Fluidity

Carte blanche à Michigan Films, dans le cadre du furious festival au théâtre de poche. Le Samedi 15 février au Théâtre de Poche.

Au Programme :

Depuis l'enregistrement de son premier album en 1999, Anne Laplantine, une artiste française, a composé une multitude de morceaux pop, minimalistes et de collages sonores. Elle est également une vidéaste très productive. Son support de prédilection semble être le grand internet. !

   Nous autres, enfants fluides et curieux, nous nous sommes dit : "la poésie aujourd'hui oui, mais où ? Avec qui ?"

 Certaines spécialités charcutières de Roumanie révèlent toutes leurs saveurs lorsqu'elles sont enveloppées dans du papier journal. Dans les années 80, sous la dictature de Ceaucescu, les seuls journaux qu'on trouvait étaient les journaux officiels du régime. Quiconque les utilisaient autrement que pour une lecture pieuse était envoyé en prison. On pourrait déplorer cette perte de l'artisanat de la charcuterie en Roumanie pendant des heures.

    C'est dans cette ambiance qu'opérait Irina Nistor. Bien que peu reconnue en Europe occidentale, sa contribution à la liberté d'expression a été exceptionnelle. Avec des méthodes rustiques, elle a doublé plus de cinq mille films américains (bien sûr interdits par les Communistes) et les a diffusés dans tout le pays via le format VHS.

    La particularité de ses doublages : ils sont effectués à même la bande-son du film, la traduction est intercalée entre chaque réplique en anglais des acteurs.

La collection de documentaires musicologiques OME (Observatoire des Musiques Électroniques) fait de plus en plus parler d’elle. Toujours attentif aux rapports musique/cinéma CINEMATEK propose de découvrir deux opus inédits et cinq autres en reprise.

La projection de ce court métrage documentaire d’animation sera suivie par une rencontre avec les auteurs du livre "Choming Out" (éditions D’une Certaine Gaîté, postface de Bernard Friot), militants de la rupture avec la logique du plein emploi comme seule porte de sortie de crise, de l’affirmation que dans le hors emploi s’expérimentent des processus alternatifs de production de richesses, qu’il s’agit aujourd’hui de reconnaître pour ce qu’elles sont : de la production de haute valeur ajoutée…

Dans le cadre du Festival l'heure d'été, d'abord une soirée Bulex Ciné-Karaoké géant en plein-air ce samedi 6 juillet à Bruxelles-les-bains. Le festival donne aussi l'occasion de voir ou revoir de bien belles perles : plusieurs programmations autour de réalisateurs qui associent films et coups de cœurs ainsi que quelques soirées consacrées au mouvement mumbelcore et à une série de films tournés au Texas. Le 7 juillet c'est aussi la projection sauvage organisée par les Chevreuils. 

1988, 28’

Aujourd'hui, hommage à cet étrange ermite du cinéma d'animation qu'est Bruce Bickford.

Au pays du cinéma d'animation, art véritable et méticuleux, dans une contrée fort éloignée des studios industrieux où dégoulinent les produits de synthèse et où règnent les effets spécieux, le nom de Bruce Bickford évoque la figure légendaire d'un Facteur Cheval de la pâte à modeler. 

Aussi drôle que malsain, le Liquide de la tête crée des illustrations inspirées de comics et des vidéos qui mêlent le grotesque à la perversité sadienne.

Tantôt ministre du téléchargement illégal et des stupéfiants, tantôt journaliste à tendance d’extrême droite et partisan de la désinformation sarkoziste pour ensuite être un publicitaire qui tourne au ridicule les images très politiquement correctes (remplissant les quotas femelle , pédé, triso et bronzé) de Corby’s, le Liquide de la tête a créé tout un univers d’information propagandiste fictive du genre Big Brother (il vous regarde, il est partout). Le Liquide de la tête a comme thème récurrent, vous l’aurez compris, la terreur et l’humour, intimement liés. Mais il a aussi un lexique qui lui est propre : bien sûr « peur », « horreur », « apocalypse » et autres mots de vocabulaire se rapportant au satanisme « liquide » rythme ses sites. Mais il y a aussi « Zara », « dvd de Shrek », « Nicolas Hulot », « Belmondo » et d’autres venus se greffer au fil rouge de sa production ; «la désinformation fictive ; une caricature de notre société et de nos peurs ». Il est donc logique que la gentillesse rassurante de Nicolas Hulot soit une arme redoutable pour faire ressortir de façon exacerbée la violence du Liquide.

Qu’est-ce que serait tout ce monde journalistique, musical, people et publicitaire de mauvais goût sans des conseils minceur et relaxation ? Le Liquide est sur tous les fronts médiatiques.

