is also one of the first, in its own way, to question the notion of black identity. In order to do so the brilliant idea was to have the rowdy poly-instrumental jungle fantasy of the Art Ensemble of Chicago as a musical counterpoint!

POST-SCRIPTUM 914

ARESKI, Un Beau matin (1971)

Ceux qui ne lisent pas jusqu’au bout les crédits sur les pochettes de disques le méconnaissent forcément : Areski est certes le compagnon de Brigitte Fontaine, mais aussi son atler ego créatif, compositeur attitré de la plupart des musiques de ses chansons. Et bien que leurs paroles ne soient pas de sa plume, mais de celle de son épouse, Areski n’en est pas moins poète. De plus, il sait tout faire : composer, arranger, chanter, improviser, jouer de tous les instruments et même jouer la comédie ! Areski, pour tout dire, c’est le mariage réussi de la tradition d’un Munir Bashir avec la sophistication européenne héritée d’un Jean-Claude Vannier, le grand écart entre Versailles (où il est né) et le maghreb. Areski, c’est la chanson rive gauche dégrossie de toute emphase, puis revue et corrigée au contact de la musique arabo-andalouse… C’est le sens du happening du Living Theatre conjugué au feeling du free jazz d'essence cosmique ; la poésie surréaliste réactualisée à l’aune d’un vécu enraciné dans la culture kabyle… Tout ça et bien plus encore.

Son talent, Areski le tient de son observation des vedettes du chaâbi, qu’il teste d'abord dans les bars et les tripots avant de rencontrer, sous les drapeaux, le chanteur Jacques Higelin avec qui il enregistre un premier album culte et qui lui présente sa future femme, Brigitte Fontaine donc. Avec elle, entre 1969 et 1980, Areski est à l’origine d’une page essentielle de l’underground français dont Comme à la radio (L’Art Ensemble of Chicago est de la partie), Je ne connais pas cet homme, L’Incendie, Le Bonheur et Vous et nous constituent les sommets. Pour autant, Areski n’a jamais vraiment songé à faire carrière sous son nom, malgré le magnifique Un Beau matin originellement édité en 1970, et qu’il est grand temps de (re)découvrir (mieux vaut tard que jamais). Évidemment, les fidèles s’y retrouvèrent, notamment Jean-Charles Capon, auteur de l’inspiré L’Univers-solitude, Brigitte Fontaine bien sûr, ou Daniel Vallancien, auteur d’un non moins inspiré duo avec le saxophoniste Philippe Maté. Tous au service d'un univers poétique acerbe, engagé mais dépourvu de tout militantisme, et perméable aux influences du monde avant que cela ne devienne une mode.

Inspiré, poétique, en un mot essentiel : avec ceux de Maurice Lemaître, Catharsis, Claude Yvans, Mahjun, Barney Wilen, Cohelmec Ensemble et Michel Roques, Un Beau matin est un des meilleurs albums produits par Pierre Barouh pour son label Saravah.

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Only those who read all the credits on record liner notes will know the full details: Areski is of course Brigitte Fontaine's partner in life, but also her creative alter ego, and the composer of the music of most of her songs. Even though it was his wife Brigitte and not him who wrote the lyrics, Areski is a poet in his own right. Furthermore, he is polyvalent: composing, arranging, singing, improvising, playing every possible instrument and even acting! Areski, to sum up, is the perfect mix of the tradition of Munir Bashir with the European “sophistication” of someone like Jean-Claude Vannier, one foot permanently in Versailles (where he was born) and the maghreb. Areski, is left bank French songs without the stylistic effects, revised and updated through contact with arab-andalusian music. He is a Living Theatre style happening with a dose of cosmic free jazz; surrealist poetry viewed through the prism of Kabyle culture… All that and a lot more!

Areski honed his talent observing the stars of traditional chaâbi, testing it out in bars and dives before meeting, during military service, the singer Jacques Higelin with whom he would record his first cult album, and who would present him to his wife-to-be, Brigitte Fontaine. Between 1969 and 1980, with her, Areski would contribute an essential chapter to French underground music including classics such as Comme à la radio (with the Art Ensemble of Chicago), Je ne connais pas cet homme, L’Incendie, Le Bonheur and Vous et nous. For all that, Areski has never really tried to have a career under his own name, in spite of the wonderful Un Beau matin first published in 1970, and which it is high time to de (re)discover (better late than never). Those already in the know will not be surprised to see, especially, Jean-Charles Capon, author of the inspired L’Univers-solitude, Brigitte Fontaine of course, or Daniel Vallancien, author of a no-less inspired duo with saxophonist Philippe Maté. All contributing to an acerbic poetic universe, concerned but never militant, and open to worldwide influences long before they became a fashion.

Inspired, poetic, in a word essential: Un Beau Matin is one of the best albums of the French underground produced by Pierre Barouh on his label Saravah, alongside those by Maurice Lemaître, Catharsis, Claude Yvans, Mahjun, Barney Wilen, Cohelmec Ensemble et Michel Roques.

POST-SCRIPTUM 884

DHARMA QUINTET, Mr Robinson, SouffleContinu Records

Accordée à Jazz Magazine par le Dharma, une interview du début des années 1970 précise d’une même voix, au nom du collectif : « Nous cherchons à obtenir, en free, une cohésion semblable à celle des rythmiques bop, une cohésion sur quelque chose qui ne soit pas le tempo, mais qui ressemblerait pourtant au tempo. Une sorte de pulsation sous-tendue. »

De ces considérations témoigne d'emblée Mr Robinson, premier disque d'un Dharma Quintet au sein duquel la vie en communauté s'est imposée, histoire d'augmenter d'un cran supplémentaire la cohésion recherchée. Du coup, ses membres jouent de la musique ensemble quotidiennement, tentant des choses remises sur le tapis jour après jour ; ils en écoutent aussi, sur disques, avec une préférence pour le free jazz certes, mais sans pour autant oublier Miles Davis période électrique, notamment pour les claviers de Keith Jarrett et Chick Corea. À quoi s'ajoute une ligne de conduite esthético-politique basée sur le refus de la hiérarchie, et un désir d'échapper à toute forme d'académisme sclérosant…

C'est sur ces bases que Jef Sicard et Gérard Coppéré (saxophones, flûte, clarinette basse), Patricio Villaroel (piano électrique et acoustique), Michel Gladieux (basse) et Jacques Mahieux (batterie) constituent la première incarnation d'un collectif soudé par des intentions structurées. Car chez le Dharma, l'improvisation individuelle ne peut s'envisager sans cadre clairement défini, même hors-tempo : en résulte une cohésion bénéfique, et des instants de toute beauté nés d'unissons frissonnants et à l'origine d'ambiances littéralement habitées. Par endroits, certain attachement à la modalité relierait même Mr Robinson au jazz spirituel d'alors, sans compter qu'Eric Dolphy parait planer sur ce disque comme une ombre tutélaire bienveillante. En France, pareil souci de cohésion se retrouvait aussi dans le Cohelmec Ensemble, aux préoccupations voisines, à tel point que leur bassiste, François Méchali, finit par rejoindre le Dharma : aucune trace phonographique à ce jour malheureusement, si ce n'est dans les mémoires.

En quintette, avec des renouvellements de personnel toutefois, le Dharma enregistra trois disques (il en existe également un en trio, sous le nom de Dharma Trio), tous aussi fondamentaux (le Dharma accompagna aussi, et de bien belle manière, les chansons de Jean-Marie Vivier et Colette Magny). Individuellement, ses membres enregistrèrent avec des musiciens de passage (notamment Anthony Ortega, Dave Burrell) et participèrent à d'autres formations essentielles dont Machi Oul et Full Moon Ensemble.

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In an interview with Jazz Magazine in the early 1970s, Dharma, as a collective voice, outlined their method: “we try to reach, within free jazz, the same sort of rhythmic cohesion as in Bop, a cohesion based not exactly on tempo, but something which feels like tempo. A kind of underlying pulse”.

Evidence of these ideas can be heard immediately on listening to Mr Robinson, the first album by the Dharma Quintet, for whom community living seemed obvious, in order to add to the aforementioned cohesion. Through this, the group members played together on a daily basis, trying out things which were worked on day in, day out. They were also listening to a lot of records, with of course a preference for free jazz, but not forgetting Miles Davis in his electric period, notably for the keyboards of Keith Jarrett and Chick Corea. To which should be added esthetical-political concerns based on a refusal of hierarchy, and a desire to escape from a restrictive academic approach…

It was within this framework that Jef Sicard and Gérard Coppéré (saxophones, flute, bass clarinet), Patricio Villarroel (electric and acoustic piano), Michel Gladieux (bass) and Jacques Mahieux (drums) formed the first version of a collective united by structured intentions. Because, within Dharma, individual improvisation cannot be envisaged outside of a clearly designated framework, even non-tempo. The result is a beneficial cohesion, and moments of great beauty born of a collective excitement and giving rise to ambiances which seemed almost possessed. The use of modes could seem to link Mr Robinson to the spiritual jazz of the past but that is without taking into account the fact that the benevolent spirit of Eric Dolphy seems to watch over this album. In France, a similar desire for cohesion could be found in the Cohelmec Ensemble, who had parallel preoccupations, to the point where their bassist, François Méchali, ended up by joining Dharma: there is unfortunately no recorded trace of this, just the memories.