Le sho-zung la « méditation qui vous fige dans la terreur pour toujours avec un sourire romantique » nous rappelle ces femmes au foyer, quarantenaires, qui songent quitter depuis longtemps leur mari impuissant, qui se relaxent en faisant des étirements entre des bâtonnets d’encens. Seulement voilà, son visage répond à une même règle qui s’applique aussi à la tronche de politiciens sur les affiches électorales ; A première vue c’est un sourire, puis, en regardant le fond de ses yeux, vous y verrez de la mélancolie, voire des envies de suicide. Voilà pourquoi les termes « méditation qui vous figes pour toujours dans la peur avec un sourire romantique » sont si bien choisis par monsieur de la tête. Si vous avez bien compris la leçon du sho-zung, vous ne tenterez plus d’avoir l’air sympa et relaxé, même sans Juvamine, parce que tout le monde sait que c’est faux. Vous n’êtes ni heureux ni détendu alors arrêtez de jouer, c’est énervant. Bien sûr ça ne s’adresse qu’à ceux qui font semblant.

Qui se cache derrière le Liquide de la Tête?

Je pense que c’est plutôt le Liquide de la Tête qui se cache en quelques uns d’entre nous ! Mais pour répondre à cette question autrement que par une pirouette un peu branchée (qui plairait bien à quelqu’un qui lit secrètement le magazine Télé poche sous ecstasy dans les toilettes, par exemple) je précise que le Liquide de la tête , en général, n’a qu’une seule et unique enveloppe corporelle terrestre : je dis “en général”, non pas parce que les habits de militaires sont sexy, mais parce que sur certains projets (comme des films, où une équipe est souvent de rigueur) plusieurs personnes ont été « liquide de la tête » avec un plaisir non dissimulé.

2007, 4'30"

Jeune vidéaste canadien, mathématicien à ses heures perdues, si vous tombez sur le nom de Clint Enns dans un festival de cinéma quelconque, ne passez pas votre chemin, il y a un monde derrière.

Clint Enns produit des images, beaucoup d’images, sans grand souci d’homogénéité graphique. On passe d’une animation en ASCII (norme de codage en informatique) assez pointue à un extrait retravaillé de l’Histoire sans fin, via une coloscopie sur fond de courrier de fan et du cinéma expérimental pur et dur. Toute forme est juste lorsqu’elle nourrit le même propos. L’artiste s’intéresse surtout au langage des images. Il explore les rapports entre le langage naturel (celui des hommes) et le langage formel (celui des ordinateurs). Pour donner un exemple concret : lorsque vous tapez des mots-clés dans un moteur de recherches, l’ordinateur effectue une traduction du langage naturel au langage formel. Clint Enns explore les limites de ces traductions, les échecs fréquents et les incompréhensions mutuelles par la vidéo.

Dans chacune de ses productions, il se situe à cheval entre l’abstrait et le figuratif, entre le général et l’anecdotique. Soit : une démarche artistique extrêmement proche de la recherche mathématique, mais que cela ne vous effraie point, c’est très drôle la plupart du temps, et suffisamment déroutant pour stimuler votre curiosité. L’emploi de techniques et de sujets souvent passés (magnétoscope, caméra super-8, Game Boy, vidéos ready-made kitsch ou de bugs informatiques bling-bling tels que le datamoshing) génèrent un questionnement sur les relations hommes-machines tout à fait contemporain malgré la désuétude des images produites. Si le langage pur semble être sa préoccupation première, on note également des intérêts sociaux liés à la technologie (portraits webcam d’accros aux chats dans Putting yourself out there) ainsi que des essais assez novateurs sur le plan de la narration : The Saga of Erik the Viking transforme une narration participative de jeu vidéo en un film où le spectateur subit les choix de l’artiste (frustrant !).

Vergine Keaton est une artiste plasticienne qui vit et travail à Lyon. Son court-métrage Je Criais Contre La Vie Ou Pour Elle a été projeté à Annecy en 2009, mais aussi à Clermont-Ferrand et à Cannes. Fluidity a eu la chance de l'interviewer pour vous! 

Quel est votre parcours?