POST-SCRIPTUM 881

DHARMA QUINTET, Archipel, SouffleContinu Records

« Do your own music! » conseillait Albert Ayler, message clairement reçu en France ! Cohelmec Ensemble, Workshop de Lyon et Dharma Quintet, trois formations proches dans l'esprit, en ont illustré chacune à leur manière le principal précepte local : prendre ses distances d'avec le free jazz américain. Encore qu'en ce qui concerne le Dharma, l’approche, voulue communautaire afin (dixit) d’échapper à tout académisme (les musiciens habitent ensemble, répètent inlassablement, achètent collectivement le matériel nécessaire), évoque celle de l’A.A.C.M. avec lequel le groupe se sent des affinités, mais revues et corrigées par Gong malgré une profonde admiration pour Anthony Braxton rencontré à Paris au début des années 1970 ! Mai 68 est passé par là, et l'heure est encore aux remises en question contestataires : aucun leadership n'est envisageable et le personnel est susceptible d'être modifié au gré des enregistrements (sur Archipel, un nouveau batteur fait ainsi son apparition ; cependant, aucun disque ne témoigne à ce jour de la formation avec Jean Querlier et François Méchali).

Tout comme le précédent  End Starting, Archipel est un disque construit, mêlant free rock et free jazz à l'européenne dans d'incessantes explosions collectives basées sur des improvisations abruptes et contrastées. La plupart du temps, piano, guitare et saxophone s'entrelacent sur des rythmiques d'enfer, tandis que l’électricité fait feu de tous bois. Rétrospectivement, d’aussi saisissantes combinaisons de timbres, évoquant par endroits les passages free de Cinemascope de Joachim Kühn avec Toto Blanke, font regretter l’avortement prématuré du Dharma en 1974, sa modernité n'ayant déjà rien à envier aux avancées ultérieures des groupes de Paul Bley avec guitare (Pat Metheny, John Scofield), ou de Om sur Rautionaha (pour les alliages Urs Leimgruber / Christy Doran), le piano électrique de Patricio Villaroel apportant toutefois au Dharma une touche étonnamment singulière bien qu'héritée des recherches de Chick Corea chez Miles Davis. Sans compter çà et là, quand les choses s'accélèrent, une certaine violence incisive propre au Dharma Quintet, et un son aussi dense que celui de On The Corner de Miles Davis, ou Stark Reality, la formation de John Abercrombie à la même époque grosso modo. Quoi d'autre pourrait être approximativement proche du Dharma Quintet au même moment ? Emergency, quintette ayant lui aussi sévi et enregistré en France, entre autres composé de Glenn Spearman au saxophone, Boulou Ferré à la guitare et Takashi Kako au piano électrique. Voire Masabumi Kikuchi au Japon.

Au même titre que le Cohelmec Ensemble, le Workshop de Lyon, le Full Moon Ensemble, Perception, Armonicord ou le Michel Portal Unit, le Dharma Quintet s'est imposé comme une des plus importantes formations du free jazz tel qu'il se pratiquait en France au début des années 1970.

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“Do your own music!” was Albert Ayler’s advice, received loud and clear in France! Cohelmec Ensemble, Workshop de Lyon and the Dharma Quintet, three groups close in spirit, which would each illustrate in their own way a local principle: to get some distance from American free jazz. As far as Dharma is concerned, the community-based approach was put in place to escape (they stated) from any academism (the musicians lived together, rehearsed endlessly together, and collectively purchased the necessary material together). This may draw comparisons with the l’A.A.C.M. with whom the group felt a certain affinity, but they were also influenced by Gong, in spite of a deep admiration for Anthony Braxton who they met in Paris at the beginning of the 1970s! The events of May 68 were fresh, and protest was still in the air: no leadership structure was possible, and personnel could change with each recording (on Archipel, a new drummer makes an appearance; however, there is no recorded trace of the group with Jean Querlier and François Méchali).

Like its predecessor End Starting, Archipel is a constructed album, mixing free rock and European free jazz in a series of collective explosions based on abrupt and contrasting improvisations. For much of the time, piano, guitar and saxophone intertwine over intense rhythms, with everything and anything being electrified. Retrospectively, such remarkable timbral combinations, evoking sometimes the freer passages of Cinemascope by Joachim Kühn with Toto Blanke, make the demise of Dharma in 1974, even more regrettable. Their modernity has nothing to envy of the later advances of Paul Bley with guitar (Pat Metheny, John Scofield), or of Om on Rautionaha (for the alliance of Urs Leimgruber/Christy Doran), Patricio Villarroel’s electric piano adding a nonetheless surprisingly singular touch to Dharma, inherited of course from Chick Corea’s work with Miles Davis. This is without mentioning a kind of incisive violence when things speeded up, which was unique to the Dharma Quintet, or a sound as dense as that of On The Corner by Miles Davis, or Stark Reality, John Abercrombie’s group from around the same period. Who else could seem approximately close to the Dharma Quintet at the same time? Emergency, a quintet which had played and recorded in France, including, among others, Glenn Spearman on saxophone, Boulou Ferré on guitar and Takashi Kako on electric piano. Masabumi Kikuchi in Japan also deserves a mention.

Along with the Cohelmec Ensemble, the Workshop de Lyon, the Full Moon Ensemble, Perception, Armonicord or the Michel Portal Unit, the Dharma Quintet stand out as one of the most important examples of free jazz as it was played in France at the beginning of the 1970s.

POST-SCRIPTUM 834

FREE JAZZ WORKSHOP - INTER FRÉQUENCES

En 1967 est mis sur pied le Free Jazz Workshop dont le premier disque, Inter Fréquences, ne sort qu’en 1973. Entretemps malheureusement, il n'existe aucune trace phonographique de ce groupe dont le premier batteur est Pierre Guyon avant d’être remplacé par Christian Rollet en 1970.

L’un des mots d’ordre de l’époque suffit à camper le tableau : « La libération des esthétiques n’est qu’un prélude à la libération de l’humanité. » De cette émancipation des mentalités telle qu’elle fut vécue en France par certains musiciens, la trajectoire du Free Jazz Workshop (devenu Workshop de Lyon en 1975 avec l’arrivée du clarinettiste-saxophoniste Louis Sclavis) se révèle emblématique. Trajectoire d’une longévité exceptionnelle, un « mi-centenaire » comme disent ses membres, durant lequel la formation - selon les mots-mêmes de Christian Rollet - passe « d’atelier exploratoire revendiquant de ne rien tenir pour acquis des certitudes musicales majoritaires » à institution devenue classique.

Dès ce premier album, l'on sait que la formation fera oeuvre commune, sans leadership. Héritées du free jazz américain, des influences s'entendent encore : Albert et Don Ayler, tout comme Ornette Coleman et Don Cherry chez les souffleurs Maurice Merle et Jean Mereu ; Cecil Taylor pour le pianiste Patrick Vollat, absent du groupe après le deuxième album, La Chasse de Shirah Sharibad ; Gary Peacock et Barre Phillips pour ce qui est de la basse ; Sunny Murray voire Milford Graves en ce qui concerne le foisonnement rythmique ; mais aussi l'Art Ensemble of Chicago dans la dimension collective.

À l'instar de ceux réalisés par le Cohelmec Ensemble à la même époque, ou par François Tusques précédemment, ce disque au lyrisme incandescent représente un des sommets du free jazz joué par des musiciens français.

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The Free Jazz Workshop came into being in 1967 but their first album, Inter Fréquences, only appeared in 1973. Unfortunately there is no recorded trace of the group including the first drummer Pierre Guyon before he was replaced by Christian Rollet in 1970.

One of the slogans doing the rounds at the time sets the tone: "Aesthetic liberation is but a prelude to the liberation of humanity." The trajectory of the Free Jazz Workshop (which became the Workshop de Lyon in 1975 with the arrival of clarinetist-saxophonist Louis Sclavis) is emblematic of the emancipation of the mindset of certain French musicians during this period. It has been an exceptionally long-lived trajectory a "half-century" as the members say, during which the group - in Christian Rollet's own words – went from being "an exploratory workshop who claimed to take no account of the musical certitudes of the majority" to becoming something of a classic institution.