Je me suis orientée assez tôt vers les arts, j’ai fait un lycée arts appliqués à Saint-Etienne. Ensuite, je me suis spécialisée dans le travail de l’image, j’ai passé un BTS de graphisme à Lyon. À la fin de ce parcours, je savais que l’image était quelque chose qui m’intéressait fortement, mais j’avais un manque par rapport à l’écriture, à la narration. Sans idée très précise, je me suis inscrite alors en Fac arts du spectacle à Lyon, option cinéma-photo. Je pensais plutôt travailler autour du documentaire et de l’expérimental. À 24 ans, j’ai fini mes études, je suis devenue illustratrice indépendante. Mais je n’avais pas de réelle ambition personnelle dans ce secteur. je travaillais exclusivement pour de la commande (dessins de presse, affiche de théâtre, production musicale…) En parallèle, je remplissais un tas de carnets, avec plein d’idées dans tous les sens. Je savais que je voulais partir sur des projets plus personnels, sans trop savoir quelles formes ils prendraient. En 2007, Pascaline Saillant, avec qui j’étais à la fac, m’a appelée. Elle venait de monter une société de production de courts métrages, elle se souvenait de petits films d’animation que je bricolais à la fac. Elle m’a proposé d’écrire un film qu’elle produirait s’il lui plaisait. C’est comme ça que j’ai écrit Je Criais Contre La Vie Ou Pour Elle et cela a été une vraie révélation. Ecrire et réaliser un film correspond à la forme d’expression la plus juste et la plus évidente pour moi. Aujourd’hui, c’est une voix dans laquelle je suis pleinement engagée et pour laquelle j’ai une vraie ambition, même si je dois encore travailler en illustration de commande pour des raisons alimentaires.

Qu’est ce qui stimule votre créativité?

Ce qui me stimule, c’est la découverte de propositions artistiques, d’écriture personnelle, quelle qu’en soit la forme. J’ai à la base un très fort goût pour les arts visuels, la peinture en particulier. Je connais bien mieux l’histoire de l’art que celle du cinéma d’animation à laquelle je commence tout juste à m’intéresser. Mais c’est aussi dans la musique, dans la lecture, dans le cinéma «classique» que naissent des envies. Je pratique pas mal «l’éponge», c’est-à-dire que je suis relativement curieuse, j’aime lire des articles de sciences, d’anthropologie, autant que les Evangiles, ou aller voir le dernier Harry Potter, lire des essais sur la Renaissance italienne, ou un reportage sur la guerre civile en Espagne. Je suis spécialiste de rien, mais curieuse de beaucoup de choses. Et des liens peuvent se créer au milieu de tout cela et faire naître des envies, des projets.

Avez-vous un mentor ou un «film-mentor»?

Pas vraiment. Il y des découvertes qui ont été très marquantes, je pense notamment à Ordet de Dreyer, à La Pluie d’Été de Duras, à Kim Novak dans Vertigo ou à la musique de Electrelane qui ont été des grosses claques à leur découverte et qui restent depuis toujours en moi, que j’aime relire, revoir ou écouter avant de me lancer dans un projet. Mais pour autant, ce ne sont pas des projets qui ressemblent à des choses à que j’aimerais réaliser. Je n’écrirai jamais un film comme Ordet par exemple. Je suis plus «romantique» dans ma forme d’écriture. J’aime souvent des oeuvres assez austères mais j’écris des choses plus sentimentales.

Un film réussi c’est?

Il y a des films de formes très diverses qui sont réussis. C’est difficile à dire, c’est une vraie question que l’on se pose soi-même, au moment d’écrire un film. Alors, très largement, un film réussi, c’est un fi lm qui est humble, c’est-à-dire qui ne recherche pas l’effet ou l’extraordinaire, qui n’impose pas à un spectateur une vision unique et étriquée d’un réalisateur qui aurait un message, une vérité à nous enseigner. C’est un film qui déroule le plus justement possible une intention, qui s’y tient, quelle qu’elle soit et qui partage. Qui donne envie de découvrir, de réfl échir. Et qui ne se refuse pas à une part d’incompréhension. On n’est pas toujours obligé de tout comprendre, il y des choses qui passe par de l’abstrait, de l’émotion et du ressenti. C’est tout aussi important que la narration. C’est un peu vague n’est-ce pas?

Pensez-vous que ce soit nécessaire de passer par une école pour devenir réalisateur?

Eh bien non. Ça relève d’une envie, pas d’une technique ou d’un apprentissage. Aujourd’hui, j’aurais peut être aimé passer par une école de réalisation ou d’animation. Parce que j’imagine qu’il y a une grande stimulation qui se crée avec les autres étudiants, avec les intervenants. Parce que c’est un temps où l’on affine son écriture, sa singularité et d’où on ressort avec un savoir technique bien utile. Mais on peut faire autrement. On se fabrique les moyens au gré des projets.

Que pensez-vous de la programmation du festival d’Annecy?

Les Christie, une famille anglaise de classe moyenne, ont une vie bien triste et ennuyeuse. Le père, Mister Christie est présenté par Mulloy comme un personnage arrogant, égoïste, pragmatique et bourré de certitudes. Sa femme, quant à elle, tente de tenir la tête hors de l’eau en se réfugiant chez le curé du village (qui désire cette dernière en secret). Leur fils Terry est un adolescent désabusé et désinvolte en rupture avec son environnement familial.