Right from this first album it is clear that the group would function as a collective with no designated leader. The legacy and influence of American free jazz can be heard throughout: Albert and Don Ayler, or Ornette Coleman and Don Cherry for the horns of Maurice Merle and Jean Mereu; Cecil Taylor for the pianist Patrick Vollat, absent from the group after the second album La Chasse de Shirah Sharibad; Gary Peacock and Barre Phillips for the bass; Sunny Murray or Milford Graves for the rhythmic agitation; but also the Art Ensemble of Chicago for the collective aspect.

This lyrical, incandescent album, alongside those released by François Tusques and the Cohelmec Ensemble at the same period, represents one the high points of free jazz produced by French musicians.

POST-SCRIPTUM 801

JEAN-FRANÇOIS PAUVROS / GABY BIZIEN, Pays Noir, SouffleContinu Records

Inédits avant cette édition, les trois morceaux de Pays Noir proviennent de sessions d'enregistrement datant de la même époque que celles du culte No Man's Land produit par Jef Gilson en 1976, puis réédité en vinyle par SouffleContinu Records en 2017. Remarquée en son temps par Actuel, Rock & Folk et Melody Maker, la tabula rasa qu'offre No Man's Land découle directement d'expériences libératrices mais accouchées par hasard, à en croire les intéressés. En effet, leur éveil à l'improvisation tous azimuts prend racine en dehors des cercles d'initiés associés à son milieu, ce qui rend la chose plus incroyable encore ! D'autant que le saxophoniste Evan Parker (alors déjà une sommité en la matière) la remarque en son temps, surpris par l'esprit novateur des Français !

Animés par la même ferveur que sur No Man's Land, et principalement à la guitare comme à la batterie (mais pas que, une fois encore), Jean-François Pauvros et Gaby Bizien inventent un incroyable chaos débridé de combinaisons instinctives, fruit d'une immense complicité née de journées entières passées à jouer, tout en essayant de transformer les déviances du rock en étincelles déstructurées et inédites, parfois très poétiques – ah, le chant final !

Porté par les ferraillements possédés de Gaby Bizien, Jean-François Pauvros s'impose sans aucun mal comme l'un des grands improvisateurs français à la guitare, aux côtés de Gérard Marais (Dharma Quintet, Stu Martin Trio), Joseph Dejean (Cohelmec Ensemble, The Full Moon Ensemble), Raymond Boni (tout comme Pauvros et Bizien, présent sur la liste de Nurse With Wound), Dominique Répécaud, Noël Akchoté et Jean-Marc Montera. En outre, ce duo possède une flamme et une folie qu'on ne retrouve guère que sur les enregistrements de Bill Orcutt / Chris Corsano, Arto Lindsay / Paal Nilssen-Love, Thurston Moore / John Moloney et Mesa Of The Lost Women !

Une sorte de no wave à la française et avant l'heure !

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Previously unreleased, the three tracks on Pays Noir come from recording sessions held at the same time as those for the cult album No Man's Land (FFL 026LP), produced by Jef Gilson in 1976, and published on vinyl by Souffle Continu Records in 2017. Singled out at the time of its release by Actuel, Rock & Folk, and Melody Maker, the tabula rasa of No Man's Land is the result of free-flowing experiments born of chance, if the two musicians are to be believed. Indeed, their approach to free improvisation was uninfluenced by those in the know of what was going on in such circles, which makes it even more incredible. To emphasize the point, the saxophonist Evan Parker (already a leader in the field) remarked on the album at the time, surprised by the innovation of the two Frenchmen.

Brimming with the same fervor as No Man's Land, mainly on guitar and drums (but once again, not only...), Jean-François Pauvros and Gaby Bizien invent an amazing unbridled chaos of instinctive combinations, which are the fruit of their immense complicity, born of days on end playing together, trying to transform the rebelliousness of rock into free-form sparks unlike anything heard before, and which are often poetic -- ah, that final song!

Carried along by the frenzied clatter of Gaby Bizien, Jean-François Pauvros emerges without doubt as one the great French improvising guitarists, alongside Gérard Marais (Dharma Quintet, Stu Martin Trio), Joseph Dejean (Cohelmec Ensemble, The Full Moon Ensemble), Raymond Boni (who, like Pauvros and Bizien, is present on theNurse With Wound list), Dominique Répécaud, Noël Akchoté, and Jean-Marc Montera. Furthermore, the duo has a crazy intensity heard only on recordings by duos such as Bill Orcutt and Chris Corsano, Arto Lindsay and Paal Nilssen-Love,Thurston Moore and John Moloney, and Mesa Of The Lost Women. A kind of French no wave ahead of its time.